El mercado del arte está atravesando en esta temporada el mejor momento de los últimos veinte años. Las cotizaciones y la demanda están muy por encima de las cotas máximas alcanzadas en 1990, cuando se produjo el último boom en el panorama artístico. En 2005, según datos de la prestigiosa empresa analista francesa Artprice, los beneficios totales obtenidos en la subasta de obras de arte superaron los 3.200 millones de euros mientras que el año anterior dicha cifra no llegó a alcanzar los 3.000 millones de euros. Sin embargo, el número total de lotes vendidos rondó tanto en un año como en otro los 320 mil, lo cual indica claramente un alza en las cotizaciones de las piezas subastadas. Numerosas obras de arte han alcanzado cifras de adjudicación por encima de las previsiones, como los 477 lotes que superaron, en el año 2005, la barrera psicológica del millón de dólares (814 mil euros), frente a los 393 que se vendieron por encima de esa cota en el año anterior. Todos los géneros, todas las épocas y todas las técnicas han vivido una fuerte alza en el último ejercicio económico.
Más de la mitad de esos lotes millonarios se vendieron en las casas de subastas de la Gran Manzana. En el mercado Nueva York, después de haber crecido los cotizaciones un 18,5% en 2004, el alza en el año que acaba de terminar estalló hasta el 34,5%, teniendo en cuenta el total de transacciones producidas en las casas de subastas de arte neoyorquinas, tal como indican los datos recopilados por Artprice. Según la base de datos francesa, en el mercado de Manhattan las cotizaciones son hoy en día un 27% más elevadas que en el momento del boom de 1990. Esto implica que muchos inversores están sacando al mercado ahora obras que adquirieron en dicho periodo y obtienen por ellas grandes beneficios. El mercado londinense ha seguido esa misma tendencia, con un promedio de cotizaciones un 20% más alto que en julio de 1990, sin embargo en París los precios están todavía un 50% por debajo de dicho periodo.
Arte contemporáneo en cabeza
"Hay mucha liquidez en el mundo y mucho dinero", opina el especialista en mercado del arte internacional Edmund Peel, "la competición entre los postores es muy dura". En el boom de principios de los noventa el periodo artístico más demandado y que más altas cotizaciones alcanzaba era el Impresionismo, "hace tan sólo diez años el arte contemporáneo era sólo una sección de las subastas", señala el director de la empresa consultora de arte Edmund Peel Fine Art Consulting. Sin embargo hoy por hoy el arte contemporáneo ha experimentado una progresión excepcional, con un alza en las cotizaciones de un 28,2% durante 2005. "Hay gran escasez de piezas importantes en la oferta del mercado", cada vez es menos frecuente acceder a través de las subastas al arte antiguo, a la pintura impresionista, e incluso a la pintura moderna clásica, según el experto británico, "es difícil encontrar piezas importantes". En cambio, en el segmento del arte contemporáneo la oferta es mayor y especialmente los coleccionistas estadounidenses, que disfrutan de una gran liquidez, son quienes están prestando un interés creciente en obras de artistas de la segunda mitad del siglo XX y de nuestros días. "Mi sensación –señala el especialista británico afincado en España– es que el ánimo comprador se ha centrado principalmente sobre el mercado contemporáneo donde se percibe todavía la posibilidad conseguir alguna obra importante de las que se están produciendo hoy en día".
Un baremo representativo de este fenómeno son los casi 50 artistas por debajo de los 45 años de edad que superaron, durante el año pasado, los 100 mil dólares (81 mil euros) en subastas públicas, frente a los únicamente siete que superaron este límite en 2004. Mientras que hace años era muy difícil encontrar piezas de artistas vivos en subastas, y mucho más si se trataba de creadores emergentes cuyo ámbito natural de mercado son las galerías de arte, hoy es un hecho frecuente encontrar estos nombres de jóvenes consagrados en los catálogos de las principales casas de subasta.
En este sentido, es muy llamativo el dato de que, después del lienzo más cotizado del año "Venecia, el Gran Canal, mirando hacia el nordeste desde el Palazzo Balbi" de Antonio Canal, ‘Canaletto’; que fue vendido en Sotheby’s de Londres por más de 24 millones de euros, las dos siguientes obras de arte que alcanzaron una mayor cotización en subasta en 2005 fueron piezas de artistas del siglo XX. Así, la pieza "L’oiseau dans l’espace" (El pájaro en el espacio), creada entre 1922 y 1923 por el rumano Constantin Brancusi rompió el récord para una escultura contemporánea con un valor de adjudicación de 24,5 millones de dólares (19 millones de euros) en la sala Christie’s de Nueva York. Y la tercera en el ranking, la monumental escultura de David Smith realizada en los años 60 "Cubi XXVIII" fue vendida en Sotheby’s de Nueva York por 21,25 millones de dólares (16,5 millones de euros).
"El transvase del interés desde el Impresionismo hacia el arte moderno y contemporáneo continuará y las cotas máximas del mercado seguirán siendo fuertes", opina el galerista neoyorquino John Good. "Todavía es posible comprar obras maestras de la segunda mitad del siglo XX y eso es cada vez más difícil cuando se habla del arte anterior a la Segunda Guerra Mundial", declaró Good para Artnet, uno de los portales de Internet especializados en arte más reconocidos a nivel internacional.
Técnicas y periodos más cotizados
Dentro del arte moderno y contemporáneo, uno de los segmentos que ha visto un crecimiento más espectacular en los últimos años ha sido la fotografía. Los poco más de cien años de historia del medio fotográfico están alcanzando un gran reconocimiento entre los coleccionistas. En lo que respecta a instantáneas del periodo comprendido entre finales del siglo XIX y principios del XX, la fotografía comenzó a experimentar un alza a partir de 1999. Según datos de Artprice, la explosión de precios entre 1997 y 2002 fue especialmente espectacular, valorándose la subida total de esos años en un 639%. Actualmente las cifras están empezando a estabilizarse, pero las cotizaciones siguen siendo en 2005 tres veces más altas que en 1997.
Sin embargo, este boom se está trasladando, de la misma manera que vimos anteriormente con la pintura y la escultura, al segmento moderno y contemporáneo de la fotografía. El índice elaborado por la base de datos francesa Artprice para este sector ha subido un 88% desde octubre de 2001 y, en el último año, las ganancias totales obtenidas por la fotografía moderna y contemporánea fueron de 33,4 millones de euros, un 358% más altas que en el mismo periodo hace una década. La mayor parte de estas transacciones de fotografía se realizan en el mercado de Nueva York, donde la casa Phillips, de Pury & Company está alcanzando una reputación cada vez mayor en este sector. Sin embargo, una de las fotos más cotizadas del año, la emblemática instantánea "El beso" de Robert Doisneau se vendió en abril del año pasado en la sala de subastas Artcurial de París por 185.000 euros, cuando su precio estimado de salida estaba entre los 15 y los 20 mil euros. Entre los fotógrafos contemporáneos más cotizados que están empezándose a abrir camino en el mercado secundario –tras estar sobradamente consagrados en el mercado primario de las galerías– son los maestros de la Escuela Alemana como Thomas Ruff, Thomas Struth o Andreas Gursky, junto con algunos más jóvenes como Vik Muniz, Nan Goldin, Cindy Sherman, Robert Mapplethorpe o Vanessa Beecroft.
Por otro lado, si hablamos de corrientes históricas en la creación plástica, según una comparativa realizada por Artprice el movimiento artístico que ha experimentado una mayor subida durante 2005 ha sido el Dada, cuyas cotizaciones se elevaron un 137% desde principios de 2005. En este ascenso ha influido la exposición retrospectiva realizada por el Centro Georges Pompidou de París, junto con la escasa oferta de piezas provenientes de esta etapa artística, que apenas duró una década, lo que las convierte a las obras de Maz Ernst, Marcel Duchamp o Hans Arp en piezas muy deseadas.
Tras el dadaísmo, la base de datos francesa sitúa a dos movimientos italianos en las siguientes posiciones, el Futurismo y el Arte Povera, con una subida de precios del 93% en 2005. La ley tributaria italiana que penaliza la exportación de obras de arte con más de 50 años de antigüedad, hace que la mayor parte de las transacciones de estas piezas se realicen en dentro de las fronteras de Italia lo que contribuye al crecimiento del mercado romano. Según datos de la firma analista inglesa Art Sales Index, el valor medio de las obras de arte que salieron a subasta en Italia ha experimentado un fuerte crecimiento desde enero 2003. Creaciones de maestros futuristas como Giacomo Balla han alcanzado cotizaciones millonarias en el ejercicio que acaba de concluir, al tiempo que los representantes del movimiento povera están alcanzando sus récords personales, como los 350 mil euros que se han pagado este año por una pieza de Luciano Fabro o los 320 mil que ha alcanzado como cotización Giovanni Anselmo.
