La consultoría Arte Global se consolida en el mercado del arte
Arte Global, consultoría de arte, ha trasladado su sede al Centro de Negocios Albatros en el Parque Empresarial de Arroyo de la Vega. Este cambio ha coincidido con una nueva imagen corporativa vinculada a sus servicios de asesoría y gestión de patrimonio artístico a empresas, instituciones y particulares.
Arte Global se consolida en el mercado con una oferta personalizada y exclusiva de servicios vinculados al arte. Arte Global es especialista en asesorar en coleccionismo e inversión en arte a clientes privados y corporativos, como Uría y Menéndez Abogados. Para ello, selecciona las mejores obras de arte, según el perfil y aversión al riesgo de cada cliente, recurriendo a galerías, subastas y marchantes para encontrar la pieza que, según criterios de imagen corporativa y de coleccionismo, mejor encaja en cada proyecto.
El pasado septiembre la prestigiosa web artprice.com, especializada en información sobre mercado del arte, publicaba un estudio comparativo sobre la inversión en arte, bolsa o inmuebles de Nueva York y Londres durante el periodo enero 2001 y julio 2005. En la ciudad inglesa, frente al crecimiento del 91% del mercado inmobiliario, el mercado del arte se había incrementado en un 92 % (tomándose como referencia los precios rematados en las casas de subastas) y la variación de los mercados financieros (FTSE100) era del -21,5%. Al otro lado del Atlántico, el incremento de precios del arte era sólo de un 47% frente a un incremento del 91% en los activos inmobiliarios y un 0,5% del Down Jones IA.
Elisa Hernando es la impulsora y creadora del proyecto Arte Global. Licenciada en Administración de Empresas e Historia del Arte (UAM), con más de diez años de experiencia en el sector del arte y financiero (Citibank y The Bank of New York), es profesora del master de Mercado del Arte de la Universidad Antonio Nebrija, articulista y conferenciante sobre arte y economía. Recientemente se han incorporado dos socios reforzando las áreas financiera y de marketing.
“El mercado del arte es complejo y muy especializado, dificultades como las falsificaciones, los mecanismos de fijación de precios, o saber identificar el buen arte, pueden convertir nuestra inversión en arriesgada” y añade “por lo que para participar con éxito, es imprescindible hacerlo con el conocimiento profundo que ofrece la experiencia del consultor de arte”, comenta Elisa Hernando Arte Global asesora en la compra y venta de arte ahorrando tiempo y minimizando los riesgos gracias a su visión global del mercado del arte, objetividad y capacidad negociadora.
Arte Global organiza para sus clientes actividades culturales y de formación vinculadas al arte. Según Elisa Hernando “es imprescindible que nuestros clientes conozcan el por qué y de qué manera se compone su colección, de ahí, la importancia de la labor educativa” y añade “se puede invertir y coleccionar arte con éxito de la mano de un consultor a partir de 6.000 € al año”.
31 January 2006
Dellacroix & Dellfina en PicassoMio Barcelona
Dellacroix & Dellfina
Entre la Realidad y la Ilusión.
Del 26 de enero al 18 de marzo de 2006, PicassoMio Gallery acoge en su galería de Barcelona la exposición Dellacroix y Dellfina: Studioutopiaâ€, en la que se muestra obra de los artistas Agnieszka Dellfina y Thomas Dellacroix.
Dellacroix y Dellfina trabajan y viven juntos. Sus obras conjuntas tratan de la complejidad de la naturaleza humana. A pesar de que sus puntos de vista son a menudo drásticamente diferentes, siempre dan como resultado una fructífera y creativa cooperación. Thomas y Agnieszka señalan que a traves de la mezcla de las contribuciones de ambos, crean una vision de la realidad más sincera.
Su cooperación pasa por la pintura, el collage, la obra gráfica, el tapiz y la fotografía. Durante los últimos dos años, han sido pioneros de la escena artística empleando una nueva técnica digital llamada “Lenticularsâ€- imágenes que se mueven ópticamente. En esta exposición PicassoMio muestra en Barcelona, la obra de estos dos reconocidos artistas, y para ello, ha recopilado ejemplos de cada una de sus técnicas, junto a la serie fotográfica “Metamorphosisâ€.
Para crear la serie “Metamorfosisâ€, los artistas se meten en la piel de personajes famosos de la historia contemporánea. Como todos sus proyectos, éste es una exploración de la línea que separa la realidad y la ficción y, en este caso, la frontera entre la personalidad del sujeto «autorretratado» y su imagen. Si miramos de cerca la imagen de Lady Di, podemos leer su destino en su diadema, realizada con corazones de rubí, carabelas y el logo-símbolo de Mercedes-Benz.
Los personajes que Dellacroix y Dellfina han elegido para retratar, funcionan en la memoria colectiva como símbolos, muy a menudo independientemente de sus personalidades o sus intenciones. El Che Guevara se convierte así en un héroe de supermercado, y Marilyn Monroe, en un sex symbol y una víctima de la sociedad masculina.
La exposición recoge un total de 54 piezas, entre fotografía, pintura, tapiz, “lenticularsâ€, obra gráfica y collage, de medio y gran formato y precios desde 1300 Euros.
*Para información específica e imagenes contactar con la galeria en la dirección abajo indicada.
PicassoMio Gallery
C/ Córsega, 263 bis
08008 Barcelona
Atn. Arian Martin Montaner
Tel. 93 368 51 84
Email: barcelona@picassomio.com
NARVIK CONCEPTS representa los intereses de AICOA en REINO UNIDO y EEUU
NARVIK CONCEPTS representa los intereses de AICOA en REINO UNIDO y EEUU
Muere Nam June Paik, padre del videoarte y pionero en el uso creativo de la tecnología
Muere Nam June Paik, padre del videoarte y pionero en el uso creativo de la tecnología
El Guggenheim dedicó al artista una muestra en 2001.
El padre el videoarte, Nam June Paik, murió ayer a los 73 años en su casa de Miami (Estados Unidos), después de una larga enfermedad. Visitó Bilbao en junio de 2001, para inauguar en el Museo Guggenheim una retrospectiva sobre su obra, una de las más influyentes en el arte actual por su cáracter pionero. El artista coreano apareció entonces en una silla de ruedas, debido a una apoplejía, y repitió varias veces que, después de aquella muestra, ya podía «morir feliz».
La guía de su trabajo artístico consistió en humanizar la tecnología y transformarla en un instrumento de reflexión crítica y de diversión. Nacido en Seúl (Corea) en 1932, estudiante de música en Tokio, comenzó su carrera artística en Alemania y la continuó en Estados Unidos.
A sus inicios en la música de vanguardia de la mano de John Cage, le siguieron sus experiencias en el grupo alemán Fluxus, fundado por John Maciunas y en el que también participó Joseph Beuys. En todos estos acontecimientos artísticos de los años sesenta -el arte conceptual, los 'happenings' y las 'performances', las conexiones entre el vídeo y las instalaciones- está el nombre de Paik como figura seminal.
LA REVISTA "ARTE Y PARTE" TRASLADA SU REDACCIÓN A MALAGA
LA REVISTA "ARTE Y PARTE" TRASLADA SU REDACCIÓN A MALAGA
La revista Arte y Parte que edita Fernando Francés, director del CAC Málaga, estará presente por décimo año consecutivo en la Feria Internacional de Arte Contemporáneo ARCO. La asistencia de Arte y Parte, dirigida por el crítico de arte Fernando Huici, suma ARCO a su habitual presencia en ferias del prestigio de Art Basel, Armory Show de Nueva York, París Photo o Art Basel-Miami Beach, evidenciando su liderazgo absoluto entre las revistas españolas especializadas en arte contemporáneo en el contexto internacional. Esta revista cuenta además con distribución en más de 50 países.
Por otra parte la revista prepara la mudanza a Málaga, donde en breve instalará su sede social y su redacción, incluyendo obviamente el traspaso de su equipo técnico y humano. Esto supondrá que Málaga contará con la revista especializada de mayor influencia y tirada en el sector del arte contemporáneo en lengua española del mundo y supondrá unas sinergias indudables para el mundo cultural no sólo malagueño sino de toda Andalucía. Su llegada supondrá un mayor compromiso con el arte andaluz y una contribución decisiva a su difusión internacional. Además será un portavoz de gran proyección de los aspectos artísticos e incluso turísticos de Málaga y Andalucía.
Arte y Parte celebra en esta edición su décimo aniversario. La revista vio la luz en febrero de 1996. Nacía entonces una nueva publicación de arte con dos objetivos claros: por un lado, informar de forma exhaustiva de las exposiciones más importantes; por otro, servir de foro de opinión a las figuras más relevantes del panorama artístico internacional. En este tiempo, Arte y Parte se ha convertido en una referencia dentro del mundo artístico siendo además la revista cultural española con un mayor apoyo publicitario del sector pero manteniendo su carácter independiente y comprometido con la difusión del arte contemporáneo.
Entre los colaboradores habituales de la revista se encuentran nombres de prestigio internacional como John Berger, Dore Ashton, Gabriele Finaldi o Victor Stoichita, españoles como Francisco Calvo Serraller, Estrella de Diego, Vicente Molina Foie, Simón Marchán Fiz, Rosa Queralt, Daniel Giralt-Miracle, José-Miguel Ullán, Juan Manuel Bonet, Javier Maderuelo, Guillermo Solana, Miguel Fernández Cid, Valeriano Bozal o incluso artistas como Eduardo Arroyo, Juan Muñoz, Albert Ràfols-Casamada, Luis Gordillo, Guillermo Pérez Villalta, Ángel Mateo Charris, Juan Uslé, Txomin Badiola, James Turrel, Bill Viola, Juan Luis Moraza, Xesús Vázquez, Fernando Sinaga, Curro González, Marina Núñez, Ettore Spaletti o Jiri G. Dokoupil.
La revista Arte y Parte que edita Fernando Francés, director del CAC Málaga, estará presente por décimo año consecutivo en la Feria Internacional de Arte Contemporáneo ARCO. La asistencia de Arte y Parte, dirigida por el crítico de arte Fernando Huici, suma ARCO a su habitual presencia en ferias del prestigio de Art Basel, Armory Show de Nueva York, París Photo o Art Basel-Miami Beach, evidenciando su liderazgo absoluto entre las revistas españolas especializadas en arte contemporáneo en el contexto internacional. Esta revista cuenta además con distribución en más de 50 países.
Por otra parte la revista prepara la mudanza a Málaga, donde en breve instalará su sede social y su redacción, incluyendo obviamente el traspaso de su equipo técnico y humano. Esto supondrá que Málaga contará con la revista especializada de mayor influencia y tirada en el sector del arte contemporáneo en lengua española del mundo y supondrá unas sinergias indudables para el mundo cultural no sólo malagueño sino de toda Andalucía. Su llegada supondrá un mayor compromiso con el arte andaluz y una contribución decisiva a su difusión internacional. Además será un portavoz de gran proyección de los aspectos artísticos e incluso turísticos de Málaga y Andalucía.
Arte y Parte celebra en esta edición su décimo aniversario. La revista vio la luz en febrero de 1996. Nacía entonces una nueva publicación de arte con dos objetivos claros: por un lado, informar de forma exhaustiva de las exposiciones más importantes; por otro, servir de foro de opinión a las figuras más relevantes del panorama artístico internacional. En este tiempo, Arte y Parte se ha convertido en una referencia dentro del mundo artístico siendo además la revista cultural española con un mayor apoyo publicitario del sector pero manteniendo su carácter independiente y comprometido con la difusión del arte contemporáneo.
Entre los colaboradores habituales de la revista se encuentran nombres de prestigio internacional como John Berger, Dore Ashton, Gabriele Finaldi o Victor Stoichita, españoles como Francisco Calvo Serraller, Estrella de Diego, Vicente Molina Foie, Simón Marchán Fiz, Rosa Queralt, Daniel Giralt-Miracle, José-Miguel Ullán, Juan Manuel Bonet, Javier Maderuelo, Guillermo Solana, Miguel Fernández Cid, Valeriano Bozal o incluso artistas como Eduardo Arroyo, Juan Muñoz, Albert Ràfols-Casamada, Luis Gordillo, Guillermo Pérez Villalta, Ángel Mateo Charris, Juan Uslé, Txomin Badiola, James Turrel, Bill Viola, Juan Luis Moraza, Xesús Vázquez, Fernando Sinaga, Curro González, Marina Núñez, Ettore Spaletti o Jiri G. Dokoupil.
La Fundación SCH presentó el nuevo catálogo de su colección de arte
La Fundación SCH presentó el nuevo catálogo de su colección de arte
Una nueva sala en Boadilla del Monte de 3.000 metros cuadrados acogerá una selección de obras maestras que abarcan desde el siglo XVI a nuestros días
MADRID. El director gerente de la Fundación Santander Central Hispano, Javier Aguado -que presentó el catálogo de la Colección de arte del SCH, junto a José Manuel Cruz Valdovinos- relataba ayer cómo todo comenzó con la compra del Banco Urquijo que incluía sus obras artísticas, adquiridas con voluntad coleccionista. De ahí hasta ahora, las fusiones y absorciones que han marcado la historia de la entidad han ido aquilatando paralelamente una colección de grandes obras que abarca desde el siglo XVI a nuestros días.
El libro presentado ayer describe una selección de 300 obras, y en él destaca la incorporación de 23 lienzos de José Gutiérrez Solana, que supone haber reunido todos los temas que pintó el artista. Nace con voluntad de ser «una obra de referencia del coleccionismo» gracias al asesoramiento de especialistas en cada materia, entre los que destacan Alfonso Pérez-Sánchez, Francisco Calvo Serraller, Matías Díez Padrón, Fernando Benito, Manuela Mena y el propio Cruz Valdovinos.
Los casi cien años de historia de esta gran colección, paralela en su desarrollo a la del Banco, culminan ahora con la creación de un museo en la ciudad que la entidad ha erigido en Boadilla del Monte, una sala con 3.000 metros cuadrados en la que se mostrarán 241 obras, además de las esculturas que decorarán la zona, como ya informó ABC el pasado sábado.
El Catálogo abarca desde Cranach, El Greco, Rubens, Van Dyck, Zurbarán, Casas, Sorolla, Mir, Zuloaga a Picasso, Miró, Tapies, Saura, Palazuelo, Miralles, Sicilia o Barceló, entre otros, la escultura de Gregorio Fernández, Mena, Alberto Sánchez, Chirino y Chillida y las últimas incorporaciones de Richard Serra, Anish Kapoor, Juan Muñoz y Richard Deacon.
Una nueva sala en Boadilla del Monte de 3.000 metros cuadrados acogerá una selección de obras maestras que abarcan desde el siglo XVI a nuestros días
MADRID. El director gerente de la Fundación Santander Central Hispano, Javier Aguado -que presentó el catálogo de la Colección de arte del SCH, junto a José Manuel Cruz Valdovinos- relataba ayer cómo todo comenzó con la compra del Banco Urquijo que incluía sus obras artísticas, adquiridas con voluntad coleccionista. De ahí hasta ahora, las fusiones y absorciones que han marcado la historia de la entidad han ido aquilatando paralelamente una colección de grandes obras que abarca desde el siglo XVI a nuestros días.
El libro presentado ayer describe una selección de 300 obras, y en él destaca la incorporación de 23 lienzos de José Gutiérrez Solana, que supone haber reunido todos los temas que pintó el artista. Nace con voluntad de ser «una obra de referencia del coleccionismo» gracias al asesoramiento de especialistas en cada materia, entre los que destacan Alfonso Pérez-Sánchez, Francisco Calvo Serraller, Matías Díez Padrón, Fernando Benito, Manuela Mena y el propio Cruz Valdovinos.
Los casi cien años de historia de esta gran colección, paralela en su desarrollo a la del Banco, culminan ahora con la creación de un museo en la ciudad que la entidad ha erigido en Boadilla del Monte, una sala con 3.000 metros cuadrados en la que se mostrarán 241 obras, además de las esculturas que decorarán la zona, como ya informó ABC el pasado sábado.
El Catálogo abarca desde Cranach, El Greco, Rubens, Van Dyck, Zurbarán, Casas, Sorolla, Mir, Zuloaga a Picasso, Miró, Tapies, Saura, Palazuelo, Miralles, Sicilia o Barceló, entre otros, la escultura de Gregorio Fernández, Mena, Alberto Sánchez, Chirino y Chillida y las últimas incorporaciones de Richard Serra, Anish Kapoor, Juan Muñoz y Richard Deacon.
LA CAM ADJUDICA A SEIS ARTISTAS 94.000 EUROS EN BECAS ARTES PLÁSTICAS QUE SE REALIZARÁN EN ESPAÑA, BERLÍN Y TOKIO
La Caja de Ahorros del Mediterráneo ha resuelto conceder un total de 94.000 euros en la III convocatoria de las Becas CAM de Artes Plásticas a seis jóvenes artistas, quienes realizarán sus creaciones en diversas ciudades españolas, y también en Berlín y en Tokio.
Los artistas seleccionados recibirán cantidades que oscilan entre los 14.000 y los 24.000 euros para desarrollar sus proyectos en diferentes disciplinas artísticas: arquitectura, dibujo, net art, video, cómic y pintura. Tres de los adjudicatarios proceden de Barcelona, y los restantes, de Valencia, San Sebastián y Granada.
Las becas tienen una duración de un año, van dirigidas a artistas entre los 23 y los 40 años, españoles o residentes, y tienen como objetivo fomentar y descubrir nuevos valores creativos.
“Francesc Ruiz en Tokyo” es el titulo de un proyecto que consiste en la realización de un cómic que, de manera autobiográfica, muestre el recorrido del artista por las calles de Tokyo, intentando asimilar e introducirse en toda la subcultura de los otakus -o fans del manga-: los congresos que realizan, sus lugares de reunión, las librerías donde publican.
“Burdel: me tienes”, en formato video, se llevará a cabo en Berlín. Su autora es Tere Recarens Roura y vive en la capital alemana junto a un prostíbulo. Se involucra mediante su trabajo en la sociedad ofreciendo resultados espontáneos y abordando con humor problemas sociales y políticos de nuestro tiempo.
El valenciano Moisés Mahiques propone desarrollar con “Tras-cabeza” un trabajo de investigación en torno al dibujo y las posibilidades expresivas y gestuales de la línea, entendida en su concepto más puro.
Por su parte, la donostiarra Maider López Sáenz ha optado por un proyecto de arquitectura y diseño, “El espacio circundante como la propia pieza”, que consiste en la investigación y desarrollo del trabajo alrededor de la idea de la unión de arte con arquitectura y diseño.
Iván Marino realizará “Ensayos sobre la mirada” en DVD/net art y estudiará en profundidad el lenguaje del vídeo interactivo con soporte en Redes Informáticas (Internet, Intranet, etc.), dimensionando su alcance y su proyección social en el terreno del arte.