Mercados emergentes
Por otro lado, el boom económico que se está constatando en China también ha tenido un fuerte impacto en el mercado del arte. Tanto las vanguardias chinas como los grandes maestros han experimentado una subida de casi el 80% en sus cotizaciones durante el año pasado. Al mismo tiempo las nuevas fortunas que se están acumulando en China, está haciendo aparecer en el mercado internacional una nueva generación de coleccionistas chinos que están interesados tanto en el arte local como en el extranjero. "Los precios para el arte contemporáneo chino seguirán subiendo –señala el coleccionista y editor Larry Warsh–, alimentados por la creciente economía china y la escasez de obras disponibles de calidad, además de a causa de la entrada en el mercado de muchos nuevos coleccionistas, tanto occidentales como orientales", según declaraciones recogidas por Artnet Magazine a principios de este año. "Las principales casas de subasta han identificado a Asia como un mercado creciente que puede servir también como trinchera ante un posible pinchazo de la burbuja en el arte contemporáneo occidental", advierte el coleccionista.
La creación plástica de América Latina también está teniendo un peso cada vez mayor en el mercado. Buena muestra de ello son los excelentes resultados conseguidos por la subasta de arte latinoamericano celebrada en Sotheby’s Nueva York el pasado mes de noviembre. El volumen total de ventas superó los 12 millones de dólares (más de 10 millones de euros) y la obra más cotizada, un cuadro de Fernando Botero titulado "Los músicos" fue adquirida por 1.528.000 dólares (1.299.800 euros), el segundo valor más alto pagado por una pintura del artista colombiano. Otra de las piezas más cotizadas fue "El agua" del chileno Roberto Matta, una obra de 1939 que se vendió por 1.340.000 dólares (1.140.000 euros). También alcanzaron pujas elevadas las creaciones del muralista mexicano Rufino Tamayo, del vanguardista uruguayo Joaquín Torres-García o del artista cubano Wilfrido Lam. El arte latinoamericano es cada vez más demandado por los coleccionistas, lo que se confirmó asimismo en la subasta organizada en noviembre por la otra gran casa neoyorquina, Christie’s. Este hecho se plasma también en el creciente número de galerías de arte y ferias que están proliferando por toda América Latina, así como la presencia cada vez mayor de estas salas –tanto emergentes como consolidadas– en las principales ferias de arte internacionales, como ARCO o Art Basel Miami.
Un crecimiento duradero
Nueva York y Londres son los epicentros del mercado "son las dos ciudades del mundo más concurridas, las dos ciudades más abiertas, más ricas", opina Edmund Peel. Pero el fortalecimiento de mercados que antes se consideraban periféricos, como es el caso de Latinoamérica, Asia o algunos países europeos que todavía tienen un amplio campo de crecimiento por delante, constituyen la esperanza del mercado y contribuyen a que aumente progresivamente la demanda.
Esta demanda, que según los analistas va a seguir en alza, permite predecir que la actual subida de las cotizaciones no va a ser una mera burbuja especulativa que estalle en los próximos meses, como sucedió a principios de los noventa. "El momento del mercado del arte hoy es muy distinto de lo que ha sido en otras épocas de la historia reciente, cuando la coyuntura económica parecían influir mucho en el mercado del arte", opina Edmund Peel. Las circunstancias son distintas y la inversión en arte se valora como un valor estable con ventajas añadidas al interés puramente económico. La creación de patrimonio cultural sigue creciendo y, dentro de ella, el arte contemporáneo tiene cada vez mayor peso específico.
31 March 2006
EL AYUNTAMIENTO CONFiA EN UNA SOLUCION POSITIVA
Christie´s muestra al público las piezas de arte cordobesas
La casa de subastas Christie´s muestra desde ayer al público las cinco vigas de la Mezquita de Córdoba que ofrecerá al mejor postor el próximo 4 de abril en Londres, pese a la polémica sobre la legalidad de la venta de esas piezas.
Apoyadas en unos altos paneles, las traviesas del artesonado de la Mezquita cordobesa pueden contemplarse en una amplia sala custodiada por un guardia de seguridad y vigilada por cámaras de circuito cerrado de televisión en la sede principal de Christie´s en King Street (centro de Londres).
Las piezas, de seis metros de longitud y talladas en madera, pueden verse en esas dependencias hasta el próximo lunes, comentó a Efe una portavoz de la galería londinense, quien destacó el "asombroso" estado de conservación de las vigas. Sin embargo, la casa de subastas ha declinado dar explicaciones a los periodistas sobre la procedencia de las traviesas y ha prohibido, asimismo, la entrada de fotógrafos a la sala hasta el lunes próximo, cuando los especialistas "estarán disponibles".
Por otra parte, la alcaldesa de Córdoba, Rosa Aguilar, se mostró ayer confiada en que el Cabildo Catedralicio de Córdoba logre paralizar la subasta de las cinco vigas de la Mezquita-Catedral en la sala Christie´s, si bien apostó por "guardar silencio" para que no se sepa la actitud que adoptarán en el caso de que no se pare.
Aguilar mostró su deseo de que se paralice la subasta prevista para el 4 de abril en Londres y recalcó que confía en que los dos canónigos que han viajado a la capital del Reino Unido logren detener la venta, para que las cinco vigas vuelvan "al lugar de donde salieron", la Mezquita-Catedral de Córdoba.
Asimismo, reiteró el "apoyo y respaldo pleno y total" del Consistorio a las actuaciones que realizan el Cabildo y el Ministerio de Cultura para detener la subasta, si bien insistió en la necesidad de guardar silencio.
La casa de subastas Christie´s muestra desde ayer al público las cinco vigas de la Mezquita de Córdoba que ofrecerá al mejor postor el próximo 4 de abril en Londres, pese a la polémica sobre la legalidad de la venta de esas piezas.
Apoyadas en unos altos paneles, las traviesas del artesonado de la Mezquita cordobesa pueden contemplarse en una amplia sala custodiada por un guardia de seguridad y vigilada por cámaras de circuito cerrado de televisión en la sede principal de Christie´s en King Street (centro de Londres).
Las piezas, de seis metros de longitud y talladas en madera, pueden verse en esas dependencias hasta el próximo lunes, comentó a Efe una portavoz de la galería londinense, quien destacó el "asombroso" estado de conservación de las vigas. Sin embargo, la casa de subastas ha declinado dar explicaciones a los periodistas sobre la procedencia de las traviesas y ha prohibido, asimismo, la entrada de fotógrafos a la sala hasta el lunes próximo, cuando los especialistas "estarán disponibles".
Por otra parte, la alcaldesa de Córdoba, Rosa Aguilar, se mostró ayer confiada en que el Cabildo Catedralicio de Córdoba logre paralizar la subasta de las cinco vigas de la Mezquita-Catedral en la sala Christie´s, si bien apostó por "guardar silencio" para que no se sepa la actitud que adoptarán en el caso de que no se pare.
Aguilar mostró su deseo de que se paralice la subasta prevista para el 4 de abril en Londres y recalcó que confía en que los dos canónigos que han viajado a la capital del Reino Unido logren detener la venta, para que las cinco vigas vuelvan "al lugar de donde salieron", la Mezquita-Catedral de Córdoba.
Asimismo, reiteró el "apoyo y respaldo pleno y total" del Consistorio a las actuaciones que realizan el Cabildo y el Ministerio de Cultura para detener la subasta, si bien insistió en la necesidad de guardar silencio.
28 March 2006
El embajador de Estados Unidos inaugura su colección de arte
El embajador de Estados Unidos en España, Eduardo Aguirre, y su esposa, Teresa, inauguran hoy en su residencia de Madrid su colección de arte, 33 cuadros entre los que abundan los paisajes y las escenas de campo, muchas de su adorada Texas, que permanecerán expuestos mientras dure su misión diplomática.
La neoyorquina Barbara E.Prey, presente estos días en Madrid y que firma un mayor número de obras -siete- de esta exposición, comparte espacio con otros siete pintores, Woddy Blagg, Lloyd Kelly, Richard P.Manson, Susan P.Meisel, Robert Onderdonk, Porfirio Salinas y Robert W.Wood, y con el escultor John Houser, entre los cuales son mayoría los oriundos de Texas o los muy directamente vinculados con ese estado.
De allí procede el matrimonio Aguirre, que emigró de Cuba a Estados Unidos siendo ambos adolescentes, y de la ciudad texana de Houston vienen también otros trece cuadros, realizados por otros tantos estudiantes de arte, de los miles de ellos que cada año presentan sus trabajos en la Feria de Ganado y Rodeos.
La exposición de la representación diplomática norteamericana forma parte del programa Arte en las Embajadas, una fórmula ideada en 1964 para promocionar el arte estadounidense en el mundo a través sus más de 180 legaciones. Desde entonces, el Departamento de Estado se encarga de él directamente.
A partir de préstamos de particulares y de museos, que pueden ser públicos o privados, cada embajador hace su propia colección, que adorna su residencia durante todo el tiempo que dura su estancia en el país de que se trate.
Barbara E.Prey, natural de Long Island (Nueva York), es la artista más representada en esta muestra, a la que ha traído siete acuarelas realizadas después del 11-S. La bandera de las barras y las estrellas, que muchos ciudadanos ponían en los días posteriores al dramático atentado en ventanas, coches, edificios y embarcaciones en señal de duelo y de solidaridad con las víctimas, aparece retratada en muchos de estos cuadros.
Prey, bien conocida en su país y con obra en instituciones públicas como la NASA, fue la artista invitada en 2003 para realizar la tarjeta navideña oficial de la Casa Blanca. Su obra forma también parte de la colección del embajador norteamericano en París.
A la apertura, esta tarde, de esta colección de arte, los máximos representantes diplomáticos de Estados Unidos han invitado a cerca de un centenar de personas del mundo del arte y de la cultura, como directores de museos, galeristas y escritores.
La neoyorquina Barbara E.Prey, presente estos días en Madrid y que firma un mayor número de obras -siete- de esta exposición, comparte espacio con otros siete pintores, Woddy Blagg, Lloyd Kelly, Richard P.Manson, Susan P.Meisel, Robert Onderdonk, Porfirio Salinas y Robert W.Wood, y con el escultor John Houser, entre los cuales son mayoría los oriundos de Texas o los muy directamente vinculados con ese estado.
De allí procede el matrimonio Aguirre, que emigró de Cuba a Estados Unidos siendo ambos adolescentes, y de la ciudad texana de Houston vienen también otros trece cuadros, realizados por otros tantos estudiantes de arte, de los miles de ellos que cada año presentan sus trabajos en la Feria de Ganado y Rodeos.
La exposición de la representación diplomática norteamericana forma parte del programa Arte en las Embajadas, una fórmula ideada en 1964 para promocionar el arte estadounidense en el mundo a través sus más de 180 legaciones. Desde entonces, el Departamento de Estado se encarga de él directamente.
A partir de préstamos de particulares y de museos, que pueden ser públicos o privados, cada embajador hace su propia colección, que adorna su residencia durante todo el tiempo que dura su estancia en el país de que se trate.
Barbara E.Prey, natural de Long Island (Nueva York), es la artista más representada en esta muestra, a la que ha traído siete acuarelas realizadas después del 11-S. La bandera de las barras y las estrellas, que muchos ciudadanos ponían en los días posteriores al dramático atentado en ventanas, coches, edificios y embarcaciones en señal de duelo y de solidaridad con las víctimas, aparece retratada en muchos de estos cuadros.
Prey, bien conocida en su país y con obra en instituciones públicas como la NASA, fue la artista invitada en 2003 para realizar la tarjeta navideña oficial de la Casa Blanca. Su obra forma también parte de la colección del embajador norteamericano en París.
A la apertura, esta tarde, de esta colección de arte, los máximos representantes diplomáticos de Estados Unidos han invitado a cerca de un centenar de personas del mundo del arte y de la cultura, como directores de museos, galeristas y escritores.
26 March 2006
Berlín lucha por convertirse en la capital del arte contemporáneo
Berlín lucha por convertirse en la capital del arte contemporáneo
La IV Bienal de Berlín abrió hoy sus puertas hasta el 28 de mayo, con una gran afluencia de público a pesar de la lluvia, en una ciudad que pugna con Nueva York y Londres por convertirse en la capital mundial del arte contemporáneo.
La Bienal de Berlín, cuya primera edición tuvo lugar en 1998 y que se celebra cada dos años, se ha convertido en un escaparate de una ciudad en la que hay unas 400 galerías privadas de arte y 170 museos, y en la que viven más de 5.000 artistas.
El diario 'Berliner Zeitung' asegura que la capital alemana es actualmente 'la ciudad del arte más vital del mundo', aunque en ciudades como Nueva York y Londres haya un mayor número de coleccionistas y las galerías de arte ganen millones de euros con las obras que venden.
Los precios bajos de los alquileres, las ayudas que reciben los artistas, la gran oferta de lugares en los que exponer y la magia de una ciudad inacabada como Berlín, han convertido a la capital alemana en un taller de arte contemporáneo donde conviven, trabajan y buscan fortuna artistas de todo el mundo.
'Kunst ist Pop' (El arte es pop) titula su último número la revista 'Zitty', la guía de ocio de Berlín, en la que se asegura que 'cada tarde en algún sitio (de la ciudad) hay una fiesta de inauguración' de una exposición.
El título de la IV Bienal de Berlín de Arte Contemporáneo 'Von Maeusen und Menschen' (De ratones y hombres) está prestado de la novela homónima de 1937 de John Steinbeck sobre la gran depresión.
El premio Nobel de Literatura en 1962 y autor de 'Las uvas de la ira' tomó a su vez el título de un poema de Robert Burns, poeta escocés del siglo XVIII.
Los comisarios de la IV Bienal de Berlín son el artista italiano Maurizio Cattelan - quien en 2004 provocó una gran polémica en la Bienal Internacional de Arte Contemporáneo de Sevilla (BIACS) con la escultura de un niño ahorcado -, el comisario y crítico de arte Massimiliano Gioni - co-comisario ese mismo año de la Bienal de Arte contemporáneo 'Manifesta' de San Sebastián - y la autora Ali Subotnick.
La IV Bienal de Berlín no es, según sus comisarios, 'ni una exposición temática ni una exposición con tesis, sino una muestra que plantea preguntas sobre el nacimiento y la pérdida, la muerte y el abandono, la tristeza y la nostalgia'. En ella se pueden ver las obras de 70 artistas contemporáneos de cuatro generaciones.
A diferencia de otras ediciones, la IV Bienal de Berlín no se limita a exponer las obras de arte en el espacio limitado por las paredes de un museo sino que se traslada a la calle Auguststrasse en el céntrico barrio de Mitte, cerca de la famosa Isla de los Museos.
Tras la reunificación alemana, la Auguststrasse (situada antes de la caída del Muro en el Berlín comunista) se ha convertido en 'la calle del arte contemporáneo' en Berlín, pues en ella tienen su sede muchas galerías importantes y el Instituto de Arte Contemporáneo KW.
El visitante de la IV Bienal de Berlín debe recorrer toda la calle y visitar los doce espacios en los que se muestran las obras, que van desde salas de exposiciones convencionales como la de KW (donde destaca la video-instalación de Bruce Nauman), a sitios poco habituales como la iglesia neorománica evangelista de St Johannes, pasando por un antiguo cementerio o los establos de la antigua Oficina de Correos.
Los pisos de algunos de los artistas que viven en la Auguststrasse, como el mexicano Damián Ortega, también abren sus puertas para la Bienal. Para poder ver las obras expuestas en estas casas hay que hacer cola en la calle y llamar al telefonillo para que abran la puerta.
También se pueden ver algunas obras en la Antigua Escuela Judía de Chicas de la calle Auguststrasse.
Allí se pueden ver videoinstalaciones como las del ruso Viktor Alimpiev, instalaciones como la 'Dirty Room' (tres habitaciones llenas de tierra) del estadounidense Bouchet y 'Big Bang Room' de su compatriota Paul McCarthy, y las esculturas de Paloma Varga Weisz.
La IV Bienal de Berlín abrió hoy sus puertas hasta el 28 de mayo, con una gran afluencia de público a pesar de la lluvia, en una ciudad que pugna con Nueva York y Londres por convertirse en la capital mundial del arte contemporáneo.
La Bienal de Berlín, cuya primera edición tuvo lugar en 1998 y que se celebra cada dos años, se ha convertido en un escaparate de una ciudad en la que hay unas 400 galerías privadas de arte y 170 museos, y en la que viven más de 5.000 artistas.
El diario 'Berliner Zeitung' asegura que la capital alemana es actualmente 'la ciudad del arte más vital del mundo', aunque en ciudades como Nueva York y Londres haya un mayor número de coleccionistas y las galerías de arte ganen millones de euros con las obras que venden.
Los precios bajos de los alquileres, las ayudas que reciben los artistas, la gran oferta de lugares en los que exponer y la magia de una ciudad inacabada como Berlín, han convertido a la capital alemana en un taller de arte contemporáneo donde conviven, trabajan y buscan fortuna artistas de todo el mundo.
'Kunst ist Pop' (El arte es pop) titula su último número la revista 'Zitty', la guía de ocio de Berlín, en la que se asegura que 'cada tarde en algún sitio (de la ciudad) hay una fiesta de inauguración' de una exposición.