Por último, Simón Zabell propone desde Granada desarrollar en “La Jalousie” un proyecto a gran escala utilizando diferentes medios como la pintura, la instalación y el papel impreso, que pretende reconstruir la experiencia de la lectura de la novela homónina del escritor francés Alain Robbe-Grillet
Los artistas seleccionados recibirán cantidades que oscilan entre los 14.000 y los 24.000 euros para desarrollar sus proyectos en diferentes disciplinas artísticas: arquitectura, dibujo, net art, video, cómic y pintura. Tres de los adjudicatarios proceden de Barcelona, y los restantes, de Valencia, San Sebastián y Granada.
Las becas tienen una duración de un año, van dirigidas a artistas entre los 23 y los 40 años, españoles o residentes, y tienen como objetivo fomentar y descubrir nuevos valores creativos.
“Francesc Ruiz en Tokyo” es el titulo de un proyecto que consiste en la realización de un cómic que, de manera autobiográfica, muestre el recorrido del artista por las calles de Tokyo, intentando asimilar e introducirse en toda la subcultura de los otakus -o fans del manga-: los congresos que realizan, sus lugares de reunión, las librerías donde publican.
“Burdel: me tienes”, en formato video, se llevará a cabo en Berlín. Su autora es Tere Recarens Roura y vive en la capital alemana junto a un prostíbulo. Se involucra mediante su trabajo en la sociedad ofreciendo resultados espontáneos y abordando con humor problemas sociales y políticos de nuestro tiempo.
El valenciano Moisés Mahiques propone desarrollar con “Tras-cabeza” un trabajo de investigación en torno al dibujo y las posibilidades expresivas y gestuales de la línea, entendida en su concepto más puro.
Por su parte, la donostiarra Maider López Sáenz ha optado por un proyecto de arquitectura y diseño, “El espacio circundante como la propia pieza”, que consiste en la investigación y desarrollo del trabajo alrededor de la idea de la unión de arte con arquitectura y diseño.
Iván Marino realizará “Ensayos sobre la mirada” en DVD/net art y estudiará en profundidad el lenguaje del vídeo interactivo con soporte en Redes Informáticas (Internet, Intranet, etc.), dimensionando su alcance y su proyección social en el terreno del arte.
Por último, Simón Zabell propone desde Granada desarrollar en “La Jalousie” un proyecto a gran escala utilizando diferentes medios como la pintura, la instalación y el papel impreso, que pretende reconstruir la experiencia de la lectura de la novela homónina del escritor francés Alain Robbe-Grillet
Mallorca acogerá una edición anual de Art Cologne a partir 2007
Mallorca acogerá a partir de 2007 una edición de la feria de arte contemporáneo Art Cologne, un salón que celebra este año sus 40 años en la ciudad alemana de Colonia y que se encuentra entre los más prestigiosos de sus características, con lo que el certamen contará con dos citas anuales.
Así consta en el preacuerdo alcanzado por los organizadores del salón alemán y la empresa pública Ferias y Congresos de Baleares, del que sus promotores informaron hoy al presidente del Govern, Jaume Matas.
En declaraciones posteriores al encuentro, el presidente de la asociación de galeristas Art Palma, Pep Pinya, y el director general de Ferias y Congresos, Joan Bibiloni, informaron del apoyo mostrado por Matas a esta iniciativa, que será respaldada por el Ejecutivo autonómico.
El gerente de Ferias de Colonia, Oliver Kuhrt, destacó que Mallorca es un emplazamiento muy interesante para organizar una segunda edición anual del certamen alemán por el gran número de personas interesadas por el arte que atrae la isla, así como por sus infraestructuras hoteleras y de negocios.
Ese fue el motivo por el que los organizadores de Art Cologne se pusieron en contacto con Ferias y Congresos de Baleares cuando hace dos años tuvieron conocimiento del interés de esta entidad por organizar un evento de sus características, muy similares a las de Arco, el salón internacional de arte contemporáneo de Madrid.
Bibiloni explicó que aún no se ha decidido el emplazamiento de la futura feria, que se denominará Art Cologne Mallorca, pero señaló que será preciso un recinto de unos 20.000 metros cuadrados de carácter permanente, ya que los organizadores quieren evitar que el salón se organice bajo carpas.
Añadió que se tendrán en cuenta los importantes recursos que ofrece Palma, pero apuntó que también podría celebrarse en otro municipio.
El mes elegido en un principio para albergar la feria es mayo, aunque se puede modificar, expuso Kuhrt, quien indicó que el salón mallorquín se celebraría 'en primavera u otoño'.
Asimismo, los organizadores de Art Cologne, cuyo vicepresidente, Gerard Goodrow, también asistió al encuentro con Matas, podrían cambiar la celebración de la feria alemana, que este noviembre alcanzará su edición número 40.
Pinya comentó que el apoyo institucional ofrecido por el Govern no sólo se circunscribiría a la aportación de subvenciones para su organización, sino que también puede consistir en apoyo promocional y logístico, aunque precisó que este aspecto no se había abordado en la entrevista con el presidente balear.
Así consta en el preacuerdo alcanzado por los organizadores del salón alemán y la empresa pública Ferias y Congresos de Baleares, del que sus promotores informaron hoy al presidente del Govern, Jaume Matas.
En declaraciones posteriores al encuentro, el presidente de la asociación de galeristas Art Palma, Pep Pinya, y el director general de Ferias y Congresos, Joan Bibiloni, informaron del apoyo mostrado por Matas a esta iniciativa, que será respaldada por el Ejecutivo autonómico.
El gerente de Ferias de Colonia, Oliver Kuhrt, destacó que Mallorca es un emplazamiento muy interesante para organizar una segunda edición anual del certamen alemán por el gran número de personas interesadas por el arte que atrae la isla, así como por sus infraestructuras hoteleras y de negocios.
Ese fue el motivo por el que los organizadores de Art Cologne se pusieron en contacto con Ferias y Congresos de Baleares cuando hace dos años tuvieron conocimiento del interés de esta entidad por organizar un evento de sus características, muy similares a las de Arco, el salón internacional de arte contemporáneo de Madrid.
Bibiloni explicó que aún no se ha decidido el emplazamiento de la futura feria, que se denominará Art Cologne Mallorca, pero señaló que será preciso un recinto de unos 20.000 metros cuadrados de carácter permanente, ya que los organizadores quieren evitar que el salón se organice bajo carpas.
Añadió que se tendrán en cuenta los importantes recursos que ofrece Palma, pero apuntó que también podría celebrarse en otro municipio.
El mes elegido en un principio para albergar la feria es mayo, aunque se puede modificar, expuso Kuhrt, quien indicó que el salón mallorquín se celebraría 'en primavera u otoño'.
Asimismo, los organizadores de Art Cologne, cuyo vicepresidente, Gerard Goodrow, también asistió al encuentro con Matas, podrían cambiar la celebración de la feria alemana, que este noviembre alcanzará su edición número 40.
Pinya comentó que el apoyo institucional ofrecido por el Govern no sólo se circunscribiría a la aportación de subvenciones para su organización, sino que también puede consistir en apoyo promocional y logístico, aunque precisó que este aspecto no se había abordado en la entrevista con el presidente balear.
29 January 2006
Miró y Gauguin, protagonistas en Sotheby's
Miró y Gauguin, protagonistas en Sotheby's
La firma realizará una subasta el próximo 7 de febrero en Londres centrada en el arte impresionista y moderno
Miró, Picasso y Gauguin serán los protagonistas de la subasta de arte impresionista y moderno que celebrará la casa Sotheby's en Londres el próximo 7 de febrero. El óleo sobre tela «L'oiseau au plumage déployé vole vers l'arbre argenté», de Joan Miró, tendrá un precio de salida que oscilará entre los 6.570.000 y los 9.500.000 euros, lo que supone un récord para una obra del artista y que convertirá al lienzo en la estrella de la subasta. El cuadro más caro será «Deux femmes or la chevelure fleurie», de Paul Gauguin, con un precio inicial de entre 16.330.000 y 20.790.000 euros.
La puja también contará con otros dos cuadros de Miró. «Paysage de Sant Martin», pintado en 1916, tendrá un precio de salida de entre 372.000 y 520.000 euros, y, «Femme, oiseaux, étoile I», de entre 446.000 y 595.000 euros. Este último fue pintado por el artista en 1967. «L'oiseau au plumage déployé vole vers l'arbre argenté», por su parte, fue pintado en 1953 y «combina el amor del artista por los signos y los símbolos con una temática narrativa que es pasional, juguetona e intensamente creativa», explica el catálogo de la puja.
Pablo Picasso estará presente con tres obras: «Sur le plage», «La femme au chat» y «Homme à la pipe». Esta última tendrá un precio de salida de entre 4.160.000 y 5.650.000 euros. Es un óleo sobre tela pintado en 1968 que trata el tema de los mosqueteros. «La imagen del mosquetero permite a Picasso escaparse de las limitaciones de los problemas de los objetos contemporáneos para explorar el espíritu de épocas pasadas», según el catálogo de la subasta.
«Deux femmes or la chevelure fleurie», un óleo sobre tela de 1902, fue ejecutado por Gauguin durante su segunda y última visita a los Mares del Sur. El cuadro muestra «la fascinación del artista por los paisajes idílicos». «La dinámica, la paleta viva del lienzo evoca la riqueza de la naturaleza que tanto excitó al autor, y el cálido, el dorado amarillento de los cuerpos de las mujeres, contrasta con los matices púrpuras del fondo».
La firma realizará una subasta el próximo 7 de febrero en Londres centrada en el arte impresionista y moderno
Miró, Picasso y Gauguin serán los protagonistas de la subasta de arte impresionista y moderno que celebrará la casa Sotheby's en Londres el próximo 7 de febrero. El óleo sobre tela «L'oiseau au plumage déployé vole vers l'arbre argenté», de Joan Miró, tendrá un precio de salida que oscilará entre los 6.570.000 y los 9.500.000 euros, lo que supone un récord para una obra del artista y que convertirá al lienzo en la estrella de la subasta. El cuadro más caro será «Deux femmes or la chevelure fleurie», de Paul Gauguin, con un precio inicial de entre 16.330.000 y 20.790.000 euros.
La puja también contará con otros dos cuadros de Miró. «Paysage de Sant Martin», pintado en 1916, tendrá un precio de salida de entre 372.000 y 520.000 euros, y, «Femme, oiseaux, étoile I», de entre 446.000 y 595.000 euros. Este último fue pintado por el artista en 1967. «L'oiseau au plumage déployé vole vers l'arbre argenté», por su parte, fue pintado en 1953 y «combina el amor del artista por los signos y los símbolos con una temática narrativa que es pasional, juguetona e intensamente creativa», explica el catálogo de la puja.
Pablo Picasso estará presente con tres obras: «Sur le plage», «La femme au chat» y «Homme à la pipe». Esta última tendrá un precio de salida de entre 4.160.000 y 5.650.000 euros. Es un óleo sobre tela pintado en 1968 que trata el tema de los mosqueteros. «La imagen del mosquetero permite a Picasso escaparse de las limitaciones de los problemas de los objetos contemporáneos para explorar el espíritu de épocas pasadas», según el catálogo de la subasta.
«Deux femmes or la chevelure fleurie», un óleo sobre tela de 1902, fue ejecutado por Gauguin durante su segunda y última visita a los Mares del Sur. El cuadro muestra «la fascinación del artista por los paisajes idílicos». «La dinámica, la paleta viva del lienzo evoca la riqueza de la naturaleza que tanto excitó al autor, y el cálido, el dorado amarillento de los cuerpos de las mujeres, contrasta con los matices púrpuras del fondo».
Los nuevos rastreadores de arte moderno MADRID
Son jóvenes directores de museos y conservadores con fino olfato para comprar arte contemporáneo en las galerías y ferias internacionales. Se “pelean” a diario con marchantes y destinan parte de su millonario presupuesto en apostar por nuevos creadores y obras de vanguardia. En vísperas de ARCO, del 9 al 13 de febrero, algunos de los más pujantes “rastreadores” cuentan sus estrategias para comprar.
La muchedumbre deambula, hace corrillos, charla y pasea los ojos por catálogos y revistas de postín. Se entremezcla por los stands y las instalaciones, a ver si se empapa de las esencias del diseño, o le entra en la sesera esa performance tan escandalosa de la que hablan los periódicos. Unos se entretienen en el runrún del arte contemporáneo; otros van al grano, chequera en mano. La escena es común en las ferias de arte moderno. Ocurre en Art Basel, en Suiza, olimpiada de la vanguardia; la secuencia encaja en las citas del vanidoso Miami; no obviar la FIAC de París, gran dama de la modernidad, o Madrid, con ese encuentro temático llamado ARCO (esta edición del 9 al 13 de febrero, con Austria como inspiración), certamen que cada año crece en objetivos, cifras y eco mediático.
Aristócratas, coleccionistas anónimos, clase media con pretensiones, visitantes oficiales, entendidos, millonarios tras un óleo de Lucien Freud o una fotografía de Manta Ray… Y por último, los profesionales que manejan el sector: marchantes, galeristas y, sobre todo, conservadores y directores de museos y centros de arte que rastrean como sabuesos el mercado en busca de nuevas piezas para aumentar sus colecciones permanentes. Persiguen las creaciones de ese artista tan prometedor, gangas imposibles, piezas que luego serán disfrutadas por el gran público en museos como el Reina Sofía, el IVAM levantino, el Artium de Vitoria, el Centro Galego… Comprar y vender algo tan volátil en su cotización —arte no superior a 125 años de antigüedad si hablamos de clásicos, no más de 30 las piezas más recientes— es un tira y afloja con varios ceros a la derecha, regateos y una atenta mirada fiscal.
La totalidad del sector mueve casi 800 millones de euros al año en España —26.000 millones en todo el mundo—, un país que cuenta con 85 museos y 600 espacios dedicados a este comercio en alza. Y el precio de las obras no cuelga de una etiqueta. La opacidad y cierto misterio convierten el sector en una jungla de glamour, casi inaccesible, aunque mucho más prosaica para los protagonistas de esta función: los responsables de la adquisición de piezas con destino final a los grandes museos y salas de arte contemporáneo españolas.
¿Pero quiénes rastrean talento tan inaprensible? ¿Cómo se miden los vaivenes de un mercado que recuerda los índices de la Bolsa? ¿Quién decide qué fondos comprar y en qué condiciones? ¿Cómo se adquiere una escultura de Chillida o una creación visual del estadounidense James Turrell? "Son decisiones muy pensadas. Como compramos con dinero público, tenemos que afinar al máximo, ya sea un clásico o un artista novel", declara Ainhoa Grandes, directora de la Fundación del Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (MACBA). La entidad tiene una estructura singular, ya que es un consorcio apuntalado por tres entidades: Ayuntamiento de la ciudad, Generalitat y Fundación. "Las nuevas obras las compra la Fundación, que busca recursos en el sector privado. Desde aquí analizamos precios del mercado, el artista y su obra, los periodos… Mi labor es acudir a todas las ferias y manejar las mejores fuentes para conocerlo todo sobre el autor. Además, hablo con conservadores que me indican cómo van los precios. Con los años, tejes una red, creas una cadena de relaciones", declara.
Proceso de compra. El MACBA busca arte español de los 80 e internacional de los 70. El cauce de compra no difiere mucho del resto de salas de nuestra geografía. Una comisión de expertos internacionales (María Corral, Lyn Cooke, Chris Dercon y Vicente Todolí) se reúne dos veces al año para estudiar cada propuesta de compra, con la supervisión del director del museo, Manuel J. Borja-Villel, los informes de Ainhoa y la visión artística de la conservadora María Antonia Perelló. Se presentan las obras que interesan, así como las propuestas espontáneas de galeristas, artistas y herederos. Las reuniones son maratonianas. Primero, porque hay que acertar con el criterio artístico; segundo, porque el patronato, que es el que gestiona el dinero contante y sonante, tiene que dar luz verde para que la pieza acabe en "el carro de la compra".
En el MACBA recuerdan arduos empeños. Por ello guardan especial cariño—incluso tuvieron que buscar sponsor para pagarla— por la obra Reykjavik slides, de Diter Roth. También por On subjectivity, arte electrónico de Antoni Muntadas, premio Nacional de Artes Plásticas presente en la bienal de Venecia, o la película del ruso Alexander Sokurov, Spiritual voices, que se proyecta en un bucle sin fin. La compra de todas ellas supo a gloria.
Las negociaciones recuerdan a los fichajes de fútbol. No se trata directamente con los artistas porque no tienen una perspectiva real de lo que vale su creación. Ésa es labor de los intermediarios, que se llevan jugosos porcentajes (entre el 40% y el 50%, el resto para el artista). Aunque algunos creadores se ofrecen de motu propio, porque quieren que su obra se revalorice en la primera división de las grandes salas.
Sin ahondar en aspectos amarillistas, el asunto más espinoso que atañe tangencialmente a este comercio son las supuestas comisiones, en las que un galerista o marchante obsequiaría bajo cuerda al comprador, que viene con dinero público bajo el brazo, con un pellizco del total de la venta. "Me parece una falacia, un topicazo. Puede haber marchantes que entren en el juego de las comisiones, pero no al nivel de los grandes museos. No creo que nadie se arriesgue. Es verdad que no es un mercado muy transparente, y que la negociación es muy hermética. Pero nadie se ha dirigido a mí, ‘oye si me compras esta obra te doy el 2%’", zanja Ainhoa Grandes. Según un marchante de arte que ha trabajado codo con codo con prestigiosos galeristas y responsables de grandes museos de España y el extranjero, y que prefiere que su nombre no trascienda, "la corrupción es de guante blanco. Nadie se da por aludido, pero mucha gente pone el cazo. La comisión puede ser un detalle caro, un coche, dinero en metálico o un cuadro. En Sudamérica, para poder vender unos boteros tuve que ir untando a todo el mundo. La comisión es un murmullo, un ruido de fondo. ¡Ojo! No todos funcionan así. Existen profesionales intachables en España", remata.
El museo Artium de Vitoria no esconde nada. Cuenta con un presupuesto para ir de shopping de unos 400.000 euros al año. La sala alavesa nació hace 30 años y la colección se basa en fondos de arte español. En aquel entonces, la Diputación Foral disponía de dinero y el núcleo básico lo componían artistas de los grupos El Paso y Dau al Set. "En 1985, se creó un grupo profesional para el seguimiento de artistas y trabar contacto con galeristas. En 2002 se fundó Artium. Mi labor como conservador de la colección permanente, y como nexo entre el director, Javier González de Durana Isusi, y la subdirectora, es localizar obras, pelearme con los galeristas y conocer a fondo la actualidad", detalla Daniel Castillejo. En el horizonte avista ARCO, cuyas ventas subieron un 10% el último curso. "Este año vamos sin presupuesto. Los saldos o gangas no existen, pero hace años compramos una obra de Miquel Barceló en una galería alemana por un buen precio", rememora. "Lo que sí se encuentra son artistas muy inflados", se queja.