El título de la IV Bienal de Berlín de Arte Contemporáneo 'Von Maeusen und Menschen' (De ratones y hombres) está prestado de la novela homónima de 1937 de John Steinbeck sobre la gran depresión.
El premio Nobel de Literatura en 1962 y autor de 'Las uvas de la ira' tomó a su vez el título de un poema de Robert Burns, poeta escocés del siglo XVIII.
Los comisarios de la IV Bienal de Berlín son el artista italiano Maurizio Cattelan - quien en 2004 provocó una gran polémica en la Bienal Internacional de Arte Contemporáneo de Sevilla (BIACS) con la escultura de un niño ahorcado -, el comisario y crítico de arte Massimiliano Gioni - co-comisario ese mismo año de la Bienal de Arte contemporáneo 'Manifesta' de San Sebastián - y la autora Ali Subotnick.
La IV Bienal de Berlín no es, según sus comisarios, 'ni una exposición temática ni una exposición con tesis, sino una muestra que plantea preguntas sobre el nacimiento y la pérdida, la muerte y el abandono, la tristeza y la nostalgia'. En ella se pueden ver las obras de 70 artistas contemporáneos de cuatro generaciones.
A diferencia de otras ediciones, la IV Bienal de Berlín no se limita a exponer las obras de arte en el espacio limitado por las paredes de un museo sino que se traslada a la calle Auguststrasse en el céntrico barrio de Mitte, cerca de la famosa Isla de los Museos.
Tras la reunificación alemana, la Auguststrasse (situada antes de la caída del Muro en el Berlín comunista) se ha convertido en 'la calle del arte contemporáneo' en Berlín, pues en ella tienen su sede muchas galerías importantes y el Instituto de Arte Contemporáneo KW.
El visitante de la IV Bienal de Berlín debe recorrer toda la calle y visitar los doce espacios en los que se muestran las obras, que van desde salas de exposiciones convencionales como la de KW (donde destaca la video-instalación de Bruce Nauman), a sitios poco habituales como la iglesia neorománica evangelista de St Johannes, pasando por un antiguo cementerio o los establos de la antigua Oficina de Correos.
Los pisos de algunos de los artistas que viven en la Auguststrasse, como el mexicano Damián Ortega, también abren sus puertas para la Bienal. Para poder ver las obras expuestas en estas casas hay que hacer cola en la calle y llamar al telefonillo para que abran la puerta.
También se pueden ver algunas obras en la Antigua Escuela Judía de Chicas de la calle Auguststrasse.
Allí se pueden ver videoinstalaciones como las del ruso Viktor Alimpiev, instalaciones como la 'Dirty Room' (tres habitaciones llenas de tierra) del estadounidense Bouchet y 'Big Bang Room' de su compatriota Paul McCarthy, y las esculturas de Paloma Varga Weisz.
25 March 2006
Arte Madrid abre sus puertas en su octava edición
Arte Madrid sus puertas en su octava edición
Casi sesenta anticuarios participan en la VIII edición de Arte Madrid, feria que esta tarde inaugurará la presidenta de la Comunidad de Madrid, Esperanza Aguirre, y que estará abierta en el Palacio de Congresos hasta el 2 de abril.
Arte madrid abre mañana sus puertas en su octava
Pinturas, esculturas, cristales, miniaturas, mueble inglés y francés del XVIII hasta el XIX, objetos orientales, piezas arqueológicas, relojes, joyas y otras muchas piezas se encuentran al alcance del público con unos precios que van desde los 400 euros hasta, por ejemplo, los 480.000 euros en que está tasado, sin impuestos, un Cristo con la cruz a cuestas de Luis de Morales, 'El Divino'.
Alrededor de sesenta expositores, todos ellos miembros de la Federación Española de Anticuarios, procedentes de Andalucía, Aragón, Castilla y León, Cataluña, Galicia, Madrid, País Vasco, Valencia y de Francia mostrarán piezas que con anterioridad han sido examinadas por un Comité de Expertos.
El comité está formado por catedráticos de la Universidad de Madrid, directores y conservadores de museos y anticuarios de reconocido prestigio que certifican la autenticidad de los objetos y retiran los que consideran no cumplen los requisitos.
Esta medida 'infunde una mayor seguridad y confianza a los posibles compradores y, a la vez, para nosotros supone una gran satisfacción que cualificados expertos confirmen nuestra trayectoria y seriedad profesional. Ello nos permite afirmar que somos recuperadores de arte así como conservadores de la cultura y memoria histórica', comentó Angeles de Rato, presidenta de la Federación Española de Anticuarios que cuenta con unos 520 federados.
En su opinión, Arte Madrid se diferencia de otras ferias en que está patrocinada por la Federación, lo que constituye una garantía.
'Nuestra intención es acercar al cliente la mayor de piezas posibles y que estas sean de alta calidad', declaró la presidenta que consideró como 'muy fiel' al comprador de antigüedades.
'La gente joven, entre los 30 y 40 años, se va poco a poco introduciendo en este mercado. Son compradores de arte contemporáneo con el que conviven perfectamente las antigüedades', afirmó Angeles de Rato, para quien el de los anticuarios 'es un mercado saludable'.
Como atractivos de la feria, comentó la importancia cada vez mayor del arte africano 'que cada día suscita más interés, al igual que el oriental y la arqueología europea'.
Santiago Rusiñol, Benjamin Palencia, Clavé, Mir, Sorolla, Barcelo, Benlliure, son algunos de los nombres de artistas presentes en Arte Madrid, feria en la que hay una importante presencia de pintura contemporánea y de escultura religiosa.
Desde la organización se espera que en esta edición el número de visitantes, que se incrementa cada año entre un 5 y un 10 por ciento, aumente con respecto al pasado año en que se alcanzó la cifra de 21.500 personas.
Casi sesenta anticuarios participan en la VIII edición de Arte Madrid, feria que esta tarde inaugurará la presidenta de la Comunidad de Madrid, Esperanza Aguirre, y que estará abierta en el Palacio de Congresos hasta el 2 de abril.
Arte madrid abre mañana sus puertas en su octava
Pinturas, esculturas, cristales, miniaturas, mueble inglés y francés del XVIII hasta el XIX, objetos orientales, piezas arqueológicas, relojes, joyas y otras muchas piezas se encuentran al alcance del público con unos precios que van desde los 400 euros hasta, por ejemplo, los 480.000 euros en que está tasado, sin impuestos, un Cristo con la cruz a cuestas de Luis de Morales, 'El Divino'.
Alrededor de sesenta expositores, todos ellos miembros de la Federación Española de Anticuarios, procedentes de Andalucía, Aragón, Castilla y León, Cataluña, Galicia, Madrid, País Vasco, Valencia y de Francia mostrarán piezas que con anterioridad han sido examinadas por un Comité de Expertos.
El comité está formado por catedráticos de la Universidad de Madrid, directores y conservadores de museos y anticuarios de reconocido prestigio que certifican la autenticidad de los objetos y retiran los que consideran no cumplen los requisitos.
Esta medida 'infunde una mayor seguridad y confianza a los posibles compradores y, a la vez, para nosotros supone una gran satisfacción que cualificados expertos confirmen nuestra trayectoria y seriedad profesional. Ello nos permite afirmar que somos recuperadores de arte así como conservadores de la cultura y memoria histórica', comentó Angeles de Rato, presidenta de la Federación Española de Anticuarios que cuenta con unos 520 federados.
En su opinión, Arte Madrid se diferencia de otras ferias en que está patrocinada por la Federación, lo que constituye una garantía.
'Nuestra intención es acercar al cliente la mayor de piezas posibles y que estas sean de alta calidad', declaró la presidenta que consideró como 'muy fiel' al comprador de antigüedades.
'La gente joven, entre los 30 y 40 años, se va poco a poco introduciendo en este mercado. Son compradores de arte contemporáneo con el que conviven perfectamente las antigüedades', afirmó Angeles de Rato, para quien el de los anticuarios 'es un mercado saludable'.
Como atractivos de la feria, comentó la importancia cada vez mayor del arte africano 'que cada día suscita más interés, al igual que el oriental y la arqueología europea'.
Santiago Rusiñol, Benjamin Palencia, Clavé, Mir, Sorolla, Barcelo, Benlliure, son algunos de los nombres de artistas presentes en Arte Madrid, feria en la que hay una importante presencia de pintura contemporánea y de escultura religiosa.
Desde la organización se espera que en esta edición el número de visitantes, que se incrementa cada año entre un 5 y un 10 por ciento, aumente con respecto al pasado año en que se alcanzó la cifra de 21.500 personas.
23 March 2006
Picasso encabeza la lista de los más vendidos
LINDA SANDLER / Bloomberg LONDRES
Pablo Picasso, que pintó el cuadro más caro del mundo, mantuvo en 2005 su puesto del artista más activamente comerciado, y Andy Warhol desplazó a Claude Monet del segundo lugar, dijo el servicio francés de datos Artprice.com. Las vistas de Venecia del Canaletto lo propulsaron al cuarto sitio, desde el 239.
Los coleccionistas de Picasso cobraron $153.2 millones el año pasado con la venta de 1,409 obras en subastas, dijo Artprice. Los dueños de obras de Warhol reunieron $86.7 millones de 660 imágenes, mientras que 22 Monet se llevaron $61.5 millones y 18 Canaletto, $55.5 millones, agregó.
Los volúmenes subastados proporcionan una guía de qué obras se están volviendo más líquidas o caras y cuáles pueden resultar más difíciles de comprar o vender con el tiempo. Tres pintores chinos, entre ellos Zao Wou-Ki, nacido en 1921, saltaron al grupo de los 50 primeros de Artprice al expandir Christie's International y Sotheby's Holdings Inc. sus subastas asiáticas. Henri Matisse cayó al puesto décimo tercero desde el sexto al tornarse más escasos sus mejores cuadros de luminosos motivos.
Artprice publicó su clasificación de los artistas por volúmenes subastados en su sitio de internet como parte de un estudio sobre tendencias del mercado en 2005.
El año pasado, las subastas de bellas artes reunieron $4,200 millones, un aumento de 15 por ciento frente a 2004, al caer el martillo sobre 477 lotes a un precio de $1 millón o más. Artprice excluye automóviles, muebles y piezas de colección que suman $2,000 millones de las ventas en subastas. Casi un tercio de los lotes de bellas artes quedaron sin vender en el 2005, entre ellos ''El puente de Waterloo'' de Monet, valuado en hasta $6 millones.
La ciudad de Nueva York, donde el multimillonario Eli Broad pagó $23.8 millones por la escultura de David Smith Cubi XXVIII en Sotheby's en noviembre, fue cara en el 2005. Los valores se dispararon 35 por ciento en el mayor mercado. En Londres, los precios de las obras de arte aumentaron 4.8 por ciento.
Estados Unidos estaba actualizando sus precios tras un aumento anterior del segundo mercado, dijo Artprice. Del 2002 al 2004, los precios de las subastas en Londres se dispararon 87 por ciento, haciendo parecer pequeños los avances neoyorquinos de 28 por ciento. En París, el tercer mercado, muy poco cambió el año pasado.
De Hong Kong, que superó a Alemania convirtiéndose en el cuarto mayor mercado, Artprice dijo que los datos mensuales son insuficientes como para suministrar números comparables. Sin embargo, el auge económico chino hizo subir cerca de 80 por ciento los índices de los artistas contemporáneos y maestros antiguos del país en subastas de todo el mundo, agregó.
El año pasado, los precios de su-basta de las bellas artes aumentaron 10 por ciento, frente a un avance de 19 por ciento en el 2004.
Los artistas más buscados en el 2005 fueron las integrantes del grupo Dadá, un movimiento vanguardista de principios del siglo XX cuya obra más conocida es el orinal de Marcel Duchamp, ''Fuente''. El índice de obras dadaístas que elabora Artprice subió 137%. Futuristas italianos como Gino Severini avanzaron 93%.
Pablo Picasso, que pintó el cuadro más caro del mundo, mantuvo en 2005 su puesto del artista más activamente comerciado, y Andy Warhol desplazó a Claude Monet del segundo lugar, dijo el servicio francés de datos Artprice.com. Las vistas de Venecia del Canaletto lo propulsaron al cuarto sitio, desde el 239.
Los coleccionistas de Picasso cobraron $153.2 millones el año pasado con la venta de 1,409 obras en subastas, dijo Artprice. Los dueños de obras de Warhol reunieron $86.7 millones de 660 imágenes, mientras que 22 Monet se llevaron $61.5 millones y 18 Canaletto, $55.5 millones, agregó.
Los volúmenes subastados proporcionan una guía de qué obras se están volviendo más líquidas o caras y cuáles pueden resultar más difíciles de comprar o vender con el tiempo. Tres pintores chinos, entre ellos Zao Wou-Ki, nacido en 1921, saltaron al grupo de los 50 primeros de Artprice al expandir Christie's International y Sotheby's Holdings Inc. sus subastas asiáticas. Henri Matisse cayó al puesto décimo tercero desde el sexto al tornarse más escasos sus mejores cuadros de luminosos motivos.
Artprice publicó su clasificación de los artistas por volúmenes subastados en su sitio de internet como parte de un estudio sobre tendencias del mercado en 2005.
El año pasado, las subastas de bellas artes reunieron $4,200 millones, un aumento de 15 por ciento frente a 2004, al caer el martillo sobre 477 lotes a un precio de $1 millón o más. Artprice excluye automóviles, muebles y piezas de colección que suman $2,000 millones de las ventas en subastas. Casi un tercio de los lotes de bellas artes quedaron sin vender en el 2005, entre ellos ''El puente de Waterloo'' de Monet, valuado en hasta $6 millones.
La ciudad de Nueva York, donde el multimillonario Eli Broad pagó $23.8 millones por la escultura de David Smith Cubi XXVIII en Sotheby's en noviembre, fue cara en el 2005. Los valores se dispararon 35 por ciento en el mayor mercado. En Londres, los precios de las obras de arte aumentaron 4.8 por ciento.
Estados Unidos estaba actualizando sus precios tras un aumento anterior del segundo mercado, dijo Artprice. Del 2002 al 2004, los precios de las subastas en Londres se dispararon 87 por ciento, haciendo parecer pequeños los avances neoyorquinos de 28 por ciento. En París, el tercer mercado, muy poco cambió el año pasado.
De Hong Kong, que superó a Alemania convirtiéndose en el cuarto mayor mercado, Artprice dijo que los datos mensuales son insuficientes como para suministrar números comparables. Sin embargo, el auge económico chino hizo subir cerca de 80 por ciento los índices de los artistas contemporáneos y maestros antiguos del país en subastas de todo el mundo, agregó.
El año pasado, los precios de su-basta de las bellas artes aumentaron 10 por ciento, frente a un avance de 19 por ciento en el 2004.
Los artistas más buscados en el 2005 fueron las integrantes del grupo Dadá, un movimiento vanguardista de principios del siglo XX cuya obra más conocida es el orinal de Marcel Duchamp, ''Fuente''. El índice de obras dadaístas que elabora Artprice subió 137%. Futuristas italianos como Gino Severini avanzaron 93%.
21 March 2006
Reino Unido instalará chips a las esculturas de Moore para evitar que sean robadas
Efe, Londres
Cuatro esculturas situadas al aire libre del británico Henry Moore podrían ser dotadas de aparatos electrónicos de rastreo ante el gran número de robos de obras de arte registrados en el Reino Unido, informaba ayer The Times.
Las esculturas, una de las cuales es la famosa El Rey y la Reina de Moore, están ubicadas frente al embalse de Glenkiln, cerca de Dumfries (Escocia), junto a otras obras de otros artistas de renombre como Jacob Epstein y Auguste Rodin.
El director de este espacio, Thomas Florey, confirmó que se han endurecido las medidas de seguridad y que se está contemplando la posibilidad de utilizar aparatos de rastreo y microchips. Los temores por la seguridad de esta colección, que incluye el Juan Bautista de Rodin y La Visitación de Epstein, han surgido a raíz del robo de veinte obras de arte, principalmente esculturas de bronce, en el sur de Inglaterra.
Entre estos hurtos figura el de la monumental escultura de Moore Una figura tumbada desaparecida sin rastro en diciembre pasado de la fundación que lleva el nombre del escultor.
Cuatro esculturas situadas al aire libre del británico Henry Moore podrían ser dotadas de aparatos electrónicos de rastreo ante el gran número de robos de obras de arte registrados en el Reino Unido, informaba ayer The Times.
Las esculturas, una de las cuales es la famosa El Rey y la Reina de Moore, están ubicadas frente al embalse de Glenkiln, cerca de Dumfries (Escocia), junto a otras obras de otros artistas de renombre como Jacob Epstein y Auguste Rodin.
El director de este espacio, Thomas Florey, confirmó que se han endurecido las medidas de seguridad y que se está contemplando la posibilidad de utilizar aparatos de rastreo y microchips. Los temores por la seguridad de esta colección, que incluye el Juan Bautista de Rodin y La Visitación de Epstein, han surgido a raíz del robo de veinte obras de arte, principalmente esculturas de bronce, en el sur de Inglaterra.
Entre estos hurtos figura el de la monumental escultura de Moore Una figura tumbada desaparecida sin rastro en diciembre pasado de la fundación que lleva el nombre del escultor.
Christie's expone en Dubai obras de arte de 20 millones dólares
La sala de subastas Christie's presentará en Dubai este martes una exposición con obras de arte valoradas en más de veinte millones de dólares y que se subastarán después en otras ciudades donde la empresa tiene sedes.