Grandes firmas. Los grandes museos también aligeran el bolsillo en la feria madrileña. La Comisión de Compras del Real Patronato del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía adquirió en ARCO 04 un total de obras de 19 artistas por un valor aproximado de 600.000 euros, entre ellos un cartel surrealista de Dalí, pinturas de Henri Michaux o grabados y fotografías de José Manuel Ballester, Abraham Lacalle y Alberto García Alix, entre otros. También se enorgullecen desde el museo ampliado por Jean Nouvel de haber conseguido, con mucha pericia, alguno de los mejores cuadros del abstracto Pablo Palazuelo, reciente Premio Velázquez de las Artes Plásticas.
Otra de las salas más efervescentes es el MUSAC de León. Agustín Pérez Rubio es su conservador jefe. Viajó el pasado año a la feria suiza Art Basel —"con unos precios carísimos"— donde el MUSAC tuvo un stand de lo más concurrido. Miembro del comité artístico y brazo derecho del director de la sala Rafael Doctor, afila los sentidos para estar al tanto de lo que acontece en el panorama. Se declara buscador de "arte del presente, de finales de los 90, y que está muy vivo. Por ejemplo, una videoinstalación de entre 8.000 y 30.000 euros". Asegura que "en las ferias se hace el primer, o se cierra, un contacto. Si te interesas por un artista joven que ha ido a un par de bienales, su obra se encarece. Es una cuestión de prestigio, de currículo. Hay que estudiar en qué colecciones ha estado, si lo ha comprado el MOMA, el Pompidou o el Reina Sofía". ¿Hay rebajas en el arte moderno? "Sí, al ser un museo público que es un gran escaparate el galerista te puede hacer un 10% de descuento. Si el artista no tiene galería, en nuestro caso negociamos directamente con él", remata Pérez Rubio, que forma parte del comité técnico artístico del MUSAC.
La sala castellanoleonesa también tiene el paraguas del patronato de la Comunidad Autónoma y un comité de expertos que decide en qué se invierte cada euro (el pasado año, dos millones para compras). "Los galeristas no son tontos. Saben que estar en la colección de un buen museo es mucho mejor que en manos de un coleccionista", concluye.
Pilar Citoler sabe a lo que se refiere Pérez Rubio. Esta zaragozana de 65 años cuenta con una colección privada de arte moderno con 900 obras, donde es fácil reconocer a Miró, Picasso, Lichtenstein, Warhol o Léger, por mencionar algunos de la ilustre lista que embellece sus casas y su lugar de trabajo. Ella forma parte de ese 18% de familias españolas que tienen dinero invertido en obras de arte. Lo paladea en la intimidad, convirtiendo las obras en coto vedado para el resto de los mortales. "Cada uno tiene sus prioridades y sus vías de acceso. Antes de comprar, los museos lo piensan mucho, por ver si la obra se ajusta a su discurso. Los coleccionistas tenemos más libertad para comprar en España, el extranjero, ferias, subastas o galerías. Pero no nos hacemos la competencia", comenta. La experiencia le dice que "el pintor quiere rentabilizar su talento, y el procedimiento más natural y honrado es comprar a través de galeristas. No se debe puentear comprando directamente en el estudio. Eso sí, no he adquirido nada a través de Internet. Me gusta tocar con la mirada e in situ las obras que me interesan", argumenta. Nuevo miembro de la Junta del Patronato del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, de Madrid, ahora verá los toros desde la órbita del museo público. Le toca comprobar las limitaciones de un centro de arte. El coleccionismo privado no tiene circunstancias externas que le coarten, así que los museos no pueden competir con las desahogadas cuentas corrientes de coleccionistas, instituciones, bancos o grandes empresas.
Donaciones. Pero entre los rastreadores de arte moderno, no todo es compra, autentificaciones, reuniones con galeristas y pujas en subastas. La donación es otro de los cauces para que las obras pasen de la intimidad del estudio a los ojos del gran público. Veáse, el Instituto Valenciano de Arte Moderno ( IVAM). Lo refrenda Consuelo Císcar, su imaginativa directora; "El escultor Miquel Navarro, al donar 530 obras, ha supuesto un gran incremento de patrimonio. A esto hay que añadir donaciones de obras de Cristino de Vera, John Davies, José Manuel Ballester, Gerardo Rueda, Dani Karavan, Herbert List, Ida Bardarigo o Robert Rauschenberg, entre otros. Hoy, el IVAM tiene 73 convenios de colaboración con entidades públicas y privadas. Hay muchas propuestas de donación y adquisición y es un comité artístico y un consejo rector el que ratifica, trimestralmente, lo que se debe comprar y lo que no. En 2005 adquirimos 41 obras por valor de 2.781.000 euros. Pero nos donaron 745 cuyo valor sobrepasa los 25 millones", explica Císcar. Con un recuerdo permanente para el artista Julio González, un pilar en la colección del IVAM, la directora cree que "los galeristas son comprensivos. Nuestra relación con ellos la definiría como cordial y aceptable", finaliza.
Las galerías españolas, unas 100 de ellas dedicadas al arte de vanguardia, movieron en conjunto en 2004 unos 200 millones de euros. Soledad Lorenzo dirige una galería del mismo nombre cerca de la Plaza de Colón, en Madrid. Su reputado espacio expositivo apuesta por nombres consagrados y nuevos talentos. No es raro encontrar entre sus fondos a Julian Schnabel —el director de cine metido a pintor, o viceversa—, o a Anish Kapoor, uno de los abanderados de la Nueva Escultura Británica.
En opinión de Soledad, "el mundo del arte contemporáneo es minoritario. Las galerías vivimos de la inversión privada, aunque el MUSAC y la Fundación La Caixa nos han comprado mucho". Con 32 años de experiencia en el sector, tiene clara su filosofía: "Pertenezco casi al pasado, pero amo los cambios. Hay que comprar obra reciente porque rápidamente se revaloriza y pasa a ser histórica". De sus palabras se traduce que el arte ha mutado a la sociedad: "Todo no se comprende a la primera mirada. Hace 40 años era impensable este boom, este, no lo llamaría idilio, sino tremendo esfuerzo. Una cosa es clara: la sociedad española asimila las nuevas realidades artísticas con 25 años de retraso", argumenta. Hay hambre de arte moderno en España. Su digestión sigue siendo lenta.
La muchedumbre deambula, hace corrillos, charla y pasea los ojos por catálogos y revistas de postín. Se entremezcla por los stands y las instalaciones, a ver si se empapa de las esencias del diseño, o le entra en la sesera esa performance tan escandalosa de la que hablan los periódicos. Unos se entretienen en el runrún del arte contemporáneo; otros van al grano, chequera en mano. La escena es común en las ferias de arte moderno. Ocurre en Art Basel, en Suiza, olimpiada de la vanguardia; la secuencia encaja en las citas del vanidoso Miami; no obviar la FIAC de París, gran dama de la modernidad, o Madrid, con ese encuentro temático llamado ARCO (esta edición del 9 al 13 de febrero, con Austria como inspiración), certamen que cada año crece en objetivos, cifras y eco mediático.
Aristócratas, coleccionistas anónimos, clase media con pretensiones, visitantes oficiales, entendidos, millonarios tras un óleo de Lucien Freud o una fotografía de Manta Ray… Y por último, los profesionales que manejan el sector: marchantes, galeristas y, sobre todo, conservadores y directores de museos y centros de arte que rastrean como sabuesos el mercado en busca de nuevas piezas para aumentar sus colecciones permanentes. Persiguen las creaciones de ese artista tan prometedor, gangas imposibles, piezas que luego serán disfrutadas por el gran público en museos como el Reina Sofía, el IVAM levantino, el Artium de Vitoria, el Centro Galego… Comprar y vender algo tan volátil en su cotización —arte no superior a 125 años de antigüedad si hablamos de clásicos, no más de 30 las piezas más recientes— es un tira y afloja con varios ceros a la derecha, regateos y una atenta mirada fiscal.
La totalidad del sector mueve casi 800 millones de euros al año en España —26.000 millones en todo el mundo—, un país que cuenta con 85 museos y 600 espacios dedicados a este comercio en alza. Y el precio de las obras no cuelga de una etiqueta. La opacidad y cierto misterio convierten el sector en una jungla de glamour, casi inaccesible, aunque mucho más prosaica para los protagonistas de esta función: los responsables de la adquisición de piezas con destino final a los grandes museos y salas de arte contemporáneo españolas.
¿Pero quiénes rastrean talento tan inaprensible? ¿Cómo se miden los vaivenes de un mercado que recuerda los índices de la Bolsa? ¿Quién decide qué fondos comprar y en qué condiciones? ¿Cómo se adquiere una escultura de Chillida o una creación visual del estadounidense James Turrell? "Son decisiones muy pensadas. Como compramos con dinero público, tenemos que afinar al máximo, ya sea un clásico o un artista novel", declara Ainhoa Grandes, directora de la Fundación del Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (MACBA). La entidad tiene una estructura singular, ya que es un consorcio apuntalado por tres entidades: Ayuntamiento de la ciudad, Generalitat y Fundación. "Las nuevas obras las compra la Fundación, que busca recursos en el sector privado. Desde aquí analizamos precios del mercado, el artista y su obra, los periodos… Mi labor es acudir a todas las ferias y manejar las mejores fuentes para conocerlo todo sobre el autor. Además, hablo con conservadores que me indican cómo van los precios. Con los años, tejes una red, creas una cadena de relaciones", declara.
Proceso de compra. El MACBA busca arte español de los 80 e internacional de los 70. El cauce de compra no difiere mucho del resto de salas de nuestra geografía. Una comisión de expertos internacionales (María Corral, Lyn Cooke, Chris Dercon y Vicente Todolí) se reúne dos veces al año para estudiar cada propuesta de compra, con la supervisión del director del museo, Manuel J. Borja-Villel, los informes de Ainhoa y la visión artística de la conservadora María Antonia Perelló. Se presentan las obras que interesan, así como las propuestas espontáneas de galeristas, artistas y herederos. Las reuniones son maratonianas. Primero, porque hay que acertar con el criterio artístico; segundo, porque el patronato, que es el que gestiona el dinero contante y sonante, tiene que dar luz verde para que la pieza acabe en "el carro de la compra".
En el MACBA recuerdan arduos empeños. Por ello guardan especial cariño—incluso tuvieron que buscar sponsor para pagarla— por la obra Reykjavik slides, de Diter Roth. También por On subjectivity, arte electrónico de Antoni Muntadas, premio Nacional de Artes Plásticas presente en la bienal de Venecia, o la película del ruso Alexander Sokurov, Spiritual voices, que se proyecta en un bucle sin fin. La compra de todas ellas supo a gloria.
Las negociaciones recuerdan a los fichajes de fútbol. No se trata directamente con los artistas porque no tienen una perspectiva real de lo que vale su creación. Ésa es labor de los intermediarios, que se llevan jugosos porcentajes (entre el 40% y el 50%, el resto para el artista). Aunque algunos creadores se ofrecen de motu propio, porque quieren que su obra se revalorice en la primera división de las grandes salas.
Sin ahondar en aspectos amarillistas, el asunto más espinoso que atañe tangencialmente a este comercio son las supuestas comisiones, en las que un galerista o marchante obsequiaría bajo cuerda al comprador, que viene con dinero público bajo el brazo, con un pellizco del total de la venta. "Me parece una falacia, un topicazo. Puede haber marchantes que entren en el juego de las comisiones, pero no al nivel de los grandes museos. No creo que nadie se arriesgue. Es verdad que no es un mercado muy transparente, y que la negociación es muy hermética. Pero nadie se ha dirigido a mí, ‘oye si me compras esta obra te doy el 2%’", zanja Ainhoa Grandes. Según un marchante de arte que ha trabajado codo con codo con prestigiosos galeristas y responsables de grandes museos de España y el extranjero, y que prefiere que su nombre no trascienda, "la corrupción es de guante blanco. Nadie se da por aludido, pero mucha gente pone el cazo. La comisión puede ser un detalle caro, un coche, dinero en metálico o un cuadro. En Sudamérica, para poder vender unos boteros tuve que ir untando a todo el mundo. La comisión es un murmullo, un ruido de fondo. ¡Ojo! No todos funcionan así. Existen profesionales intachables en España", remata.
El museo Artium de Vitoria no esconde nada. Cuenta con un presupuesto para ir de shopping de unos 400.000 euros al año. La sala alavesa nació hace 30 años y la colección se basa en fondos de arte español. En aquel entonces, la Diputación Foral disponía de dinero y el núcleo básico lo componían artistas de los grupos El Paso y Dau al Set. "En 1985, se creó un grupo profesional para el seguimiento de artistas y trabar contacto con galeristas. En 2002 se fundó Artium. Mi labor como conservador de la colección permanente, y como nexo entre el director, Javier González de Durana Isusi, y la subdirectora, es localizar obras, pelearme con los galeristas y conocer a fondo la actualidad", detalla Daniel Castillejo. En el horizonte avista ARCO, cuyas ventas subieron un 10% el último curso. "Este año vamos sin presupuesto. Los saldos o gangas no existen, pero hace años compramos una obra de Miquel Barceló en una galería alemana por un buen precio", rememora. "Lo que sí se encuentra son artistas muy inflados", se queja.
Grandes firmas. Los grandes museos también aligeran el bolsillo en la feria madrileña. La Comisión de Compras del Real Patronato del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía adquirió en ARCO 04 un total de obras de 19 artistas por un valor aproximado de 600.000 euros, entre ellos un cartel surrealista de Dalí, pinturas de Henri Michaux o grabados y fotografías de José Manuel Ballester, Abraham Lacalle y Alberto García Alix, entre otros. También se enorgullecen desde el museo ampliado por Jean Nouvel de haber conseguido, con mucha pericia, alguno de los mejores cuadros del abstracto Pablo Palazuelo, reciente Premio Velázquez de las Artes Plásticas.
Otra de las salas más efervescentes es el MUSAC de León. Agustín Pérez Rubio es su conservador jefe. Viajó el pasado año a la feria suiza Art Basel —"con unos precios carísimos"— donde el MUSAC tuvo un stand de lo más concurrido. Miembro del comité artístico y brazo derecho del director de la sala Rafael Doctor, afila los sentidos para estar al tanto de lo que acontece en el panorama. Se declara buscador de "arte del presente, de finales de los 90, y que está muy vivo. Por ejemplo, una videoinstalación de entre 8.000 y 30.000 euros". Asegura que "en las ferias se hace el primer, o se cierra, un contacto. Si te interesas por un artista joven que ha ido a un par de bienales, su obra se encarece. Es una cuestión de prestigio, de currículo. Hay que estudiar en qué colecciones ha estado, si lo ha comprado el MOMA, el Pompidou o el Reina Sofía". ¿Hay rebajas en el arte moderno? "Sí, al ser un museo público que es un gran escaparate el galerista te puede hacer un 10% de descuento. Si el artista no tiene galería, en nuestro caso negociamos directamente con él", remata Pérez Rubio, que forma parte del comité técnico artístico del MUSAC.
La sala castellanoleonesa también tiene el paraguas del patronato de la Comunidad Autónoma y un comité de expertos que decide en qué se invierte cada euro (el pasado año, dos millones para compras). "Los galeristas no son tontos. Saben que estar en la colección de un buen museo es mucho mejor que en manos de un coleccionista", concluye.
Pilar Citoler sabe a lo que se refiere Pérez Rubio. Esta zaragozana de 65 años cuenta con una colección privada de arte moderno con 900 obras, donde es fácil reconocer a Miró, Picasso, Lichtenstein, Warhol o Léger, por mencionar algunos de la ilustre lista que embellece sus casas y su lugar de trabajo. Ella forma parte de ese 18% de familias españolas que tienen dinero invertido en obras de arte. Lo paladea en la intimidad, convirtiendo las obras en coto vedado para el resto de los mortales. "Cada uno tiene sus prioridades y sus vías de acceso. Antes de comprar, los museos lo piensan mucho, por ver si la obra se ajusta a su discurso. Los coleccionistas tenemos más libertad para comprar en España, el extranjero, ferias, subastas o galerías. Pero no nos hacemos la competencia", comenta. La experiencia le dice que "el pintor quiere rentabilizar su talento, y el procedimiento más natural y honrado es comprar a través de galeristas. No se debe puentear comprando directamente en el estudio. Eso sí, no he adquirido nada a través de Internet. Me gusta tocar con la mirada e in situ las obras que me interesan", argumenta. Nuevo miembro de la Junta del Patronato del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, de Madrid, ahora verá los toros desde la órbita del museo público. Le toca comprobar las limitaciones de un centro de arte. El coleccionismo privado no tiene circunstancias externas que le coarten, así que los museos no pueden competir con las desahogadas cuentas corrientes de coleccionistas, instituciones, bancos o grandes empresas.
Donaciones. Pero entre los rastreadores de arte moderno, no todo es compra, autentificaciones, reuniones con galeristas y pujas en subastas. La donación es otro de los cauces para que las obras pasen de la intimidad del estudio a los ojos del gran público. Veáse, el Instituto Valenciano de Arte Moderno ( IVAM). Lo refrenda Consuelo Císcar, su imaginativa directora; "El escultor Miquel Navarro, al donar 530 obras, ha supuesto un gran incremento de patrimonio. A esto hay que añadir donaciones de obras de Cristino de Vera, John Davies, José Manuel Ballester, Gerardo Rueda, Dani Karavan, Herbert List, Ida Bardarigo o Robert Rauschenberg, entre otros. Hoy, el IVAM tiene 73 convenios de colaboración con entidades públicas y privadas. Hay muchas propuestas de donación y adquisición y es un comité artístico y un consejo rector el que ratifica, trimestralmente, lo que se debe comprar y lo que no. En 2005 adquirimos 41 obras por valor de 2.781.000 euros. Pero nos donaron 745 cuyo valor sobrepasa los 25 millones", explica Císcar. Con un recuerdo permanente para el artista Julio González, un pilar en la colección del IVAM, la directora cree que "los galeristas son comprensivos. Nuestra relación con ellos la definiría como cordial y aceptable", finaliza.
Las galerías españolas, unas 100 de ellas dedicadas al arte de vanguardia, movieron en conjunto en 2004 unos 200 millones de euros. Soledad Lorenzo dirige una galería del mismo nombre cerca de la Plaza de Colón, en Madrid. Su reputado espacio expositivo apuesta por nombres consagrados y nuevos talentos. No es raro encontrar entre sus fondos a Julian Schnabel —el director de cine metido a pintor, o viceversa—, o a Anish Kapoor, uno de los abanderados de la Nueva Escultura Británica.
En opinión de Soledad, "el mundo del arte contemporáneo es minoritario. Las galerías vivimos de la inversión privada, aunque el MUSAC y la Fundación La Caixa nos han comprado mucho". Con 32 años de experiencia en el sector, tiene clara su filosofía: "Pertenezco casi al pasado, pero amo los cambios. Hay que comprar obra reciente porque rápidamente se revaloriza y pasa a ser histórica". De sus palabras se traduce que el arte ha mutado a la sociedad: "Todo no se comprende a la primera mirada. Hace 40 años era impensable este boom, este, no lo llamaría idilio, sino tremendo esfuerzo. Una cosa es clara: la sociedad española asimila las nuevas realidades artísticas con 25 años de retraso", argumenta. Hay hambre de arte moderno en España. Su digestión sigue siendo lenta.