Según un comunicado de Christie's difundido hoy, las obras de arte, que datan del siglo X hasta el siglo XX, saldrán a la venta en Nueva York, París, Ginebra, Londres y Hong Kong.
La exposición incluye piezas de arte islámico, cuadros de pintores orientalistas del siglo XIX, una selección de muebles de la galería Partridge de Londres, arte británico, joyas y relojes y pintura y escultura Art Deco, detalla la nota.
Esta exposición de Christie's sirve como preámbulo a la primera subasta de arte moderno internacional de la citada casa en Dubai, prevista el próximo 24 de mayo.
El pasado enero, Christie's anunció su intención de realizar una subasta en la ciudad emiratí para 'dar respuesta a la creciente demanda de arte de las diversas comunidades de la zona', precisó el director ejecutivo de Christie's, Edward Dolman.
'Al extender nuestras actividades a Oriente Medio, proseguimos con nuestra estrategia de desarrollar tanto mercados tradicionales como emergentes', afirmó Dolman, quien anotó que 'la venta nos permitirá calibrar el potencial de la región'.
Aparte de a compradores de las ricas monarquías petroleras del golfo Pérsico -Emiratos Arabes Unidos (EAU), Arabia Saudí, Bahrein, Kuwait, Omán y Qatar-, la cita puede atraer a los coleccionistas de los países árabes de Oriente Medio que cuentan con una mayor tradición artística, como Egipto y Líbano.
Dubai es uno de los principales polos de desarrollo y una de las ciudades más cosmopolitas de la región, además de la capital económica y el centro financiero de los EAU, y entre su población figuran importantes comunidades de otros países del área y Asia, incluidos Irán e India.
Christie's abrió el pasado septiembre una oficina de representación en Dubai pero hasta ahora sólo había organizado una subasta restringida, y de carácter exclusivamente benéfico, de purasangres de carreras, a los que son muy aficionados los jeques de la élite árabe del golfo.
Según un comunicado de Christie's difundido hoy, las obras de arte, que datan del siglo X hasta el siglo XX, saldrán a la venta en Nueva York, París, Ginebra, Londres y Hong Kong.
La exposición incluye piezas de arte islámico, cuadros de pintores orientalistas del siglo XIX, una selección de muebles de la galería Partridge de Londres, arte británico, joyas y relojes y pintura y escultura Art Deco, detalla la nota.
Esta exposición de Christie's sirve como preámbulo a la primera subasta de arte moderno internacional de la citada casa en Dubai, prevista el próximo 24 de mayo.
El pasado enero, Christie's anunció su intención de realizar una subasta en la ciudad emiratí para 'dar respuesta a la creciente demanda de arte de las diversas comunidades de la zona', precisó el director ejecutivo de Christie's, Edward Dolman.
'Al extender nuestras actividades a Oriente Medio, proseguimos con nuestra estrategia de desarrollar tanto mercados tradicionales como emergentes', afirmó Dolman, quien anotó que 'la venta nos permitirá calibrar el potencial de la región'.
Aparte de a compradores de las ricas monarquías petroleras del golfo Pérsico -Emiratos Arabes Unidos (EAU), Arabia Saudí, Bahrein, Kuwait, Omán y Qatar-, la cita puede atraer a los coleccionistas de los países árabes de Oriente Medio que cuentan con una mayor tradición artística, como Egipto y Líbano.
Dubai es uno de los principales polos de desarrollo y una de las ciudades más cosmopolitas de la región, además de la capital económica y el centro financiero de los EAU, y entre su población figuran importantes comunidades de otros países del área y Asia, incluidos Irán e India.
Christie's abrió el pasado septiembre una oficina de representación en Dubai pero hasta ahora sólo había organizado una subasta restringida, y de carácter exclusivamente benéfico, de purasangres de carreras, a los que son muy aficionados los jeques de la élite árabe del golfo.
20 March 2006
El Museo Picasso muestra su última adquisición, 'Barraca de feria'
La última adquisición del Museo Picasso, el cuadro 'Barraca de feria' (1900), se exhibe desde hoy en el museo barcelonés en la remodelada colección permanente, que ha sido enriquecida con 73 obras más procedentes de colecciones privadas.
La todavía directora del Museo y futura máxima responsable del MNAC, María Teresa Ocaña, ha recordado que esta nueva presentación de la colección permanente coincide con el Año Picasso, en el que se conmemora el centenario de su primer retorno a Barcelona desde París, de su estancia en Gósol (Barcelona) y del 125 aniversario del nacimiento del pintor malagueño.
La obra estrella de esta remodelación de la colección es el cuadro 'Barraca de feria' (38 x 46 centímetros), adquirido el pasado año por el Ayuntamiento de Barcelona por un valor de 950.000 euros.
'Barraca de feria' fue pintada por Picasso en otoño de 1900 durante su primera estancia en París y pertenece a la serie de obras que realizó alrededor de la vida nocturna de la capital del Sena, en las que quedan patentes las influencias de artistas como Steinlein o Toulouse-Lautrec.
Según Ocaña, el cuadro perteneció hasta 1981 a la familia del empresario de Wuppertal-Elberfeld Joahn Carl-August Jung, quien lo compró directamente al artista en 1911 por valor de 200 marcos.
En noviembre de 1981 fue adquirida finalmente en una subasta de Christie's en Nueva York por un coleccionista japonés, hasta que fue comprada el pasado año por el consistorio.
'Barraca de feria' fue expuesta al público por última vez hace cincuenta años en varios museos alemanes.
Por su temática y composición, ha explicado Ocaña, 'la obra se inscribe en el magnífico conjunto de obras que ya tiene el Museo Picasso de este período formativo del pintor y que muestran el primer contacto del joven Picasso con las vanguardias parisinas'.
'Barraca de feria' es la última incorporación del Museo Picasso, que en los últimos años ha adquirido la escultura 'Cabeza de Fernande' (2000), el dibujo de la época Azul 'Mujer y niño al lado de un velero' (2000), el carné de dibujos, más conocido como el 'Carné Catalán' (2001) y el pasado año, el libro 'Le siege de Jérusalem' (1914), con texto de Max Jacob, uno de los pocos libros editados en el período cubista de Picasso.
Tras la reestructuración de la colección permanente, se exhibirán en el museo hasta el próximo mes de junio 383 obras, entre ellas las 11 pinturas y 62 dibujos provenientes de colecciones particulares y cedidas temporalmente para esta ocasión.
Entre las 73 obras, Ocaña ha destacado el conjunto de 31 dibujos cubistas incorporados al discurso expositivo, que 'enriquecen' unos fondos en los que el período cubista está poco representado.
Un autorretrato de 1906, varias cabezas femeninas de 1907 y 1908, una cabeza cubista de Fernande Olivier (1909), un botijo de 1910, 'Hombre tocando la guitarra' (1911) o una composición cubista son algunos de los dibujos reunidos en la sala del cubismo.
La todavía directora del Museo y futura máxima responsable del MNAC, María Teresa Ocaña, ha recordado que esta nueva presentación de la colección permanente coincide con el Año Picasso, en el que se conmemora el centenario de su primer retorno a Barcelona desde París, de su estancia en Gósol (Barcelona) y del 125 aniversario del nacimiento del pintor malagueño.
La obra estrella de esta remodelación de la colección es el cuadro 'Barraca de feria' (38 x 46 centímetros), adquirido el pasado año por el Ayuntamiento de Barcelona por un valor de 950.000 euros.
'Barraca de feria' fue pintada por Picasso en otoño de 1900 durante su primera estancia en París y pertenece a la serie de obras que realizó alrededor de la vida nocturna de la capital del Sena, en las que quedan patentes las influencias de artistas como Steinlein o Toulouse-Lautrec.
Según Ocaña, el cuadro perteneció hasta 1981 a la familia del empresario de Wuppertal-Elberfeld Joahn Carl-August Jung, quien lo compró directamente al artista en 1911 por valor de 200 marcos.
En noviembre de 1981 fue adquirida finalmente en una subasta de Christie's en Nueva York por un coleccionista japonés, hasta que fue comprada el pasado año por el consistorio.
'Barraca de feria' fue expuesta al público por última vez hace cincuenta años en varios museos alemanes.
Por su temática y composición, ha explicado Ocaña, 'la obra se inscribe en el magnífico conjunto de obras que ya tiene el Museo Picasso de este período formativo del pintor y que muestran el primer contacto del joven Picasso con las vanguardias parisinas'.
'Barraca de feria' es la última incorporación del Museo Picasso, que en los últimos años ha adquirido la escultura 'Cabeza de Fernande' (2000), el dibujo de la época Azul 'Mujer y niño al lado de un velero' (2000), el carné de dibujos, más conocido como el 'Carné Catalán' (2001) y el pasado año, el libro 'Le siege de Jérusalem' (1914), con texto de Max Jacob, uno de los pocos libros editados en el período cubista de Picasso.