Desarrollo de Proyectos de ARCO 2006 MADRID
Desarrollo de Proyectos de ARCO 2006
Dieciséis Proyectos de Arte Español
ARCO ha querido festejar su 25º aniversario rindiendo homenaje a la creación nacional con un una nueva sección dirigida por una de las más brillantes figuras del panorama internacional, María de Corral. Un programa que pretende ser un guiño a la internacionalidad del arte español y un reconocimiento a los grandes maestros de todos los tiempos a través de la mirada actual de una selección de artistas que hoy copan el interés internacional.
La sección, que reúne proyectos individuales, y que está protagonizada muy especialmente por el vídeo y la vídeo instalación como soportes creativos, reunirá los proyectos de Jaime Pitarch (Dels Angels); Juan Carlos Brancho (Carmen de la Calle); Sergio Prego (Soledad Lorenzo); Sergio Belinchón (Distrito Cuatro); El Perro (Salvador Díaz); Jacobo Castellano (Fúcares); MP&MP Rosado (Pepe Cobo); Esther Partegás (Helga de Alvear); Simón Zabel (Sandunga); Alicia Martín (Oliva Arauna); Francese Ruiz (Strany de la Mota); Daniel Verbis (Max Estrella); Manu Muniategiaandikoetxea (Espacio Mínimo), además del artista de procedencia francesa afincado en España, Pierre Gonnord (Juana de Aizpuru), y Mabel Palacín, representada por la galería alemana Lothar Albrecht.
On youthculture
Otra de las novedades del esta 25º edición es la incorporación por primera vez y de forma casi inédita al arte urbano, habitualmente marginado de grandes acontecimientos y bienales. Para ello, ARCO ha encomendado la selección a Peter Doroschenko y Pedro Alonzo, cuyo objetivo ha sido dar entidad al arte urbano mundial dentro de los entornos de exhibición y subrayar el trabajo de artistas que están fuera de las corrientes principales y que se mueven en las áreas de estas nuevas corrientes, mediante la selección de artistas y galerías que presentan una nueva faceta de los centros urbanos más dinámicos como Nueva York, Chicago, Los Angeles, Londres y Moscú.
La selección reunirá a grandes figuras del “street art” como el californiano Barry McGee “Twist”, uno de los máximos exponentes del arte del graffiti. Junto a él, podrán verse las creaciones de la norteamericana Clare E. Rojas, con grandes formatos y elementos del Folk art; la obra pictórica de la artista francesa Nicole Eisenman; pinturas en tableaux con elementos del “Hip Hop” del neoyorquino Tom Sanford; las propuestas del portorriqueño Dzine (Carlos Rolon), que ya estuvo presente en ARCO’04, y la venezolana Carla Arocha, dos artistas que exploran el mundo de la abstracción, a través de la música y de la biología y la moda; respectivamente; además de la obra del californiano Ed Templeton, que transmite en sus murales la dura vida de la calle; la moscovita Natasha Struchkova, con grandes creaciones digitales y la joven ucraniana Janna Kadyroa, con sus espectaculares instalaciones.
The ARCO'06 Project Rooms
Consolidada como una de las grandes marcas de ARCO y uno de sus mayores éxitos programáticos, The ARCO'06 Project Rooms llega a esta vigésimo quinta edición renovando su apuesta por la investigación de nuevas propuestas artísticas, de la mano de Agustín Pérez Rubio, comisario jefe del MUSAC y Octavio Zaya, critico de arte y curador independiente, dos comisarios españoles que han querido aportar a este programa internacional un especial acento español. En efecto, de los 22 proyectos seleccionados 12 son nacionales, si bien la propuesta no será en absoluto local ya que la selección ha primado la calidad y su proyección internacional.
The ARCO'06 Project Rooms ha buscado propuestas entre galerías tanto emergentes como consolidadas, así como entre artistas de distintas generaciones enmarcados en medios artísticos y disciplinas diversas. De España han sido seleccionados los proyectos de Carmela García, Txomin Badiola, Leopoldo Ferrán y Agustina Otero, Leandro Erlich, Abigail Lazkoz, Fernando Bryce, Fernando Renés, Itziar Okariz, Lara Almárcegui, Won Ju Lim, Javier Arce, y Shoja Azari. Por su parte, la artista española Olga Adelantado, llega desde México; Alexandre Arrechea, Julie Merethu, Josephine Meckseper, desde Alemania; Christian Jankowski, de Reino Unido; Lara Favaretto, de Italia; Kris Vleeschouwer, de Bélgica; Isa Melsheimer, de Austria; Susan Philipsz, de Países Bajos y Japón, y por último Nadav Weissman, desde Israel.
theblackbox@arco
Las nuevas tecnologías, el vídeo y el arte digital constituyen una de las más recientes apuestas de ARCO, a través de esta sección, que ya se reveló en su primera edición como un espacio de investigación y promoción de los nuevos discursos y soportes electrónicos.
Son 12 los proyectos multimedia que integran la selección de theblackbox@arco, realizada por Karin Ohlenschläher, Ángela Molina, Christiane Paul, Jemima Rellie y Mark Tribe, y los que desde distintos medios proponen una exposición que aspira a estimular el debate crítico y el apoyo a la creación dentro del New Media Art. Participan en esta edición el artista plástico y cineasta croata-holandés Dan Oki, con su video instalación “Oxygen4”; el brasileño y pionero en “arte genético” Eduardo Kac; el joven artista suizo Dominik Eggermann, con su bosque digital; la creadora india Shilpa Gupta; la artista griega Jenny Marketou, que incorpora el “haking” como técnica artística; el estadounidense Cory Arcangel, y el arquitecto austriaco Herwig Weiser, con su proyecto multidisciplinar. Junto a ellos, los españoles Patricia Dauder y Frederic Amat, que presentan cortometrajes de animación; Daniel Canogar, que muestra una multiproyección, y además, el méxicano Arcángel Constantini, que propone un proyecto net art y uno de los últimos proyectos del artistas George Legrady.
Cityscapes
La promoción e investigación en torno a nuevos modelos de creación, ha llevado a ARCO una edición más a evolucionar su principal plataforma de exhibición del arte emergente, la sección Cityscapes, anteriormente conocida como NuevosTerritorios. Su redenominación alude a su nuevo enfoque: la voluntad de evidenciar la influencia que el espacio urbano ejerce sobre las producciones de numerosos artistas, llegando incluso a convertirse en un fuerte reflejo del sentir de una ciudad y una síntesis de las diversas culturas que conviven en ellas. La vida y la realidad diaria de distintas ciudades del mundo, todas ellas grandes centros de producción, será abordada por la selección realizada por los comisarios: Kenichi Kondo (Beijing); Carol Lu (Beijing/Shanghai); Victor Zamudio-Taylor (Bogotá/Guadalajara/México D.F.), David Liss (Calgary/Montreal/Toronto); Julieta González (Caracas); Jacob Fabricius (Copenhague); Simon Njami (Douala/El Cairo/Johannesburgo); Rachael Thomas (Dublín); Marilu Knode (Estambul); Antonio Zaya (La Habana); Zdenka Badovinac (Ljubjana); Christopher Miles (Los Angeles); Viktor Misiano (Moscú/Talinn); Isolde Brieimaier (Nueva York); Miguel von Hafe Pérez (Oporto); Gisela Domschke (Río de Janeiro/Sao Paulo); Camilo Yáñez y Jorge Rojas (Santiago de Chile) y Eugene Tan (Singapur)
ARCO en Cifras
La participación alcanza en esta nueva edición de ARCO 278 galerías de 35 países -193 extranjeras y 85 españolas-. Del total, 197 stands corresponden al Programa General seleccionado por el Comité Organizador, y 81 a Programas Comisariados. En cuanto a representación, la Feria contará con presencia de establecimientos de los cinco continentes: Europa (213 galerías), Norteamérica (30), Latinoamérica y Caribe (20), Asia (13), África (1), y Oceanía (1). Entre las presencias extranjeras más destacadas se encuentran Estados Unidos, Alemania, Francia, Italia y Portugal, por su alta participación, además del continente asiático -China, Corea, Japón y Singapur- por su creciente aportación. Así mismo el carácter renovador de la Feria y su extraordinaria dimensión internacional queda plasmada una vez más a través de la sucesiva incorporación de países, que en esta ocasión serán 3 hasta ahora ausentes de la Feria -Croacia, Sudáfrica y Singapur- a lo que se suma la presencia de 52 nuevas galerías.
Colecciones institucionales
PROYECTO SALAS reunirá nuevamente la presencia de colecciones institucionales y corporativas en ARCO. En esta ocasión, y siempre dentro del marco de promoción del coleccionismo, participan la Agencia Española de Cooperación Internacional, el Ayuntamiento de Madrid-Dirección General de Educación y Juventud; el Centro Cultural Conde Duque, el Ayuntamiento de Santa Cruz de Tenerife, Centro de arte y Naturaleza Fundación Beulas, Comunidad de Madrid-Consejería de Cultura- Dirección General de Archivos, Museos y Bibliotecas, Diputación Provincial de Málaga, Fundación Caja de Burgos-Centro de Arte Caja de Burgos, Fundación Telefónica, Fundación Unicaja, Generalitat Valenciana-Conselleria de Cultura Educación y Deporte, Gobierno de Cantabria-Consejería de Cultura, MEIAC-Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo, Ministerio de Cultura, Obra Social Caja de Madrid, Sala de Exposiciones Rekalde, Ayuntamiento de Alcorcón, y Afinsa. Además, como es habitual el grupo Vocento y los diarios El Mundo y el Pais también contarán con un espacio en la feria.
Arquitectura Efímera en ARCO
La arquitectura se integra como disciplina artística en el marco de ARCO a través de distintas actuaciones. El eje lo constituye el Proyecto de Arquitectura y Diseño del Espacio, que en esta ocasión ha sido desarrollado por el Grupo AMMEBA, y que ha optado como principal objetivo por dotar a la Feria de la máxima visibilidad, de una circulación ágil y despejada y de la posibilidad de aportar un descanso tanto físico como visual. Para ello el escenario propuesto ha sido un espacio desprovisto de referencias y elemento ajenos, y la utilización exclusiva del blanco y el negro para concentrar en el objeto artístico toda la atención. Diseños específicos han sido realizados para los espacios destinados a La Palabra Escrita, La Librería ARCO y, por primera vez, el espacio dedicado a la Fundación ARCO, todos ellos situados en los nexos de unión de los dos Pabellones (7 y 9) de la Feria, además del área que albergará la sección theblackbox@arco.
Otra de las actuaciones será el diseño de los Chill-outs de arquitectura efímera, que patrocina el Ministerio Vivienda dentro del proyecto Arch Lab, que en esta ocasión serán ejecutados por estudiantes de las Escuelas Técnicas Superiores de Arquitectura de las Universidades de Barcelona y de Viena. Los proyectos ganadores han sido “Jaburbú”, diseñado por Luis Arredondo, y ”Alive” que ha sido creado por Lukas Galehr y Rupert Zallmann.
El Grupo Ammeba está constituido por los arquitectos Pablo Berzal y Ángeles Mira, el historiador del arte David Pastor y el economista Thanos Touris.
Fundación ARCO -"Sísifo"
Por primera vez, y con motivo de esta emblemática edición, la Fundación ARCO contará con un stand propio en el marco de la Feria. Se trata de un diseño arquitectónico que dará cabida a una de las más recientes adquisiciones de la Fundación, la obra de Antoni Abad, "Sísifo", un vídeo temático de gran plasticidad que representa el constante e incansable esfuerzo que ha desarrollado la Fundación ARCO a lo largo de sus veinte años de existencia a favor del coleccionismo y la creación de patrimonio.
Proyecto Avión
Por segundo año consecutivo ARCO contará con la programación del espacio cultural Proyecto Avión, que acogerá una intervención de la artista británica Kira O’Reilly que forma parte del programa oficial de VI Festival de Escena Contemporánea, que organiza la Comunidad de Madrid, y que ya tuvo su primera experiencia en la pasada edición de la Feria.
Foro Internacional de Expertos en Arte Contemporáneo
Prestigiosos coleccionistas, artistas, directores, conservadores y comisarios de los principales museos y centros de arte del mundo, junto a críticos, coleccionistas y responsables de políticas expositivas de más de 25 países, se darán nuevamente cita en el Foro Internacional de Expertos en Arte Contemporáneo, un evento que ha cobrado un extraordinario reconocimiento exterior, y que se ha consolidado como uno de los grandes encuentros mundiales para el análisis y el debate en torno a la actualidad y situación artística internacional.
El programa acoge en esta edición 9 ciclos de conferencias que se desarrollarán paralelamente a la celebración de la Feria. Los grandes temas de debate serán: el actual estado de la crítica en España; el pasado reciente y el presente de los museos; los nuevos sistemas y canales de creación y distribución del arte; el coleccionismo; los medios y soportes; la cultura visual; la formación en el medio artístico; arte y feminismo y el arte actual austriaco.
Catálogo ARCO’06
Editado por Ediciones El Umbral, el Catálogo de ARCO'06 ofrece a lo largo de cerca de 1.000 páginas un recorrido por el programa artístico de esta nueva edición, con información específica de cada una de las galerías, instituciones y artistas representados, además de documentación gráfica que incorpora una selección aproximada de 1.000 imágenes de las principales obras expuestas. El diseño del catálogo, al igual que la imagen gráfica de ARCO'06, ha sido realizado por David Hernández Cervera. También estará disponible el Catálogo en soporte CD-ROM realizado por Ediciones El Umbral. Ambos catálogos estarán a la venta un mes antes de la celebración de ARCO, en librerías especializadas y en los principales centros comerciales del país, para apoyar una mayor difusión del contenido artístico de esta nueva edición de ARCO.
Madrid contemporáneo, arte en febrero
La oferta artística que genera ARCO en toda la ciudad hace de Madrid una de las grandes ciudades culturales de la escena internacional. Prácticamente la totalidad de sus museos, centros de arte y salas de exposiciones reúnen en torno a ARCO su mejor programación, ofreciendo a los miles de visitantes que acceden esos días a la ciudad la mejor oferta cultural del momento. Instituciones como el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, el Centro Cultural Conde Duque, La Casa Encendida y el Canal de Isabel II, acogerán el programa expositivo que Austria ha preparado para su presentación en Madrid. Toda una explosión artística y cultural, que incluso sale a la calle de la mano las espectaculares propuestas de Arte Público- Madrid Abierto, que se proyectan desde algunos de los más emblemáticos enclaves de la ciudad
28 January 2006
Anish Kapoor lleva sus esculturas y pinturas rojas al CAC Málaga
Es la primera vez que el artista indio, considerado uno de los mejores escultores del presente, muestra su obra pictórica.
La pieza 'My red homeland', de 25 toneladas de peso, es la obra central de la exposición de Anish Kapoor.
Málaga. "Como artista no tengo nada que decir, no tengo un mensaje". Así de contundente se expresó ayer el artista Anish Kapoor, nacido en Bombay (India) y considerado uno de los más importantes escultores del presente, que hasta el próximo 30 de abril mantendrá ocupada la sala principal del centro de arte malagueño con sus grandes esculturas y, por primera vez en el mundo, con una selección de su obra pictórica.
"He hecho pinturas desde hace veinte años pero me ponían nervioso las imágenes porque pensaba que no tenían una vida tan clara como las esculturas. He tardado todo este tiempo en sentir que no importa. Ahora se pueden mostrar", explicó Kapoor sobre el porqué de no haber expuesto antes su obra sobre lienzo. Kapoor es uno de los principales representantes de la escultura británica contemporánea, está afincado en el Reino Unido desde 1973, había expuesto antes en otros centros de todo el mundo, y poseen obras suyas colecciones públicas y privadas como las de la Tate Gallery, el Museo de Arte Moderno (MOMA) de Nueva York, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid o el Stedlijk Museum de Amsterdam.
La pieza de grandes dimensiones My red homeland, que da nombre al conjunto de la exposición y ocupa el lugar más destacado de la sala, es una escultura de 25 toneladas que está en continuo movimiento y transformación gracias a lo dúctil del material que la conforma: vaselina y cera. "Han sido necesarias tres semanas de trabajo para el montaje de la exposición, con la ayuda del taller de Kapoor", aclaró Fernando Francés, director del CAC Málaga.
El uso del mismo material y color, el rojo, para las esculturas y las pinturas es lo que da uniformidad a My red homeland. "Desde hace mucho tiempo el rojo es el centro para mí. No tiene nada que ver con la India; yo considero que el rojo es color del interior", confesó Kapoor sobre su uso del color. Sobre los materiales Kapoor analizó: "La historia de la escultura es la historia de los materiales. Desde mis comienzos, de un modo u otro, he encontrado un camino hacia lo que llamo el no objeto. Así, en una primera fase usé los pigmentos y luego pasé al uso de materiales más oscuros; más tarde, en gran contraste, use objetos espejo, pero ahora he vuelto a la primera fase". En cualquier caso, Kapoor no considera que cada periodo de su evolución elimine a los anteriores, sino que son "parte de un viaje", que ahora le ha llevado hasta las salas del CAC Málaga.
La pieza 'My red homeland', de 25 toneladas de peso, es la obra central de la exposición de Anish Kapoor.
Málaga. "Como artista no tengo nada que decir, no tengo un mensaje". Así de contundente se expresó ayer el artista Anish Kapoor, nacido en Bombay (India) y considerado uno de los más importantes escultores del presente, que hasta el próximo 30 de abril mantendrá ocupada la sala principal del centro de arte malagueño con sus grandes esculturas y, por primera vez en el mundo, con una selección de su obra pictórica.
"He hecho pinturas desde hace veinte años pero me ponían nervioso las imágenes porque pensaba que no tenían una vida tan clara como las esculturas. He tardado todo este tiempo en sentir que no importa. Ahora se pueden mostrar", explicó Kapoor sobre el porqué de no haber expuesto antes su obra sobre lienzo. Kapoor es uno de los principales representantes de la escultura británica contemporánea, está afincado en el Reino Unido desde 1973, había expuesto antes en otros centros de todo el mundo, y poseen obras suyas colecciones públicas y privadas como las de la Tate Gallery, el Museo de Arte Moderno (MOMA) de Nueva York, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid o el Stedlijk Museum de Amsterdam.
La pieza de grandes dimensiones My red homeland, que da nombre al conjunto de la exposición y ocupa el lugar más destacado de la sala, es una escultura de 25 toneladas que está en continuo movimiento y transformación gracias a lo dúctil del material que la conforma: vaselina y cera. "Han sido necesarias tres semanas de trabajo para el montaje de la exposición, con la ayuda del taller de Kapoor", aclaró Fernando Francés, director del CAC Málaga.
El uso del mismo material y color, el rojo, para las esculturas y las pinturas es lo que da uniformidad a My red homeland. "Desde hace mucho tiempo el rojo es el centro para mí. No tiene nada que ver con la India; yo considero que el rojo es color del interior", confesó Kapoor sobre su uso del color. Sobre los materiales Kapoor analizó: "La historia de la escultura es la historia de los materiales. Desde mis comienzos, de un modo u otro, he encontrado un camino hacia lo que llamo el no objeto. Así, en una primera fase usé los pigmentos y luego pasé al uso de materiales más oscuros; más tarde, en gran contraste, use objetos espejo, pero ahora he vuelto a la primera fase". En cualquier caso, Kapoor no considera que cada periodo de su evolución elimine a los anteriores, sino que son "parte de un viaje", que ahora le ha llevado hasta las salas del CAC Málaga.
El CAC (Malaga España)cifra en 173.502 personas sus visitantes de 2005
málaga. El CAC Málaga se ha convertido en el Centro de Arte Contemporáneo con mayor crecimiento de visitantes de España según el análisis de datos ofrecido ayer este centro municipal, que cifra su público de 2005 en 173.502 personas. Con respecto al año anterior, supone un crecimiento del 31 por ciento, estima el CAC. Sin embargo, en esta cantidad se han incluido las más de 20.000 visitas escolares y las 14.823 personas que han participado en las distintas actividades culturales que se han desarrollado en el centro o han utilizado sus instalaciones, desde seminarios y jornadas a ciclos de cine.
Según los datos ofrecidos por la pinacoteca, ésta se sitúa en el segundo puesto, tras el Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM) en el listado de espacios españoles de arte contemporáneo más concurridos. De las casi 160.000 personas que pasaron por las salas expositivas, más de 20.000 lo hicieron a través de actividades educativas organizadas por el Departamento Pedagógico. Para el CAC, el crecimiento de público responde a la cantidad y calidad de las exposiciones y la variada oferta cultural.
Las cifras aportadas ayer por el centro señalan como la muestra más visitada la del norteamericano Alex Katz, por la que pasaron más de 18.000 personas del 11 de marzo al 12 de junio del pasado año. Muy cercanos han acabado los resultados de público de la exposición de Jaume Plensa, que se clausuró el 24 de diciembre. Las exposiciones de Nuria Carrasco, Teresita Fernández y Neo Rauch fueron las siguientes muestras con más público, desde los 15.000 a los 12.000 visitantes. De las exposiciones menos concurridas estuvo la de Cristina Martín Lara a la que asistieron algo más de 2.000 personas en el mes de agosto.
Arte contemporáneo francés en el Bass (Miami)
El Bass Museum of Art muestra una selección de obras de Fonds National D'Art Contemporain, la Colección Nacional de Arte Contemporáneo de Francia. Es ''la primera exhibición (en Miami) que aglutina diversos puntos de vista artísticos de la última década en Francia'', según Diane W. Camber, directora del Bass.
Shorcuts, Between Reality and Fiction (Atajos entre la realidad y la ficción) surgió de la activa colaboración entre el Bass y Fonds National d'Art Contemporain. La curaduría buscó reunir obras que formulan preguntas en torno a la condición de la imagen y a las fronteras entre ficción y realidad.
Un aspecto interesante es que la exposición implica, según Olivier Kaeppelin, delegado de Artes Plásticas del Departamento de Cultura y Comunicación en Francia, ''el regreso de artistas franceses al mercado de arte de los Estados Unidos'' en un momento de particular importancia ya que se inauguró en el marco de Art Basel Miami Beach 2005.
La muestra presenta artistas que emergieron en los 90, y algunos trabajos recientes de la generación previa. Se destacan nombres como Pierre Bismuth, Jean Marc Bustamante, Pierre Huyghe, Anette Messager, Claude Closky, Daniel Buren, Fabrice Hybert, Phillipe Parreno, Domique Gonzalez-Foerster, Bernard Frize y Pierrick Sorin. Varios de ellos forman parte de las más destacadas colecciones de arte contemporáneo europeo.
El crítico William Jeffett escribió en el catálogo de presentación de la exhibición que ésta aborda la globalización desde dos perspectivas simultáneas y paradójicas: en su tendencia hacia la uniformidad y estandarización, pero también como expresión del intercambio entre culturas diversas.
Los trabajos de arte de Pierre Bismuth (Jungle Book), Bertrands Lavier (Walt Disney Productions), y de Pierre Huyghe (Blanche Neige Lucie) retoman los íconos del cómic norteamericano planteando cuestiones relacionadas con la pasividad del espectador, los significados culturales de Hollywood, o el modo en que la visión de mundo según Disney se ha mimetizado con la percepción de la realidad. Alain Secas también trabaja con instalaciones de video, escultura e ilustraciones de cómics. Su trabajo de arte Professor Suicide representa la caricatura de un profesor que se para frente a sus estudiantes mientras un video didáctico se proyecta en una pantalla. La lección --que seguirán dócilmente-- consiste en cómo explotar sus frágiles cabezas.
Jeffet señala que otras obras igualmente desmantelan --en la tradición que instauró Foucault-- la rigidez de las instituciones: la obra de Marlachi Farrel, Interview (Paparazzi) 1999-2000, confronta al espectador con el modo en que los medios estructuran las relaciones de dominio. Por su parte, Xavier Veilhan expone en Les Policiers la vigilancia representada por el personal de seguridad en los museos, mostrándolos como instituciones de poder. No obstante, advierte que la única parte de la realidadque la gente puede aspirar a comprender es justamente aquella que el arte reproduce, expresa, o en una palabra, simula.
'Shorcuts, Between Reality and Fiction'. Bass Museum of Art, 2121 Park Avenue, Miami Beach. Hasta el 29 de enero. (305) 673-7530. Dos obras inquietantes en Art Miami La Galerie Lelia Mordoch, con sede en París, Francia, presentó durante Art Miami 2006 la obra de Patrice Girard. El director de El Museo del Barrio, Julian Zugazagoitia ha comentado que sus trabajos de arte, caracterizados por composiciones de una gran perfección formal, siempre sugieren una multiplicidad de lecturas.
''Alejándose del uso de materiales artísticos tradicionales, Girard ha encontrado su paleta entre los objetos de cada día que saca fuera de contexto para crear metáforas sociales. La fragilidad del ser, la conservación de la materia, el contraste de elementos y el equilibrio entre opuestos son algunas de las preguntas esenciales que su trabajo nos hace considerar'', escribió en un folleto de presentación de la obra de Girard.
Abstracción contemporánea y rigor poético se sustentan en pequeños peces secos, cortes de madera, cadenas de hierro, círculos metálicos y demuestran que la imaginación supone también la tarea de otorgar otro orden a la materia común de los días.
Por su parte, la galería RV de México, dirigida por José Manuel Rosano, trajo como único artista a Pablo Castillo, quien incursiona en una veta poco explorada en el arte contemporáneo de su país: la creación de esculturas emsamblando piezas de metal, plástico o vidrio arrancadas de otros objetos. Esfinge es una escultura antropomórfica de inmensa estatura que funde la aparente invulnerabilidad del metal con elementos que capturan lo frágil como la ausencia de un pie. La contradicción entre el precario equilibrio y lo imponente de la figura funciona como metáfora de la condición humana. Pero también usa el metal para animar criaturas invertebradas cercanas a la ciencia ficción
Shorcuts, Between Reality and Fiction (Atajos entre la realidad y la ficción) surgió de la activa colaboración entre el Bass y Fonds National d'Art Contemporain. La curaduría buscó reunir obras que formulan preguntas en torno a la condición de la imagen y a las fronteras entre ficción y realidad.
Un aspecto interesante es que la exposición implica, según Olivier Kaeppelin, delegado de Artes Plásticas del Departamento de Cultura y Comunicación en Francia, ''el regreso de artistas franceses al mercado de arte de los Estados Unidos'' en un momento de particular importancia ya que se inauguró en el marco de Art Basel Miami Beach 2005.
La muestra presenta artistas que emergieron en los 90, y algunos trabajos recientes de la generación previa. Se destacan nombres como Pierre Bismuth, Jean Marc Bustamante, Pierre Huyghe, Anette Messager, Claude Closky, Daniel Buren, Fabrice Hybert, Phillipe Parreno, Domique Gonzalez-Foerster, Bernard Frize y Pierrick Sorin. Varios de ellos forman parte de las más destacadas colecciones de arte contemporáneo europeo.
El crítico William Jeffett escribió en el catálogo de presentación de la exhibición que ésta aborda la globalización desde dos perspectivas simultáneas y paradójicas: en su tendencia hacia la uniformidad y estandarización, pero también como expresión del intercambio entre culturas diversas.
Los trabajos de arte de Pierre Bismuth (Jungle Book), Bertrands Lavier (Walt Disney Productions), y de Pierre Huyghe (Blanche Neige Lucie) retoman los íconos del cómic norteamericano planteando cuestiones relacionadas con la pasividad del espectador, los significados culturales de Hollywood, o el modo en que la visión de mundo según Disney se ha mimetizado con la percepción de la realidad. Alain Secas también trabaja con instalaciones de video, escultura e ilustraciones de cómics. Su trabajo de arte Professor Suicide representa la caricatura de un profesor que se para frente a sus estudiantes mientras un video didáctico se proyecta en una pantalla. La lección --que seguirán dócilmente-- consiste en cómo explotar sus frágiles cabezas.
Jeffet señala que otras obras igualmente desmantelan --en la tradición que instauró Foucault-- la rigidez de las instituciones: la obra de Marlachi Farrel, Interview (Paparazzi) 1999-2000, confronta al espectador con el modo en que los medios estructuran las relaciones de dominio. Por su parte, Xavier Veilhan expone en Les Policiers la vigilancia representada por el personal de seguridad en los museos, mostrándolos como instituciones de poder. No obstante, advierte que la única parte de la realidadque la gente puede aspirar a comprender es justamente aquella que el arte reproduce, expresa, o en una palabra, simula.
'Shorcuts, Between Reality and Fiction'. Bass Museum of Art, 2121 Park Avenue, Miami Beach. Hasta el 29 de enero. (305) 673-7530. Dos obras inquietantes en Art Miami La Galerie Lelia Mordoch, con sede en París, Francia, presentó durante Art Miami 2006 la obra de Patrice Girard. El director de El Museo del Barrio, Julian Zugazagoitia ha comentado que sus trabajos de arte, caracterizados por composiciones de una gran perfección formal, siempre sugieren una multiplicidad de lecturas.
''Alejándose del uso de materiales artísticos tradicionales, Girard ha encontrado su paleta entre los objetos de cada día que saca fuera de contexto para crear metáforas sociales. La fragilidad del ser, la conservación de la materia, el contraste de elementos y el equilibrio entre opuestos son algunas de las preguntas esenciales que su trabajo nos hace considerar'', escribió en un folleto de presentación de la obra de Girard.
Abstracción contemporánea y rigor poético se sustentan en pequeños peces secos, cortes de madera, cadenas de hierro, círculos metálicos y demuestran que la imaginación supone también la tarea de otorgar otro orden a la materia común de los días.
Por su parte, la galería RV de México, dirigida por José Manuel Rosano, trajo como único artista a Pablo Castillo, quien incursiona en una veta poco explorada en el arte contemporáneo de su país: la creación de esculturas emsamblando piezas de metal, plástico o vidrio arrancadas de otros objetos. Esfinge es una escultura antropomórfica de inmensa estatura que funde la aparente invulnerabilidad del metal con elementos que capturan lo frágil como la ausencia de un pie. La contradicción entre el precario equilibrio y lo imponente de la figura funciona como metáfora de la condición humana. Pero también usa el metal para animar criaturas invertebradas cercanas a la ciencia ficción
Habrían hallado último retrato de Mozart
Berlín /.-Un misterioso cuadro encontrado en Berlín puede ser la última imagen pintada en vida del genial compositor austríaco Wolfgang A. Mozart.
El lienzo, titulado “Caballero con abrigo verde”, será enviado a Salzburgo con motivo del 250 aniversario del nacimiento del genio.
Si se tratara efectivamente de Mozart, el retrato mostraría el prematuro envejecimiento de este gran creador musical y juerguista fallecido a los 35 años.
El rostro surcado por arrugas, el cabello gris y los rasgos cansados hablan de una vida cargada de experiencia.
El óleo fue firmado por un renombrado retratista de la época, Johann Georg Edlinger, en 1790.-
La Fundación Chirivella-Soriano presenta las «Transfiguraciones» plásticas de Luis Eduardo Aute
VALENCIA. Las obsesiones transfiguradas en torno a la religiosidad y el erotismo son el eje temático de la exposición retrospectiva que le dedica desde hoy y hasta el 23 de abril la Fundación Chirivella-Soriano al artista plástico, cantante y realizador madrileño Luis Eduardo Aute.
Componen la exposición más de un centenar de pinturas, esculturas, dibujos y grabados realizados desde 1950 hasta nuestros días, ubicadas en el Palacio Joan de Valeriola de Valencia.
En los muros de este palacete rehabilitado del siglo XV cuelgan las series más señaladas de la trayectoria plástica de Aute, como «Óleos», «Pasión», «Templo» y «Pompas, perlas planetas...». La muestra se completa con la proyección del cortometraje «Un perro llamado dolor», basado en los propios dibujos surrealistas del creador.
La obra de Luis Eduardo Aute ha sido objeto de más de 30 exposiciones individuales y otras tantas colectivas, entre ellas las Bienales de París y Sao Paulo.
Mueble chino y pintura moderna, en Fundación Francisco Godia
Dos muestras sobre el mueble imperial chino y la pintura moderna son las dos exposiciones temporales que la Fundación Francisco Godia ha preparado para este año, con las que quiere poner de manifiesto la aportación del coleccionismo a la recuperación y conservación del patrimonio cultural.
La exposición 'El arte del mueble en la China imperial. Siglos II a.C.-XVIII d.C' abrirá sus puertas el 21 de febrero y se podrá visitar hasta la última semana de junio.
Según ha informado hoy la Fundación Godia, se trata de la primera exposición que se organiza en un país occidental dedicada monográficamente al mueble imperial chino.
La muestra, comisariada por Désiré Feuerle, reúne una selección de piezas de las dinastías Ming (1368-1644) y Qing (1644-1911), todas ellas procedentes de colecciones privadas y que originariamente formaban parte del mobiliario del Palacio Imperial de Pekín y del palacio de verano.
La segunda exposición de la temporada, 'Pintura Moderna.
Coleccionismo generación Francisco Godia', se podrá visitar entre el mes de octubre de este año y enero de 2007 y pretende convertirse en un análisis inédito sobre el coleccionismo de esta saga.
La muestra reunirá piezas desde la época modernista, con artistas como Ramon Casas, Anglada Camarasa o Sorolla, a artistas de su tiempo, como Cuixart, Joan Ponc o Antoni Tápies, procedentes de colecciones privadas y de la propia fundación.
Pero además de estas dos exposiciones, la programación de la institución para este año incluye también conferencias, actividades divulgativas y el curso 'El Museo del Prado y el arte contemporáneo', en colaboración con la Fundación Amigos del Museo del Prado.
Además, se iniciarán las obras de rehabilitación de la nueva sede de la fundación, así como el restaurante que se habilitará en la planta baja y que estará dirigido por Miguel Sánchez Romera, cocinero del restaurante 'L'Esguard', que cuenta con una estrella Michelín.
La exposición 'El arte del mueble en la China imperial. Siglos II a.C.-XVIII d.C' abrirá sus puertas el 21 de febrero y se podrá visitar hasta la última semana de junio.
Según ha informado hoy la Fundación Godia, se trata de la primera exposición que se organiza en un país occidental dedicada monográficamente al mueble imperial chino.
La muestra, comisariada por Désiré Feuerle, reúne una selección de piezas de las dinastías Ming (1368-1644) y Qing (1644-1911), todas ellas procedentes de colecciones privadas y que originariamente formaban parte del mobiliario del Palacio Imperial de Pekín y del palacio de verano.
La segunda exposición de la temporada, 'Pintura Moderna.
Coleccionismo generación Francisco Godia', se podrá visitar entre el mes de octubre de este año y enero de 2007 y pretende convertirse en un análisis inédito sobre el coleccionismo de esta saga.
La muestra reunirá piezas desde la época modernista, con artistas como Ramon Casas, Anglada Camarasa o Sorolla, a artistas de su tiempo, como Cuixart, Joan Ponc o Antoni Tápies, procedentes de colecciones privadas y de la propia fundación.
Pero además de estas dos exposiciones, la programación de la institución para este año incluye también conferencias, actividades divulgativas y el curso 'El Museo del Prado y el arte contemporáneo', en colaboración con la Fundación Amigos del Museo del Prado.
Además, se iniciarán las obras de rehabilitación de la nueva sede de la fundación, así como el restaurante que se habilitará en la planta baja y que estará dirigido por Miguel Sánchez Romera, cocinero del restaurante 'L'Esguard', que cuenta con una estrella Michelín.
Venden pintura de Rembrandt por $4 millones en Sotheby's
NUEVA YORK Una pintura ''redescubierta'' del pintor holandés Rembrandt, conocido como ''el maestro de la luz'' y de quien este año se celebra el 400 aniversario de su nacimiento, se vendió ayer en una subasta por $4.2 millones.
El retrato, Estudio de una vieja con gorra blanca (1640), se vendió en la subasta de pinturas clásicas de la firma de remates Sotheby's por encima de su valor estimado, que era de entre $3 y $4 millones.
Se trata de una obra que es todo un redescubrimiento, ya que había sido virtualmente olvidada por los estudiosos de Rembrandt y no se había ilustrado ni exhibido públicamente desde 1930, señala Sotheby's en el catálogo de la subasta.
Pintada al óleo sobre un soporte de madera de 53.5 por 37.5 centímetros, la obra muestra el perfil de una vieja con gorra blanca, que se presume era una sirvienta, una persona que por su clase social era raramente retratada en la época.
La pintura fue redescubierta en el 2003 y, tras una inspección cuidadosa realizada por el Rembrandt Research Project, se expuso temporalmente en el 2005 en el mismo edificio donde probablemente se pintó: el Rembrandthuis, en Amsterdam.
''El redescubrimiento de una pintura auténtica de Rembrandt es un evento emocionante en sí mismo, pero lo que este acontecimiento ha revelado es un aspecto poco examinado de la actividad del artista, que es su práctica de hacer bocetos al óleo'', dice Sotheby's.
La pintura, más que un retrato, es considerada por los expertos un ``estudio para investigar los efectos de la luz y la sombra en la cabeza de una mujer''.
El redescubrimiento de este boceto y su venta a través de Sotheby's coincide con las celebraciones, este año, del 400 aniversario del nacimiento del pintor en la ciudad holandesa de Leinen.
El Año de Rembrandt se celebrará durante todo el 2006 con una serie de 24 exposiciones, repartidas en Leiden, Amsterdam y La Haya.
El retrato, Estudio de una vieja con gorra blanca (1640), se vendió en la subasta de pinturas clásicas de la firma de remates Sotheby's por encima de su valor estimado, que era de entre $3 y $4 millones.