Tras la reestructuración de la colección permanente, se exhibirán en el museo hasta el próximo mes de junio 383 obras, entre ellas las 11 pinturas y 62 dibujos provenientes de colecciones particulares y cedidas temporalmente para esta ocasión.
Entre las 73 obras, Ocaña ha destacado el conjunto de 31 dibujos cubistas incorporados al discurso expositivo, que 'enriquecen' unos fondos en los que el período cubista está poco representado.
Un autorretrato de 1906, varias cabezas femeninas de 1907 y 1908, una cabeza cubista de Fernande Olivier (1909), un botijo de 1910, 'Hombre tocando la guitarra' (1911) o una composición cubista son algunos de los dibujos reunidos en la sala del cubismo.
19 March 2006
Dos muestras del Guggenheim, entre las diez más visitadas del mundo en 2005
El expresionismo abstracto y los aztecas vuelven a colocar al museo en la elite.
LAS MEJORES DEL AÑO
Las más visitadas:
1. Tutankhamon y la edad de oro de los faraones. County Museum of Arts. Los Ángeles. 937.613 visitantes (itinerante).
2. Tutankhamon: tesoros de Valle de los Reyes. Bundeskunsthalle. Bonn. 866.812 visitantes (itinerante).
3. Arte informal y expresionismo abstracto. Museo Guggenheim. Bilbao. 721.074 visitantes.
4. Faraón. Institut du Monde Arabe. París.
5. Obras maestras del XIX del Louvre. Museum of Art. Yokohama.
6. El imperio azteca. Museo Guggenheim. Bilbao.
7. Van Gogh in context. National Museum of Modern Art. Tokio.
8. Turner, Whistler, Monet. Musée d'Orsay. París.
9. La fabricación de tapices. J. Paul Getty Museum. Los Ángeles.
10. Chanel. MoMA. Nueva York.
Las más concurridas por día:
1. Hokusai. National Museum. Tokio. 9.436 visitantes diarios.
2. Tesoros nacionales del templo Toshodaiji. National Museum. Tokio. 8.678 visitantes diarios.
3. Van Gogh: los dibujos. MOMA. Nueva York. 7.252 visitantes.
4. Obras maestras del XIX del Louvre. Museum of Art. Yokohama.
5. Cezzane y Pissarro 1865-85. MoMA. Nueva York.
6. Turner, Whistler, Monet. Musée d'Orsay. París.
7. T. Demand. MoMA. Nueva York.
8. Tutankhamon y la edad de oro de los faraones. County Museum of Arts. Los Ángeles.
9. Van Gogh in context. National Museum of Modern Art. Tokio.
10.Visiones de lo divino. National Museum. Tokio.
El museo Guggenheim ha vuelto a confirmarse en 2005 en la élite de las pinacotecas mundiales e incluso es el único que aparece dos veces en la lista de las diez exposiciones más visitadas del año: la muestra 'Arte informal y expresionismo abstracto' ocupa el tercer lugar, y 'El imperio azteca', el sexto. Así lo refleja la clasificación que cada año elabora 'Il Giornale dell'Arte', la más prestigiosa publicación del sector en Italia, en colaboración con 'The Art Newspaper', de Londres y Nueva York, y 'Le Journal des Arts', de París, que recoge los datos de las 420 muestras de todo el mundo que han superado los 40.000 visitantes. A gran distancia, el siguiente museo español en la lista es el de Arte Contemporáneo de Barcelona, en el puesto 375.
A decir verdad el Guggenheim está casi en lo alto de la tabla, porque las exposiciones de Tutankhamon que ocupan los dos primeros puestos son en realidad la misma, la gran muestra itinerante que el año pasado recaló en Los Ángeles y Bonn y colocó a ambos museos en los dos primeros lugares. La pasión por el antiguo Egipto se sigue revelando como una de las mayores fuerzas de atracción para el público y, en general, casi todas las iniciativas en torno a grandes civilizaciones han recabado un enorme éxito, como la propia muestra sobre los aztecas del Guggenheim Bilbao y otras en torno a Sudán, Turquía o China.
El impresionismo sigue siendo la fórmula del triunfo seguro, con siete muestras que superan los 400.000 visitantes, pero en el capítulo del arte contemporáneo el Guggenheim mantiene un liderazgo absoluto. La exposición de expresionismo abstracto casi dobla en afluencia a la segunda clasificada, la del fotógrafo Lee Friedlander en el MOMA, y repite la hegemonía certificada en 2004 con la muestra de escultura del siglo XX y en 2003 con las de Calder y 'De Jasper Johns a Jeff Koons'.
Una segunda lista se basa en el número de visitantes diarios, otro indicio complementario del éxito de una exposición. En este campo arrasan los museos japoneses, cinco entre los diez primeros, debido a sus ambiciosos proyectos desde que fueron semi-privatizados en 2001 y a sus grandes dimensiones. El Guggenheim coloca tres exposiciones en los puestos 15, 23 y 25.
LAS MEJORES DEL AÑO
Las más visitadas:
1. Tutankhamon y la edad de oro de los faraones. County Museum of Arts. Los Ángeles. 937.613 visitantes (itinerante).
2. Tutankhamon: tesoros de Valle de los Reyes. Bundeskunsthalle. Bonn. 866.812 visitantes (itinerante).
3. Arte informal y expresionismo abstracto. Museo Guggenheim. Bilbao. 721.074 visitantes.
4. Faraón. Institut du Monde Arabe. París.
5. Obras maestras del XIX del Louvre. Museum of Art. Yokohama.
6. El imperio azteca. Museo Guggenheim. Bilbao.
7. Van Gogh in context. National Museum of Modern Art. Tokio.
8. Turner, Whistler, Monet. Musée d'Orsay. París.
9. La fabricación de tapices. J. Paul Getty Museum. Los Ángeles.
10. Chanel. MoMA. Nueva York.
Las más concurridas por día:
1. Hokusai. National Museum. Tokio. 9.436 visitantes diarios.
2. Tesoros nacionales del templo Toshodaiji. National Museum. Tokio. 8.678 visitantes diarios.
3. Van Gogh: los dibujos. MOMA. Nueva York. 7.252 visitantes.
4. Obras maestras del XIX del Louvre. Museum of Art. Yokohama.
5. Cezzane y Pissarro 1865-85. MoMA. Nueva York.
6. Turner, Whistler, Monet. Musée d'Orsay. París.
7. T. Demand. MoMA. Nueva York.
8. Tutankhamon y la edad de oro de los faraones. County Museum of Arts. Los Ángeles.
9. Van Gogh in context. National Museum of Modern Art. Tokio.
10.Visiones de lo divino. National Museum. Tokio.
El museo Guggenheim ha vuelto a confirmarse en 2005 en la élite de las pinacotecas mundiales e incluso es el único que aparece dos veces en la lista de las diez exposiciones más visitadas del año: la muestra 'Arte informal y expresionismo abstracto' ocupa el tercer lugar, y 'El imperio azteca', el sexto. Así lo refleja la clasificación que cada año elabora 'Il Giornale dell'Arte', la más prestigiosa publicación del sector en Italia, en colaboración con 'The Art Newspaper', de Londres y Nueva York, y 'Le Journal des Arts', de París, que recoge los datos de las 420 muestras de todo el mundo que han superado los 40.000 visitantes. A gran distancia, el siguiente museo español en la lista es el de Arte Contemporáneo de Barcelona, en el puesto 375.
A decir verdad el Guggenheim está casi en lo alto de la tabla, porque las exposiciones de Tutankhamon que ocupan los dos primeros puestos son en realidad la misma, la gran muestra itinerante que el año pasado recaló en Los Ángeles y Bonn y colocó a ambos museos en los dos primeros lugares. La pasión por el antiguo Egipto se sigue revelando como una de las mayores fuerzas de atracción para el público y, en general, casi todas las iniciativas en torno a grandes civilizaciones han recabado un enorme éxito, como la propia muestra sobre los aztecas del Guggenheim Bilbao y otras en torno a Sudán, Turquía o China.
El impresionismo sigue siendo la fórmula del triunfo seguro, con siete muestras que superan los 400.000 visitantes, pero en el capítulo del arte contemporáneo el Guggenheim mantiene un liderazgo absoluto. La exposición de expresionismo abstracto casi dobla en afluencia a la segunda clasificada, la del fotógrafo Lee Friedlander en el MOMA, y repite la hegemonía certificada en 2004 con la muestra de escultura del siglo XX y en 2003 con las de Calder y 'De Jasper Johns a Jeff Koons'.