Se trata de una obra que es todo un redescubrimiento, ya que había sido virtualmente olvidada por los estudiosos de Rembrandt y no se había ilustrado ni exhibido públicamente desde 1930, señala Sotheby's en el catálogo de la subasta.
Pintada al óleo sobre un soporte de madera de 53.5 por 37.5 centímetros, la obra muestra el perfil de una vieja con gorra blanca, que se presume era una sirvienta, una persona que por su clase social era raramente retratada en la época.
La pintura fue redescubierta en el 2003 y, tras una inspección cuidadosa realizada por el Rembrandt Research Project, se expuso temporalmente en el 2005 en el mismo edificio donde probablemente se pintó: el Rembrandthuis, en Amsterdam.
''El redescubrimiento de una pintura auténtica de Rembrandt es un evento emocionante en sí mismo, pero lo que este acontecimiento ha revelado es un aspecto poco examinado de la actividad del artista, que es su práctica de hacer bocetos al óleo'', dice Sotheby's.
La pintura, más que un retrato, es considerada por los expertos un ``estudio para investigar los efectos de la luz y la sombra en la cabeza de una mujer''.
El redescubrimiento de este boceto y su venta a través de Sotheby's coincide con las celebraciones, este año, del 400 aniversario del nacimiento del pintor en la ciudad holandesa de Leinen.
El Año de Rembrandt se celebrará durante todo el 2006 con una serie de 24 exposiciones, repartidas en Leiden, Amsterdam y La Haya.
27 January 2006
FOTOGRAFIAS DESDE EL TALLER DE FRANCO MUSSO
FOTOGRAFIAS TOMADAS ESTA MAÑANA ,EN EL TALLER DE FRANCO MUSSO, SOBRE LA EVOLUCION DE LAS PIEZAS ,EN LAS QUE ESTA TRABAJANDO ,PARA SU PROXIMA EXPOSICION ,ORGANIZADA POR NARVIK CONCEPTS.
Grup 62 se lanza a la edición de obra gráfica original de artistas catalanes
Grup 62 se lanza a la edición de obra gráfica original de artistas catalanes
Grup 62 ha creado un nuevo sello, 'Art 62', con el que editará y coeditará obra gráfica original de los artistas más representativos del arte catalán, según explicaron hoy el director editorial de Grup 62, Ernest Folch, y el responsable del proyecto, Carles Alsina.
Folch afirmó que la nueva marca se ha creado para la "edición, divulgación y comercialización" de obras de arte como litografías, seriegrafías, grabados y xilografías con el objetivo de "dar un impulso" a la edición de obra gráfica.
La treintena de obras que editará el sello pertenecen a 21 artistas catalanes, entre los que figuran Salvador Dalí ('El gastrónomo') o Antoni Tàpies ('Avant la lettre 271'), Joan Hernández Pijuan, Joan Miró o Antoni Clavé, a otros menos conocidos para el gran público como Carme Aliaga, Gemma Molera y Josep Moscardó.
Los precios de las obras oscilarán entre los 400 y los 3.000 euros, siendo algunas adquiridas en galerías de Albania, Alemania y Suiza, y la editorial afirmó que es un catálogo abierto a nuevas incorporaciones. El sello afirmó que, en breve, este catálogo será consultable a través de su página web para los interesados.
Carles Alsina aseguró que "la divulgación del arte y los autores catalanes tiene carencias y un mercado latente" y aseguró que el catálogo que presenta Art 62 "es el más completo de artistas catalanes".
El sello lleva ya un año operando y debido al éxito que tuvo se ha decidido potenciar. Este año ya ha facturado 950.000 euros y tiene previsto facturar unos tres millones de euros en los próximos años, según el editor.
Folch afirmó que el mercado del sello es Catalunya y Madrid, ya que si bien existe "una barrera" para la edición en catalán "en el mundo del arte no la hay". Alsina dijo que con el proyecto pretenden "acercar al cliente que no va a la galería el arte".
Ernest Folch reiteró que "nadie en la editorial" está trabajando en la posible venta del grupo "a corto, medio o largo plazo" y que este nuevo sello "muestra la voluntad de crecer" y "crear una industria cultural de primer nivel".
En este sentido, Folch aseguró que Grup 62 cerrará en positivo el balance económico de este año por primera vez en los últimos tres años y que "ha superado la crisis" y es "capaz de generar recursos propios".
Grup 62 ha creado un nuevo sello, 'Art 62', con el que editará y coeditará obra gráfica original de los artistas más representativos del arte catalán, según explicaron hoy el director editorial de Grup 62, Ernest Folch, y el responsable del proyecto, Carles Alsina.
Folch afirmó que la nueva marca se ha creado para la "edición, divulgación y comercialización" de obras de arte como litografías, seriegrafías, grabados y xilografías con el objetivo de "dar un impulso" a la edición de obra gráfica.
La treintena de obras que editará el sello pertenecen a 21 artistas catalanes, entre los que figuran Salvador Dalí ('El gastrónomo') o Antoni Tàpies ('Avant la lettre 271'), Joan Hernández Pijuan, Joan Miró o Antoni Clavé, a otros menos conocidos para el gran público como Carme Aliaga, Gemma Molera y Josep Moscardó.
Los precios de las obras oscilarán entre los 400 y los 3.000 euros, siendo algunas adquiridas en galerías de Albania, Alemania y Suiza, y la editorial afirmó que es un catálogo abierto a nuevas incorporaciones. El sello afirmó que, en breve, este catálogo será consultable a través de su página web para los interesados.
Carles Alsina aseguró que "la divulgación del arte y los autores catalanes tiene carencias y un mercado latente" y aseguró que el catálogo que presenta Art 62 "es el más completo de artistas catalanes".
El sello lleva ya un año operando y debido al éxito que tuvo se ha decidido potenciar. Este año ya ha facturado 950.000 euros y tiene previsto facturar unos tres millones de euros en los próximos años, según el editor.
Folch afirmó que el mercado del sello es Catalunya y Madrid, ya que si bien existe "una barrera" para la edición en catalán "en el mundo del arte no la hay". Alsina dijo que con el proyecto pretenden "acercar al cliente que no va a la galería el arte".
Ernest Folch reiteró que "nadie en la editorial" está trabajando en la posible venta del grupo "a corto, medio o largo plazo" y que este nuevo sello "muestra la voluntad de crecer" y "crear una industria cultural de primer nivel".
En este sentido, Folch aseguró que Grup 62 cerrará en positivo el balance económico de este año por primera vez en los últimos tres años y que "ha superado la crisis" y es "capaz de generar recursos propios".
LA SEDE DE LA FEDERACIÓN ACOGE HASTA EL PRÓXIMO 15 DE FEBRERO UNA EXPOSICIÓN DE TREINTA CUADROS INSPIRADOS EN LA IMAGEN CORPORATIVA DE OTRAS TANTAS
Fusión de arte y empresa en Felapyme
Arte y empresa se han fusionado y el resultado se expondrá hasta el próximo 15 de febrero en la sede de la Federación de la Pequeña y Mediana Empresa de Lanzarote (Felapyme).
Un total de treinta cuadros realizados por diversos artistas canarios, procedentes de varias islas, reflejan la imagen corporativa de otras tantas pequeñas empresas de Lanzarote. Tras la finalización de la exposición, la idea es que los cuadros acaben adornando las paredes de las empresas cuya imagen se ha tomado para esta iniciativa.
Diseño de Imagen
La exposición fue presentada en la mañana de este jueves en la sede de Felapyme bajo el título "Proyecto Diseño de Imagen Corporativa para las Pymes de Felapyme", que se ha llevado a cabo en el marco del Plan de Consolidación y Competitividad de la Pyme del Gobierno de Canarias.
Este evento entra dentro del nuevo plan de actuaciones llevadas a cabo por la Federación consistente en utilizar la sede como una sala permanente de exposición de pintura y fotografía, tratando con ello de mejorar la oferta cultural de la Isla.
A la presentación asistió el director general de Promoción Económica del Gobierno de Canarias, ademas de algunas autoridades de Lanzarote, entre ellas la consejera de Industria y Comercio del Cabildo insular, Lourdes Bernal, y empresarios destacados de la Isla.
En palabras del presidente de Felapyme, Alfredo Villalba, "esta iniciativa trata de mezclar el arte y la cultura con la pequeña y mediana empresa y aportar en la medida de lo posible el arte y la cultura lanzaroteñas".
Arte y empresa se han fusionado y el resultado se expondrá hasta el próximo 15 de febrero en la sede de la Federación de la Pequeña y Mediana Empresa de Lanzarote (Felapyme).
Un total de treinta cuadros realizados por diversos artistas canarios, procedentes de varias islas, reflejan la imagen corporativa de otras tantas pequeñas empresas de Lanzarote. Tras la finalización de la exposición, la idea es que los cuadros acaben adornando las paredes de las empresas cuya imagen se ha tomado para esta iniciativa.
Diseño de Imagen
La exposición fue presentada en la mañana de este jueves en la sede de Felapyme bajo el título "Proyecto Diseño de Imagen Corporativa para las Pymes de Felapyme", que se ha llevado a cabo en el marco del Plan de Consolidación y Competitividad de la Pyme del Gobierno de Canarias.
Este evento entra dentro del nuevo plan de actuaciones llevadas a cabo por la Federación consistente en utilizar la sede como una sala permanente de exposición de pintura y fotografía, tratando con ello de mejorar la oferta cultural de la Isla.
A la presentación asistió el director general de Promoción Económica del Gobierno de Canarias, ademas de algunas autoridades de Lanzarote, entre ellas la consejera de Industria y Comercio del Cabildo insular, Lourdes Bernal, y empresarios destacados de la Isla.
En palabras del presidente de Felapyme, Alfredo Villalba, "esta iniciativa trata de mezclar el arte y la cultura con la pequeña y mediana empresa y aportar en la medida de lo posible el arte y la cultura lanzaroteñas".
META.MORFOSIS´ SE PUEDE VER HASTA JULIO EN BADAJOZ
META.MORFOSIS´ SE PUEDE VER HASTA JULIO EN BADAJOZ
El Meiac presenta una muestra sobre arte digital
Desde hoy se exponen 26 obras y 17 proyectos arquitectónicos.
El Museo Extremeño Iberoamericano de Arte Contemporáneo (Meiac) de Badajoz acoge desde hoy y hasta julio la exposición META.morfosis, el museo y el arte en la era digital , que muestra 26 obras de autores destacados en los ámbitos de la creación y el arte digital, así como 17 propuestas arquitectónicas sobre el posible futuro de este espacio museístico. La inaugura el vicepresidente Ignacio Sánchez Amor.
La muestra fue presentada ayer por el consejero de Cultura, Francisco Muñoz, quien señaló que las obras pueden ser "utópicas", ya que se han creado con la intención de imaginar libremente el espacio del Meiac y su entorno urbano en el siglo XXI.
En su opinión, se trata de "planteamientos apasionante elaborados para ensayar una reflexión en profundidad con la pretensión de mejorar las prestaciones sociales del museo".
Además, pretenden lograr la más completa integración del Meiac en la ciudad, mediante la proyección de "su futuro comportamiento en el entorno de una sociedad en crecimiento, diversificada y exigente".
Para Muñoz, los proyectos son "muy sugerentes", lo que, precisó, "no quiere decir que sean ejecutables, pero podrían".
PRESENTES EN ARCO "De momento son ideas para estudiar", dijo el consejero, que anunció que estas propuestas, junta otras del museo relacionadas con el arte biológico y digital, configurará el espacio expositivo de Extremadura en ARCO.
De los trabajos presentados sobre naturaleza, destacó un espacio de cristal para la cría de mariposas, mientras que de los arquitectónicos la construcción de una terraza de conexión entre el museo y la ciudad.
El Meiac presenta una muestra sobre arte digital
Desde hoy se exponen 26 obras y 17 proyectos arquitectónicos.
El Museo Extremeño Iberoamericano de Arte Contemporáneo (Meiac) de Badajoz acoge desde hoy y hasta julio la exposición META.morfosis, el museo y el arte en la era digital , que muestra 26 obras de autores destacados en los ámbitos de la creación y el arte digital, así como 17 propuestas arquitectónicas sobre el posible futuro de este espacio museístico. La inaugura el vicepresidente Ignacio Sánchez Amor.
La muestra fue presentada ayer por el consejero de Cultura, Francisco Muñoz, quien señaló que las obras pueden ser "utópicas", ya que se han creado con la intención de imaginar libremente el espacio del Meiac y su entorno urbano en el siglo XXI.
En su opinión, se trata de "planteamientos apasionante elaborados para ensayar una reflexión en profundidad con la pretensión de mejorar las prestaciones sociales del museo".
Además, pretenden lograr la más completa integración del Meiac en la ciudad, mediante la proyección de "su futuro comportamiento en el entorno de una sociedad en crecimiento, diversificada y exigente".
Para Muñoz, los proyectos son "muy sugerentes", lo que, precisó, "no quiere decir que sean ejecutables, pero podrían".
PRESENTES EN ARCO "De momento son ideas para estudiar", dijo el consejero, que anunció que estas propuestas, junta otras del museo relacionadas con el arte biológico y digital, configurará el espacio expositivo de Extremadura en ARCO.
De los trabajos presentados sobre naturaleza, destacó un espacio de cristal para la cría de mariposas, mientras que de los arquitectónicos la construcción de una terraza de conexión entre el museo y la ciudad.
El Museo Picasso Málaga, premiado por el Instituto Americano de Arquitectos
El Museo Picasso Málaga ha sido premiado con el 2006 AIA Institute Honor Awards for Architecture junto a otros diez proyectos arquitectónicos, tras una selección en la que han participado más de 400 edificios del mundo.
Según ha destacado el jurado, el Museo Picasso Málaga ha sido premiado por “el hermoso trabajo de restauración arquitectónica, acertadamente sencillo,que ha bordado un museo en el tejido de esta ciudad mediterránea.
Las nuevas secciones han sido simple y elegantemente insertadas en el entorno y en los alrededores de un palacio del siglo XVI, patios exteriores y calles de la ciudad malagueña”.
La rehabilitación y expansión del complejo arquitectónico que conforma el Museo Picasso Málaga, fue diseñada por Richard Gluckman, de Gluckman Mayner Architects, y por Isabel Cámara y Rafael Martín Delgado, de Cámara/Martín Delgado Arquitectos, junto a la participación de la empresa de ingeniería ARUP.
Fue precisamente el presidente del jurado, Robert E. Hull, quien visitó las instalaciones del Museo Picasso Málaga como parte del jurado del AIA el pasado 26 de octubre, el cual fue atendido y guiado por el director del mismo, Bernardo Laniado-Romero.
En opinión del tribunal del AIA “el museo, dedicado a Pablo Picasso, beneficia el centro histórico de Málaga, ciudad natal del artista. Los arquitectos han restaurado el Palacio Buenavista (XVI) que alberga la entrada principal y las salas con la colección, incluyéndolo en un proyecto que ha supuesto de esta forma la ubicación de nuevos edificios en el tejido urbano”.
El jurado estaba interesado especialmente en premiar proyectos que se integrasen con su entorno tanto si se trataba de una capilla, un edificio de oficinas, un campus o una intervención urbana. Según el arquitecto americano Robert E. Hull, “en nuestras deliberaciones y visitas in situ hemos buscado las cualidades especiales, la vitalidad y la importancia que la arquitectura brinda a nuestra sociedad”.
La entrega de premios se realizará el próximo mes de junio en la ciudad de Los Ángeles.
26 January 2006
Un dibujo de Goya alcanza los 300.000 euros en Sotheby's, el doble de lo previsto.
Un dibujo de Goya alcanza los 300.000 euros en Sotheby's, el doble de lo previsto.
Un dibujo de Francisco de Goya se vendió ayer en 352.000 dólares, algo más de 300.000 euros, en Nueva York, superando con creces el precio estimado por la casa de subastas Sotheby’s. El dibujo, hecho en grafito y tiza negra y con una dimensión de 16 por 12 centímetros, tenía un precio estimado entre 120.000 y 160.000 dólares y era parte de la subasta de dibujos clásicos que celebra Sotheby’s cada año. La obra ilustró la portada del «Elogio del excelentísimo señor conde de Gausa» (1786).
ArteSevilla entra en su recta final con éxito de público y aumento de ventas
ArteSevilla entra en su recta final con éxito de público y aumento de ventas
En esta octava edición se presentan obras de más de mil creadores.
SEVILLA. La octava edición de la feria de arte contemporáneo «ArteSevilla», que se clausurará mañana en el Palacio de Congresos y Exposiciones, entra hoy en su recta final.
Más de un millar de creadores de todo el país, así como de Japón e Israel, participan en esta nueva convocatoria, que ha apostado por una mayor obra gráfica de calidad y por la escultura. A falta del balance final, fuentes de la feria han indicado que se está registrando una gran asistencia de público y un aumento del volumen de ventas con respecto a las mismas fechas del año pasado.
ArteSevilla, que permite durante su celebración el diálogo entre artistas, galeristas, críticos y público en general, presenta además como gran aliciente la muestra «Fragmentaciones» de Rafael Canogar, artista al que la feria rinde homenaje en esta edición con la concesión de su Medalla de Oro. La exposición está integrada por una selección de treinta pinturas que se inscriben dentro de la producción reciente de este autor.
Asimismo, se exhibe la treintena de obras finalistas de los premios Fórum ArteSevilla de pintura y escultura, que anualmente convoca esta feria de arte contemporáneo.
En esta octava edición se presentan obras de más de mil creadores.
SEVILLA. La octava edición de la feria de arte contemporáneo «ArteSevilla», que se clausurará mañana en el Palacio de Congresos y Exposiciones, entra hoy en su recta final.
Más de un millar de creadores de todo el país, así como de Japón e Israel, participan en esta nueva convocatoria, que ha apostado por una mayor obra gráfica de calidad y por la escultura. A falta del balance final, fuentes de la feria han indicado que se está registrando una gran asistencia de público y un aumento del volumen de ventas con respecto a las mismas fechas del año pasado.
ArteSevilla, que permite durante su celebración el diálogo entre artistas, galeristas, críticos y público en general, presenta además como gran aliciente la muestra «Fragmentaciones» de Rafael Canogar, artista al que la feria rinde homenaje en esta edición con la concesión de su Medalla de Oro. La exposición está integrada por una selección de treinta pinturas que se inscriben dentro de la producción reciente de este autor.
Asimismo, se exhibe la treintena de obras finalistas de los premios Fórum ArteSevilla de pintura y escultura, que anualmente convoca esta feria de arte contemporáneo.
Uslé muestra en CaixaForum su visión de la colección arte Caixa
Uslé muestra en CaixaForum su visión de la colección arte Caixa
El artista cántabro Juan Uslé expone desde hoy en CaixaForum su particular visión de la Colección de Arte Contemporáneo de la Fundación La Caixa.
'La pintura es a la sociedad como el sudor al cuerpo'. Así lo piensa Juan Uslé, primer artista invitado al proyecto 'La mirada del artista en CaixaForum', dedicado a la pintura, un ciclo en el que un artista seleccionará y expondrá obras de la Colección de Arte Contemporáneo de la Fundación La Caixa con el objetivo de ofrecer nuevas visiones de este fondo de arte.
Considerado uno de los artistas más destacados de la pintura abstracta actual, Uslé se ha adentrado en los fondos de la colección para articular una muestra pensada desde presupuestos pictóricos, de modo que sus obsesiones y pasiones resuenan en una selección de unas treinta obras.
'Ha sido un debate cuerpo a cuerpo, allí donde sentía una voz, una llamada, me detenía, me acercaba; y volvía al día siguiente a repetir la experiencia', ha explicado Uslé.
El resultado es una selección de obras dominadas por un eje formado por las piezas de cuatro artistas fundamentales para Uslé: Sigmar Polke y Gerhard Richter, por un lado, y Luis Gordillo y Pablo Palazuelo, por otro.
Junto a estos cuatro artistas, también ha seleccionado obras de Halley, Ryman, Martin, Tapies, Kuitca, Civera, Frize, Kahrs y Scheibitz. Las obras de los dos últimos son adquisiciones recientes de la Colección que se exponen por primera vez.
El artista cántabro Juan Uslé expone desde hoy en CaixaForum su particular visión de la Colección de Arte Contemporáneo de la Fundación La Caixa.
'La pintura es a la sociedad como el sudor al cuerpo'. Así lo piensa Juan Uslé, primer artista invitado al proyecto 'La mirada del artista en CaixaForum', dedicado a la pintura, un ciclo en el que un artista seleccionará y expondrá obras de la Colección de Arte Contemporáneo de la Fundación La Caixa con el objetivo de ofrecer nuevas visiones de este fondo de arte.
Considerado uno de los artistas más destacados de la pintura abstracta actual, Uslé se ha adentrado en los fondos de la colección para articular una muestra pensada desde presupuestos pictóricos, de modo que sus obsesiones y pasiones resuenan en una selección de unas treinta obras.
'Ha sido un debate cuerpo a cuerpo, allí donde sentía una voz, una llamada, me detenía, me acercaba; y volvía al día siguiente a repetir la experiencia', ha explicado Uslé.
El resultado es una selección de obras dominadas por un eje formado por las piezas de cuatro artistas fundamentales para Uslé: Sigmar Polke y Gerhard Richter, por un lado, y Luis Gordillo y Pablo Palazuelo, por otro.
Junto a estos cuatro artistas, también ha seleccionado obras de Halley, Ryman, Martin, Tapies, Kuitca, Civera, Frize, Kahrs y Scheibitz. Las obras de los dos últimos son adquisiciones recientes de la Colección que se exponen por primera vez.
La National Portrait Gallery prepara una gran exposición sobre Shakespeare
La National Portrait Gallery prepara una gran exposición sobre Shakespeare
Londres.- La National Portrait Gallery de Londres prepara actualmente una gran exposición que reunirá retratos y manuscritos del que muchos consideran como el más grande dramaturgo de todos los tiempos, William Shakespeare, informaron hoy sus organizadores.
La exposición reunirá retratos, trajes, manuscritos y joyas de la llamada época isabelina, muchos de los cuales, procedentes de distintos lugares del mundo, no se habían exhibido hasta ahora en público.
El primer retrato donado en 1856 a la National Portrait Gallery fue precisamente uno que se suponía que era del dramaturgo: conocido como el retrato de Chandos (porque fue propiedad del duque de ese nombre), no es seguro que represente realmente a Shakespeare.
Junto a ese retrato, se expondrán por primera vez juntos otros cinco, todos los cuales aspiran a representar al bardo de Stratford-upon-Avon.
En la exposición londinense se presentarán los resultados de los últimos análisis técnicos efectuados a algunos de esos retratos y que pueden arrojar luz sobre el auténtico aspecto del escritor.
Aunque la vida de Shakespeare (1564-1616) sólo se ha logrado reconstruir parcialmente, la exposición intentará también aportar nuevos datos examinando tanto a quienes fueron sus mecenas como a otros actores y dramaturgos de la época.
También se exhibirán retratos de actores, comediógrafos y mecenas del teatro, trajes originales, así como joyería, cubertería de plata y manuscritos de la época.
Entre los tesoros expuestos figurará el testamento de Shakespeare, préstamo de la Biblioteca Nacional, de Londres.
Una imagen del Swan Theatre, la única que se conoce de un escenario isabelino, consultada para la reconstrucción en Londres del Globe Theatre, será igualmente expuesta por primera vez.
Londres.- La National Portrait Gallery de Londres prepara actualmente una gran exposición que reunirá retratos y manuscritos del que muchos consideran como el más grande dramaturgo de todos los tiempos, William Shakespeare, informaron hoy sus organizadores.
La exposición reunirá retratos, trajes, manuscritos y joyas de la llamada época isabelina, muchos de los cuales, procedentes de distintos lugares del mundo, no se habían exhibido hasta ahora en público.
El primer retrato donado en 1856 a la National Portrait Gallery fue precisamente uno que se suponía que era del dramaturgo: conocido como el retrato de Chandos (porque fue propiedad del duque de ese nombre), no es seguro que represente realmente a Shakespeare.
Junto a ese retrato, se expondrán por primera vez juntos otros cinco, todos los cuales aspiran a representar al bardo de Stratford-upon-Avon.
En la exposición londinense se presentarán los resultados de los últimos análisis técnicos efectuados a algunos de esos retratos y que pueden arrojar luz sobre el auténtico aspecto del escritor.
Aunque la vida de Shakespeare (1564-1616) sólo se ha logrado reconstruir parcialmente, la exposición intentará también aportar nuevos datos examinando tanto a quienes fueron sus mecenas como a otros actores y dramaturgos de la época.
También se exhibirán retratos de actores, comediógrafos y mecenas del teatro, trajes originales, así como joyería, cubertería de plata y manuscritos de la época.
Entre los tesoros expuestos figurará el testamento de Shakespeare, préstamo de la Biblioteca Nacional, de Londres.
Una imagen del Swan Theatre, la única que se conoce de un escenario isabelino, consultada para la reconstrucción en Londres del Globe Theatre, será igualmente expuesta por primera vez.
25 January 2006
Alarma en Londres: vigésimo robo de una escultura en los últimos seis meses
LONDRES. Una banda podría estar actuando en Londres y sus alrededores para robar esculturas de bronce, principalmente expuestas al aire libre, con el fin de fundir su material y luego venderlo. La policía ha registrado ya veinte robos de estas mismas características en los últimos seis meses. La última sustracción ha sido la de una obra valorada en casi 900.000 euros, que en la noche del pasado día 10 desapareció del campus de la Roehampton University, al sureste de la capital británica. El grupo escultórico de Lynn Chadwick, titulado «The Watchers», se compone de tres figuras separadas de más de dos metros de altura cada una. Según la unidad de Scotland Yard para robos de obras de arte, para remover la escultura de bronce de Chadwick hicieron falta al menos ocho personas. «La gente que perpetra estas acciones no tiene consideración ni respecto por el valor de los objetos que roban, sino lo que buscan es sacar beneficio del material del que están hechas las esculturas», indicó el sargento Vernon Rapley.
Rastrean los talleres de fundición
Las investigaciones andan detrás de un posible banda, después de que el 15 de diciembre se produjera el sorprendente robo de un gran bronce del escultor Henry Moore, sustraído de su casa-museo mediante una grúa. La escultura, que pesaba 2.100 kilos, fue creada en 1969-70 y estaba valorada en 4,5 millones de euros. Se calcula que el precio del metal obtenido tras su fundición podría alcanzar unos 7.000 euros. La Fundación Henry Moore ha ofrecido una sustancial recompensa por cualquier información que permita la recuperación de la pieza.
A pesar de que la policía ha rastreado algunos talleres de fundición, no ha encontrado ningún rastro de la obra de Moore, ni de ninguna otra de las piezas robadas. «The Watchers» forma parte de una serie de tres creaciones similares del británico Lynn Chadwick, fallecido en 2003 y ganador en 1956 del premio Internacional de Escultura de la Bienal de Venecia. Las otras dos se encuentran en la ciudad inglesa de Loughborough y en Dinamarca.
Rastrean los talleres de fundición
Las investigaciones andan detrás de un posible banda, después de que el 15 de diciembre se produjera el sorprendente robo de un gran bronce del escultor Henry Moore, sustraído de su casa-museo mediante una grúa. La escultura, que pesaba 2.100 kilos, fue creada en 1969-70 y estaba valorada en 4,5 millones de euros. Se calcula que el precio del metal obtenido tras su fundición podría alcanzar unos 7.000 euros. La Fundación Henry Moore ha ofrecido una sustancial recompensa por cualquier información que permita la recuperación de la pieza.
A pesar de que la policía ha rastreado algunos talleres de fundición, no ha encontrado ningún rastro de la obra de Moore, ni de ninguna otra de las piezas robadas. «The Watchers» forma parte de una serie de tres creaciones similares del británico Lynn Chadwick, fallecido en 2003 y ganador en 1956 del premio Internacional de Escultura de la Bienal de Venecia. Las otras dos se encuentran en la ciudad inglesa de Loughborough y en Dinamarca.
La Fundación Barceló inaugura una exposición dedicada a la obra del paisajista mallorquín Bernat Ribot
La Fundación Barceló inaugura una exposición dedicada a la obra del paisajista mallorquín Bernat Ribot
PALMA DE MALLORCA, España
La Fundación Barceló inaugura hoy a las 19:00 horas la exposición rememorativa del gran paisajista mallorquín Bernat Ribot (1911-1991), donde se exponen once cuadros dedicados a lugares emblemáticos de la isla, la ciudad de Munich y el mítico barrio parisino de Montmartre, además de una colección de dibujos y acuarelas.
La muestra, que permanecerá abierta al público hasta el próximo 25 de febrero en la sede de la Fundación Barceló (calle Sant Jaume, 4), repasa toda la trayectoria artística del pintor, que destaca por la atmósfera de quiedud y los colores difuminados de sus cuadros.
Ribot, nacido en Ariany, fue un artista autodidacta, que abandonó su licenciatura de Derecho y su condición de funcionario del Ministerio de Comercio para entregarse por completo a su arte. Viajó por España, Francia, Bélgica y Alemania, estudiando técnicas de los pintores que figuraban en los museos y pinacotecas de estos países. En sus exposiciones figuraban siempre obras realizadas al óleo y al pastel, así como dibujos a lápiz y plumilla.
Entre 1947 y 1988 realizó 22 exposiciones en el Círculo de Bellas Artes de Palma. También expuso en galerías palmesanas como Quint (1950,1965), Danús (1952), Art Fama (1982) y L'Auba (1986,1987,1989). En 1962 y 1967 mostró sus obras en Munich, aprovechando para pintar los Alpes Bávaros y diversos rincones de la ciudad.
En 1962 obtuvo el segundo premio del I Concurso Nacioanal de Pintura, con su obra Biniaraix. Un año más tarde participó en el II Certamen de Pintura de Paisaje y Costumbres de Baleares, organizado por la Diputación Provincial. Entre las creaciones presentes en la exposición, destacan cuadros al óleo sobre la costa de Deià, el Torrent de Pareis, Es Gorg Blau, Cala Sant Vicenç, el Port de Pollença y el Puig de Migdia.
PALMA DE MALLORCA, España
La Fundación Barceló inaugura hoy a las 19:00 horas la exposición rememorativa del gran paisajista mallorquín Bernat Ribot (1911-1991), donde se exponen once cuadros dedicados a lugares emblemáticos de la isla, la ciudad de Munich y el mítico barrio parisino de Montmartre, además de una colección de dibujos y acuarelas.
La muestra, que permanecerá abierta al público hasta el próximo 25 de febrero en la sede de la Fundación Barceló (calle Sant Jaume, 4), repasa toda la trayectoria artística del pintor, que destaca por la atmósfera de quiedud y los colores difuminados de sus cuadros.
Ribot, nacido en Ariany, fue un artista autodidacta, que abandonó su licenciatura de Derecho y su condición de funcionario del Ministerio de Comercio para entregarse por completo a su arte. Viajó por España, Francia, Bélgica y Alemania, estudiando técnicas de los pintores que figuraban en los museos y pinacotecas de estos países. En sus exposiciones figuraban siempre obras realizadas al óleo y al pastel, así como dibujos a lápiz y plumilla.
Entre 1947 y 1988 realizó 22 exposiciones en el Círculo de Bellas Artes de Palma. También expuso en galerías palmesanas como Quint (1950,1965), Danús (1952), Art Fama (1982) y L'Auba (1986,1987,1989). En 1962 y 1967 mostró sus obras en Munich, aprovechando para pintar los Alpes Bávaros y diversos rincones de la ciudad.
En 1962 obtuvo el segundo premio del I Concurso Nacioanal de Pintura, con su obra Biniaraix. Un año más tarde participó en el II Certamen de Pintura de Paisaje y Costumbres de Baleares, organizado por la Diputación Provincial. Entre las creaciones presentes en la exposición, destacan cuadros al óleo sobre la costa de Deià, el Torrent de Pareis, Es Gorg Blau, Cala Sant Vicenç, el Port de Pollença y el Puig de Migdia.
Pintura rupestre en el Palau de Peñiscola.
Peñiscola.España.
Las reproducciones que hizo el artista Juan Bautista Porcar de las pinturas de Ares protagonizan una muestra que invita a visitar el rico legado arqueológico del Maestrat.
Corría el año 1934 cuando un grupo de arqueólogos descubrió un importante legado cultural en Ares del Maestre. Se trataba de las pinturas rupestres del barranco de la Gasulla. Uno de estos descubridores fue el artista castellonense Juan Bautista Porcar, quien poco después del hallazgo recibió el encargo de copiar estas pinturas, con la finalidad de proceder a su estudio. Desde el lunes se puede ver en la sala de exposiciones del Palau de Congressos de Peñíscola una muestra de estas reproducciones, descubriendo a los visitantes los secretos de estos abrigos en la montaña con una gran fidelidad de detalles.
Aunque pueda parecer extraño en la época actual, durante el pasado era necesario realizar calcos de estas pinturas. "Ahora se podrían hacer mediante fotografías de gran resolución, pero en aquel tiempo sólo se podían sacar imágenes en blanco y negro y con poca resolución, por lo que hacían calcos", comenta el director del Museu de Belles Arts de Castelló, Ferran Olucha. En el caso de Juan Bautista Porcar, cumplió el encargo con una gran fidelidad a los originales, ya que tal y como explica Olucha, "en él se juntaban sus facetas de artista y de estudioso de la arqueología". Por eso mismo, las obras que ahora se exponen en Peñíscola han sido calificadas como las mejores reproducciones que se han realizado de las pinturas rupestres del Levante español.
Fiel reflejo
Realizadas sobre tablero aglomerado, y mediante el uso de técnicas como la acuarela y el óleo, cada una de las pinturas reproduce las figuras rupestres, incluyendo la forma de las rocas en las que se pintaron. Gracias a ello estas imágenes, propiedad de la Diputación de Castellón, han acabado siendo una de las partes más importantes del legado pictórico de Porcar. El diputado provincial de Cultura, Miguel Ángel Mulet, comentó en la presentación de la muestra que esta iniciativa "recuerda lo mucho que se converva en la provincia, y debe se una motivación para seguir en esta línea de recuperación del patrimonio". Algunas de las imágenes colgadas en las paredes del Palau ya no se pueden ver en su entorno natural, puesto que el paso del tiempo o la falta de cuidados han desembocado en su borrado. Aún así, la visión de estas reproducciones invita a los visitantes de la exposición a apreciar estas imágenes en su entorno natural.
Las reproducciones que hizo el artista Juan Bautista Porcar de las pinturas de Ares protagonizan una muestra que invita a visitar el rico legado arqueológico del Maestrat.
Corría el año 1934 cuando un grupo de arqueólogos descubrió un importante legado cultural en Ares del Maestre. Se trataba de las pinturas rupestres del barranco de la Gasulla. Uno de estos descubridores fue el artista castellonense Juan Bautista Porcar, quien poco después del hallazgo recibió el encargo de copiar estas pinturas, con la finalidad de proceder a su estudio. Desde el lunes se puede ver en la sala de exposiciones del Palau de Congressos de Peñíscola una muestra de estas reproducciones, descubriendo a los visitantes los secretos de estos abrigos en la montaña con una gran fidelidad de detalles.
Aunque pueda parecer extraño en la época actual, durante el pasado era necesario realizar calcos de estas pinturas. "Ahora se podrían hacer mediante fotografías de gran resolución, pero en aquel tiempo sólo se podían sacar imágenes en blanco y negro y con poca resolución, por lo que hacían calcos", comenta el director del Museu de Belles Arts de Castelló, Ferran Olucha. En el caso de Juan Bautista Porcar, cumplió el encargo con una gran fidelidad a los originales, ya que tal y como explica Olucha, "en él se juntaban sus facetas de artista y de estudioso de la arqueología". Por eso mismo, las obras que ahora se exponen en Peñíscola han sido calificadas como las mejores reproducciones que se han realizado de las pinturas rupestres del Levante español.
Fiel reflejo
Realizadas sobre tablero aglomerado, y mediante el uso de técnicas como la acuarela y el óleo, cada una de las pinturas reproduce las figuras rupestres, incluyendo la forma de las rocas en las que se pintaron. Gracias a ello estas imágenes, propiedad de la Diputación de Castellón, han acabado siendo una de las partes más importantes del legado pictórico de Porcar. El diputado provincial de Cultura, Miguel Ángel Mulet, comentó en la presentación de la muestra que esta iniciativa "recuerda lo mucho que se converva en la provincia, y debe se una motivación para seguir en esta línea de recuperación del patrimonio". Algunas de las imágenes colgadas en las paredes del Palau ya no se pueden ver en su entorno natural, puesto que el paso del tiempo o la falta de cuidados han desembocado en su borrado. Aún así, la visión de estas reproducciones invita a los visitantes de la exposición a apreciar estas imágenes en su entorno natural.
La Diputación saca a la luz el arte más actual con la muestra sobre la Bienal
CÓRDOBA
EDICIÓN IMPRESA - Cultura
La Diputación saca a la luz el arte más actual con la muestra sobre la Bienal
CÓRDOBA. El pulso del arte más actual, de la innovación más reciente y de la investigación creativa se puede contemplar a partir de hoy en la Diputación de Córdoba. La Fundación Provincial de Artes Plásticas Rafael Botí inaugurará la muestra en la que se recoge una selección de las obras que participaron en su V Bienal de Artes Plásticas. De las 350 obras que se presentaron se han colgado 46. De ellas, la institución ha comprado 12, utilizando para ello una bolsa de 42.500 euros.
Entre las primeras se encuentran «Alice Lidell», una original fotografía a color de Manuel Muñoz Morales, una peculiar serigrafía de Jacobo Castellano y una peculiar pintura de Jesús Pedraza, uno de los artistas más prometedores a pesar de su juventud.
La muestra recrea la diversidad del arte actual, tanto en los soportes como en la técnica. Abundan la pintura y la fotografía, pero tienen que convivir con otro tipo de manifestaciones que han captado el interés de los amantes del arte, como la «Caja Mágica número 2» de Fernando Navarro Lorite.
Entre las videocraciones destaca la que ha aportado José Antonio Modelo Villatoro, que bajo el título de «Vacaciones Psíquicas» y «Agustín-Ibarrola. El color de las piedras» deja su particular mirada. Fernando Baena, por su parte, relata la historia de un mosquito en la ventana de un avión, bajo el título de «Polizón».
Al mismo discurso vanguardista pertenecen las caras fotografiadas de Isidre Manils, una de las obras más llamativas de la muestra. Hay sitio para los expresivos retratos fotográficos de Joaquín Risueño y para el conmovedor «Human Child» creado por Rax Rinnekangas.
La pintura muestra este mismo carácter experimental e innovador. Maru Calmaestra trae un interesante «collage» en el que reflexiona sobre el papel de la mujer en la publicidad antigua, mientras Paloma Hernández García deja ver un paisaje parisino interpretado al estilo pop. El bosque helado de Stefan Awengen («Cold walk») es otro de los destacados.
La muestra se podrá visitar en la sede de la Diputación hasta el próximo 26 de febrero.
EDICIÓN IMPRESA - Cultura
La Diputación saca a la luz el arte más actual con la muestra sobre la Bienal
CÓRDOBA. El pulso del arte más actual, de la innovación más reciente y de la investigación creativa se puede contemplar a partir de hoy en la Diputación de Córdoba. La Fundación Provincial de Artes Plásticas Rafael Botí inaugurará la muestra en la que se recoge una selección de las obras que participaron en su V Bienal de Artes Plásticas. De las 350 obras que se presentaron se han colgado 46. De ellas, la institución ha comprado 12, utilizando para ello una bolsa de 42.500 euros.
Entre las primeras se encuentran «Alice Lidell», una original fotografía a color de Manuel Muñoz Morales, una peculiar serigrafía de Jacobo Castellano y una peculiar pintura de Jesús Pedraza, uno de los artistas más prometedores a pesar de su juventud.
La muestra recrea la diversidad del arte actual, tanto en los soportes como en la técnica. Abundan la pintura y la fotografía, pero tienen que convivir con otro tipo de manifestaciones que han captado el interés de los amantes del arte, como la «Caja Mágica número 2» de Fernando Navarro Lorite.
Entre las videocraciones destaca la que ha aportado José Antonio Modelo Villatoro, que bajo el título de «Vacaciones Psíquicas» y «Agustín-Ibarrola. El color de las piedras» deja su particular mirada. Fernando Baena, por su parte, relata la historia de un mosquito en la ventana de un avión, bajo el título de «Polizón».
Al mismo discurso vanguardista pertenecen las caras fotografiadas de Isidre Manils, una de las obras más llamativas de la muestra. Hay sitio para los expresivos retratos fotográficos de Joaquín Risueño y para el conmovedor «Human Child» creado por Rax Rinnekangas.
La pintura muestra este mismo carácter experimental e innovador. Maru Calmaestra trae un interesante «collage» en el que reflexiona sobre el papel de la mujer en la publicidad antigua, mientras Paloma Hernández García deja ver un paisaje parisino interpretado al estilo pop. El bosque helado de Stefan Awengen («Cold walk») es otro de los destacados.
La muestra se podrá visitar en la sede de la Diputación hasta el próximo 26 de febrero.
Dieterlen muestra los 'Rumbos Paralelos' de su arte en el MuVIM de Valencia
VALENCIA SPAIN
El pintor y escultor, además de arquitecto, Paul Dieterlen, inauguró hoy en el MuVIM la muestra 'Rumbos Paralelos', que incluye 80 obras de este joven artista afincado en Valencia desde hace 10 años, en su mayor parte pinturas, pero también esculturas a las que imprime, según sus propias palabras, "un sello y un estilo diferente", según informaron hoy fuentes municipales.
Paul Dieterlen explicó que trata de separar la escultura de la pintura, "de no hacer figuras en tres dimensiones que se parezcan a los cuadros", ya que su forma de concebirlas "es totalmente distinta".
Manifestó que las imágenes que representa en su pintura "tienden hacia lo abstracto pero con contactos con lo figurativo" y, en referencia a la influencia de su condición de arquitecto, señaló que, "sin duda, está más presente en la escultura que en la pintura".
Por su parte, la delegada de Cultura, María José Alcón, señaló que el Ayuntamiento de Valencia se siente "muy satisfecho" al apostar por un artista que, aunque de origen mexicano y nacionalidad francesa, ha elegido la ciudad de Valencia para vivir y crear.
Asimismo, María José Alcón resaltó en esta presentación que el objetivo de su concejalía es "apoyar el arte desde la creatividad, la libertad y el respeto", tanto a los artistas valencianos como aquellos que, como Paul Dieterlen, "nos ofrecen diferentes y sugestivas visiones del arte".
En este sentido, destacó "el carácter geométrico de las composiciones de este joven creador" y sugirió la influencia en su obra de su condición de arquitecto. "Es un honor poder apoyar a este joven creador en su fascinante y difícil camino por el mundo del arte", aseguró.
El técnico José Garnería subrayó la "mirada difuminada, suave, superficial y con poca materia" de los colores en las pinturas de Dieterlen, de quien destacó también su afán por investigar en los espacios e invitar a quien contempla el cuadro a mirar en su interior y ver lo que existe dentro.
Por lo que se refiere a sus esculturas, sostuvo que "recuerdan en ocasiones los prototipos de aparatos voladores", apuntaron las mismas fuentes.
VALENCIA SPAIN
El pintor y escultor, además de arquitecto, Paul Dieterlen, inauguró hoy en el MuVIM la muestra 'Rumbos Paralelos', que incluye 80 obras de este joven artista afincado en Valencia desde hace 10 años, en su mayor parte pinturas, pero también esculturas a las que imprime, según sus propias palabras, "un sello y un estilo diferente", según informaron hoy fuentes municipales.
Paul Dieterlen explicó que trata de separar la escultura de la pintura, "de no hacer figuras en tres dimensiones que se parezcan a los cuadros", ya que su forma de concebirlas "es totalmente distinta".
Manifestó que las imágenes que representa en su pintura "tienden hacia lo abstracto pero con contactos con lo figurativo" y, en referencia a la influencia de su condición de arquitecto, señaló que, "sin duda, está más presente en la escultura que en la pintura".
Por su parte, la delegada de Cultura, María José Alcón, señaló que el Ayuntamiento de Valencia se siente "muy satisfecho" al apostar por un artista que, aunque de origen mexicano y nacionalidad francesa, ha elegido la ciudad de Valencia para vivir y crear.
Asimismo, María José Alcón resaltó en esta presentación que el objetivo de su concejalía es "apoyar el arte desde la creatividad, la libertad y el respeto", tanto a los artistas valencianos como aquellos que, como Paul Dieterlen, "nos ofrecen diferentes y sugestivas visiones del arte".
En este sentido, destacó "el carácter geométrico de las composiciones de este joven creador" y sugirió la influencia en su obra de su condición de arquitecto. "Es un honor poder apoyar a este joven creador en su fascinante y difícil camino por el mundo del arte", aseguró.
El técnico José Garnería subrayó la "mirada difuminada, suave, superficial y con poca materia" de los colores en las pinturas de Dieterlen, de quien destacó también su afán por investigar en los espacios e invitar a quien contempla el cuadro a mirar en su interior y ver lo que existe dentro.
Por lo que se refiere a sus esculturas, sostuvo que "recuerdan en ocasiones los prototipos de aparatos voladores", apuntaron las mismas fuentes.
24 January 2006
La escultura se hace carne en la galería murciana Clave
Doce artistas de todo el mundo mostrarán en la galería murciana Clave su visión de la figura humana
La galería murciana Clave inaugura el próximo jueves ‘Flesh’, una extraordinaria exposición colectiva en la que recorre la visión que de la figura humana han tenido algunos de los escultores figurativos más importantes del momento.
La escultura de John de Andrea que se expondrá. (Foto: El Faro)
La nómina de autores está compuesta por Stephan Balkenhol, Jake & Dinos Chapman, John Davies, John De Andrea, Carlo Di Meo, Francisco Leiro, Simone Racheli, Efraïm Rodríguez, Lluis Roig, Samuel Salcedo y Noé Serrano.
En la muestra no faltan las mujeres hiperrealistas de John de Andrea, a las que la galería dedicó el año pasado una exposición individual. Conológicamente próximo aunque conceptualmente distante es John Davies, representado por una escultura integrada por dos personajes a tamaño real, realizada entre 1977 y 1980, época definitiva en la transición figurativa de la neo figuración británica y del propio Davies.
Si se continúa el recorrido de forma cronológica, encontramos la obra ‘Two faced cunt’, provocadora escultura de la serie ‘Anatomías trágicas’ realizada por los hermanos Jake & Dinos Chapman en 1996. Precedidos por la polémica, los hermanos Chapman han supuesto la última revolución conceptual en la plástica británica.
De nuevo en Estados Unidos, encontramos al más expresionista de los artistas seleccionados, el alemán Stephan Balkenhol, representado en la muestra con un trabajo reciente de una de sus mujeres esculpida sobre un bloque de madera policromada.
Como representantes de Italia han sido seleccionados dos artistas de las últimas generaciones de la neo-figuración conceptual, corriente desarrollada en el país durante la última década: Carlo Di Meo y Simone Racheli, que pertenecen a la misma generación de artistas italianos. Racheli mantiene el tamaño real en sus esculturas, consiguiendo un efecto muy próximo a la más cruda realidad. Por su parte, Di Meo crea hombrecillos con un espíritu crítico.
La aportación española a ‘Flesh’ se inicia con una de las últimas esculturas realizadas por Francisco Leiro en su estudio de Nueva York, ‘Don Quijote en Sierra Morena’, una impresionante versión del clásico representada por el escultor gallego como un delgado y enorme hombre de dos metros cuarenta de altura que observa al espectador cabeza abajo con las manos apoyadas en el suelo y unas descomunales piernas extendidas hacia el cielo.
La neo-figuración catalana queda representada con tres artistas nacidos en Barcelona pertenecientes a la última generación, Samuel Salcedo, Efraïm Rodríguez y LLuis Roig. Salcedo, aporta su visión del hombre a través de una serie de pequeñas esculturas de resina policromada, con personajes ataviados con diversos atributos y máscaras. Rodríguez ha realizado para ‘Flesh’ una versión, dentro del más puro realismo contemporáneo, de un ama de casa convencional tallada en madera. Cerrando la terna de artistas catalanes, Lluis Roig representa el concepto de la muñeca hinchable. El último y más joven de los artistas escogidos es el cordobés Noé Serrano, representado en la muestra con una serie de perros con cabeza humana en una escala real.
Las mujeres de De Andrea
La palabra inglesa ‘flesh’, traducible al castellano como ‘carne’, enfrenta en la galería Clave la visión de 12 de los escultores figurativos internacionales más destacados en la actualidad sobre el concepto del ser humano en la escultura.
Partiendo del lenguaje más conocido por el espectador, el superrealismo del nortamericano John de Andrea, queda patente a través de una de sus esculturas más célebres, el conjunto de dos mujeres latinas denominado por el autor ‘Sisters’ y realizado en 1991.
Esta obra reúne todos los parámetros definidos por el término ‘flesh’: la carne de sus protagonistas junto al exhaustivo estudio anatómico revalorizan la imagen del cuerpo humano hasta el límite de la perfección.
El Ayuntamiento de Pamplona adquirirá obras en la Feria de Arte Contemporáneo Arco'06
Arco volverá a contar también esta edición, en que celebra su veinticinco aniversario, con la presencia de la galería navarra Moisés Pérez de Albéniz, que está presente en los espacios expositivos 'Project Rooms', en el que se exhibirá uno de los últimos proyectos de la donostiarra Itziar Okariz, y 'Programa general', donde reunirá algunos de los más representativos artistas con los que trabaja habitualmente.
La alcaldesa de Pamplona destacó la importancia de que la capital navarra siga «enriqueciendo» su colección de arte contemporáneo y siga seleccionando buenas obras. «Contamos con obras de artistas de reconocido prestigio», dijo, y destacó el esfuerzo del consistorio por asesorarse bien a la hora de elegir las piezas que adquiere. Este año todavía no se ha cerrado el grupo de asesores que asistirán a Arco.
La rueda de prensa de esta mañana contó con la presencia de la directora de Arco, Rosina Gómez, quien destacó la importancia de trabajar con las instituciones, ya que la «responsabilidad de los poderes públicos es enorme en materia de difusión artística». Gómez quiso resaltar el trabajo realizado durante los 25 años de Arco. «Hemos dado pasos de gigante y hay que consolidarlos», expuso.
Señaló que éste es un año de celebraciones y de balance para la Feria de Arte Contemporáneo de Madrid. «Arco es un gran encuentro, con derroche de alegría. Es extraordinariamente vital», dijo. El miércoles, día 8, Arco se abrirá a profesionales y al día siguiente tendrá lugar la inauguración oficial.
Presencia navarra
Moisés Pérez de Albéniz explicó que este es el octavo año con presencia en Arco. Detalló que su propuesta para el 'Programa General' combina los trabajos de artistas ya consagrados con su apuesta por los jóvenes talentos.
Presentará así una colectiva integrada por Ana Laura Alaez, J.R. Amondarain, Florencia Alonso, Txomin Badiola, Javier Balda, Broto, José Manuel Ciria, Alex Haas, Pello Irazu, Muntadas, Esther Ferre, Ibón Aramberri, Iñaki Olazabal y Fernando Pagola.
Por otro lado, el espacio 'Project Room' apostará por la creación 'Made with USA standard, 2005' de la donostiarra Itziar Okariz. La primera parte el proyecto fue presentado como 'Writing with a flash light' en el que la artista produjo una serie de imágenes creadas a partir de textos de canciones pop escribiendo con un foco de luz en la oscuridad. Esta primera fase se realizó en espacios privados, domésticos.
Posteriormente ha desarrollado el proyecto trasladándolo al espacio público en diferentes ciudades como Nueva York o más recientemente Bilbao y ahora el público podrá contemplar en Arco.
La alcaldesa de Pamplona destacó la importancia de que la capital navarra siga «enriqueciendo» su colección de arte contemporáneo y siga seleccionando buenas obras. «Contamos con obras de artistas de reconocido prestigio», dijo, y destacó el esfuerzo del consistorio por asesorarse bien a la hora de elegir las piezas que adquiere. Este año todavía no se ha cerrado el grupo de asesores que asistirán a Arco.
La rueda de prensa de esta mañana contó con la presencia de la directora de Arco, Rosina Gómez, quien destacó la importancia de trabajar con las instituciones, ya que la «responsabilidad de los poderes públicos es enorme en materia de difusión artística». Gómez quiso resaltar el trabajo realizado durante los 25 años de Arco. «Hemos dado pasos de gigante y hay que consolidarlos», expuso.
Señaló que éste es un año de celebraciones y de balance para la Feria de Arte Contemporáneo de Madrid. «Arco es un gran encuentro, con derroche de alegría. Es extraordinariamente vital», dijo. El miércoles, día 8, Arco se abrirá a profesionales y al día siguiente tendrá lugar la inauguración oficial.
Presencia navarra
Moisés Pérez de Albéniz explicó que este es el octavo año con presencia en Arco. Detalló que su propuesta para el 'Programa General' combina los trabajos de artistas ya consagrados con su apuesta por los jóvenes talentos.
Presentará así una colectiva integrada por Ana Laura Alaez, J.R. Amondarain, Florencia Alonso, Txomin Badiola, Javier Balda, Broto, José Manuel Ciria, Alex Haas, Pello Irazu, Muntadas, Esther Ferre, Ibón Aramberri, Iñaki Olazabal y Fernando Pagola.
Por otro lado, el espacio 'Project Room' apostará por la creación 'Made with USA standard, 2005' de la donostiarra Itziar Okariz. La primera parte el proyecto fue presentado como 'Writing with a flash light' en el que la artista produjo una serie de imágenes creadas a partir de textos de canciones pop escribiendo con un foco de luz en la oscuridad. Esta primera fase se realizó en espacios privados, domésticos.
Posteriormente ha desarrollado el proyecto trasladándolo al espacio público en diferentes ciudades como Nueva York o más recientemente Bilbao y ahora el público podrá contemplar en Arco.
UN PASEO POR MISTERIO DE SABANA SANTA
Con motivo de los Juegos Olímpicos invernales de Turín, también el Duomo abre sus puertas, ofreciendo a los visitantes una nueva oportunidad: admirar la iglesia inferior, con un itinerario guiado denominado El misterio de la Sábana Santa. Un itinerario de búsqueda que será posible realizar del 21 de enero al 30 de abril. La extraordinaria ocasión ha sido organizada por la diócesis de Turín en colaboración con la asociación Turín Ciudad Capital Europea y se incluye en el contexto de una serie de iniciativa religiosas propuestas al mundo olímpico. El itinerario acompaña idealmente al visitante hasta la urna en la que se guarda la Sábana Santa, a partir de la catedral de San Juan Bautista para llegar a la iglesia inferior, una estructura construida en 1498, como el Duomo, con función de mausoleo. La planta es de cruz latina, como el plano superior, y reproduce también su forma arquitectónica, con tres naves. En los antiguos muros de su perímetro hay ventanas rectangulares que dan a la plaza e iluminan las naves. Los grandes pilares centrales y los arcos caracterizan, además, los volúmenes bajos de la iglesia. La recuperación de esta parte inferior de la catedral, de estilo más renacentista, fue una de las fases centrales del proyecto de restauración puesto en marcha tras el incendio que el 11 de abril de 1997 devastó la capilla de Guarini, unida a la Catedral, que acogía a la Sábana Santa. Durante largo tiempo olvidada, ahora será accesible al público como parte integrante del Duomo. Los visitantes, asimismo, podrán descender en la nave derecha de la iglesia inferior y empezar desde aquí el itinerario, dividido en varias partes. Primero se llega a La última cena , narrada por imágenes y palabras, y después al jardín de Jetsemaní, donde el viento mueve las hojas de los árboles. Un rumor de pasos fuertes y sandalias guían hasta la Cruz , donde a través de una proyección de vídeo el visitante se traslada a una colina sobre cuya cima se dejan ver las siluetas de tres cruces contra la puesta del sol. Por último, entre música y palabras, se llega al final del recorrido, es decir, a la Sábana Santa, para asistir a la proyección de un documental con las últimas imágenes del Telo rodadas durante su rstauración. Al final del itinerario, al igual que al principio, el visitante puede admirar también las excavaciones arqueológicas de las iglesias paleocristianas de Santa María, San Juan y del Salvador. La entrada es libre, de lunes a domingo, de 10 a 18 horas. Del 10 de febrero al 19 de marzo también se podrá visitar de noche los viernes, hasta las 23 horas.