Una segunda lista se basa en el número de visitantes diarios, otro indicio complementario del éxito de una exposición. En este campo arrasan los museos japoneses, cinco entre los diez primeros, debido a sus ambiciosos proyectos desde que fueron semi-privatizados en 2001 y a sus grandes dimensiones. El Guggenheim coloca tres exposiciones en los puestos 15, 23 y 25.
17 March 2006
El IVAM dedica una retrospectiva casi inédita a todas las facetas de Braque
El museo valenciano permite contemplar hasta el 7 de mayo piezas del pintor francés, la mayoría de las cuales no habían sido nunca expuestas en España
VALENCIA. El Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM) presentó ayer la exposición estrella de su programa de 2006, una amplia retrospectiva de George Braque, que reúne y confronta a través de 142 piezas todas las facetas productivas acometidas por el pintor francés desde sus comienzos en 1903 hasta el final de sus días, en 1963.
Esta exposición, que permanecerá abierta hasta el 7 de mayo, se aleja de los estudios parciales de Braque como grabador o pintor aisladamente, para relacionar su producción artística con la vanguardia del momento; su breve conversión al fauvismo bajo el influjo de Cézanne, su participación en el cubismo como fundador del género junto a Picasso y la deriva clásica de sus pinturas tras la Primera Guerra Mundial.
Más de 50 prestamistas
La muestra, comisariada por Martine Soria, ha requerido la colaboración de más de cincuenta prestamistas entre instituciones y coleccionistas privados, diferenciándose de la retrospectiva organizada en 2002 por Tomás Llorens en el Thyseen en la búsqueda deliberada de piezas nunca expuestas en España (131 en total). El MoMA, el Museo de Arte Moderno de la Villa de París, el Centro George Pompidou, la Galería Nacional de Berlín y el Museo Thyssen son algunas de las instituciones colaboradoras; no así el Reina Sofía, ya que al parecer la demanda de sus braques se tramitó demasiado tarde.
En esta vasta selección (54 pinturas, 15 esculturas, diez dibujos, 54 trabajos sobre papel, cinco piezas de cerámica, cuatro tapices y 6 libros ilustrados) se incluyen piezas fundamentales como «Parc de Carrières-Saint-Denis» (1908), uno de sus primeros paisajes cubistas, o el bodegón de 1911 que posee el Museo de Arte Moderno de Estrasburgo. También encontramos los óleos tardíos de la serie de los «Ateliers» y la de los famosos «Oiseaux» (pájaros), un motivo que obsesionó al artista en el último tramo de su vida.
La muestra incide especialmente en tres aspectos de la obra de Braque. Uno de ellos es su incursión en la escultura, que comienza con incisiones en la materia, aunque también cuenta con piezas de bronce en tres dimensiones como «Cabeza de caballo» (1941).
Otra pasión es la que siente el pintor por el grabado, faceta en la que llegó a dominar la técnica de la plancha de cobre y a explorar todas las posibilidades de la piedra. Entre las ilustraciones expuestas encontramos aguafuertes como el «Estudio de desnudo» de 1907, dos obras realizadas a punta seca y una amplia muestra de litografías, casi siempre referentes a los pájaros o al espacio interno del taller y sus objetos, fuente constante de inspiración para Braque a lo largo de su trayectoria.
La pintura y Picasso
El último es la pintura, apartado en el que el visitante atestigua la transición de George Braque desde los exultantes coloridos fauvistas («La ventana delante del Escaut», 1906) a la deconstrucción de volúmenes en la que se embarca junto a su amigo Picasso, con quien mantuvo una relación artística de ósmosis por la que ambos llegaron a plantearse dejar de firmar sus pinturas individualmente. Según confió el pintor a Gertrude Stein en 1935, «estábamos dispuestos a borrar la propia personalidad a fin de encontrar una personalidad nuestra».
Fruto de este enriquecimiento mutuo surgió la incorporación de las palabras en el lienzo, que después evolucionó en el collage, un género que el IVAM representa con la conocida «Botella e instrumentos de música» (1918).
VALENCIA. El Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM) presentó ayer la exposición estrella de su programa de 2006, una amplia retrospectiva de George Braque, que reúne y confronta a través de 142 piezas todas las facetas productivas acometidas por el pintor francés desde sus comienzos en 1903 hasta el final de sus días, en 1963.
Esta exposición, que permanecerá abierta hasta el 7 de mayo, se aleja de los estudios parciales de Braque como grabador o pintor aisladamente, para relacionar su producción artística con la vanguardia del momento; su breve conversión al fauvismo bajo el influjo de Cézanne, su participación en el cubismo como fundador del género junto a Picasso y la deriva clásica de sus pinturas tras la Primera Guerra Mundial.
Más de 50 prestamistas
La muestra, comisariada por Martine Soria, ha requerido la colaboración de más de cincuenta prestamistas entre instituciones y coleccionistas privados, diferenciándose de la retrospectiva organizada en 2002 por Tomás Llorens en el Thyseen en la búsqueda deliberada de piezas nunca expuestas en España (131 en total). El MoMA, el Museo de Arte Moderno de la Villa de París, el Centro George Pompidou, la Galería Nacional de Berlín y el Museo Thyssen son algunas de las instituciones colaboradoras; no así el Reina Sofía, ya que al parecer la demanda de sus braques se tramitó demasiado tarde.
En esta vasta selección (54 pinturas, 15 esculturas, diez dibujos, 54 trabajos sobre papel, cinco piezas de cerámica, cuatro tapices y 6 libros ilustrados) se incluyen piezas fundamentales como «Parc de Carrières-Saint-Denis» (1908), uno de sus primeros paisajes cubistas, o el bodegón de 1911 que posee el Museo de Arte Moderno de Estrasburgo. También encontramos los óleos tardíos de la serie de los «Ateliers» y la de los famosos «Oiseaux» (pájaros), un motivo que obsesionó al artista en el último tramo de su vida.
La muestra incide especialmente en tres aspectos de la obra de Braque. Uno de ellos es su incursión en la escultura, que comienza con incisiones en la materia, aunque también cuenta con piezas de bronce en tres dimensiones como «Cabeza de caballo» (1941).
Otra pasión es la que siente el pintor por el grabado, faceta en la que llegó a dominar la técnica de la plancha de cobre y a explorar todas las posibilidades de la piedra. Entre las ilustraciones expuestas encontramos aguafuertes como el «Estudio de desnudo» de 1907, dos obras realizadas a punta seca y una amplia muestra de litografías, casi siempre referentes a los pájaros o al espacio interno del taller y sus objetos, fuente constante de inspiración para Braque a lo largo de su trayectoria.
La pintura y Picasso
El último es la pintura, apartado en el que el visitante atestigua la transición de George Braque desde los exultantes coloridos fauvistas («La ventana delante del Escaut», 1906) a la deconstrucción de volúmenes en la que se embarca junto a su amigo Picasso, con quien mantuvo una relación artística de ósmosis por la que ambos llegaron a plantearse dejar de firmar sus pinturas individualmente. Según confió el pintor a Gertrude Stein en 1935, «estábamos dispuestos a borrar la propia personalidad a fin de encontrar una personalidad nuestra».
Fruto de este enriquecimiento mutuo surgió la incorporación de las palabras en el lienzo, que después evolucionó en el collage, un género que el IVAM representa con la conocida «Botella e instrumentos de música» (1918).
CELEBRACION DEL 75 ANIVERSARIO DE LA MUERTE DEL PINTOR CORDOBES JULIO ROMERO DE TORRES
Córdoba se viste de gala para recibir a un Julio Romero de Torres inédito
La Fundación Prasa y el Círculo de la Amistad aportan numerosos cuadros para enriquecer la muestra.
Córdoba se vistió de gala ayer tarde para contemplar la obra menos conocida e incluso inédita del pintor cordobés Julio Romero de Torres, con motivo del 75 aniversario de su fallecimiento. La exposición de 22 pinturas pertenecientes a una serie de coleccionistas privados, luce desde anoche en el Círculo de la Amistad y los cordobeses podrán contemplarla hasta el próximo día 16 de abril. La exposición acoge también objetos de valor que servirán para desvelar la vida artística y cotidiana de este gran pintor cordobés. Libros, fotografías, revistas, etiquetas comerciales y carteles forman también parte de la colección inaugurada ayer por la alcaldesa de Córdoba, Rosa Aguilar, que iba acompañada por los demás patrocinadores de la muestra, tales como el director de la Fundación Prasa, Joaquín Criado Costa. También estuvieron presentes en representación de Cajasur el director de la división de Riesgos, Antonio Cruz Conde, el presidente del Círculo de la Amistad, Rafael Quintela, y los comisarios de la muestra, Mercedes Valverde, Joaquín Criado y Ana Verdú, además de otras autoridades y personas que han colaborado en la puesta a punto de esta insólita exposición.
La alcaldesa de Córdoba, Rosa Aguilar, menifestó ayer que la muestra Miradas en Sepia "nos acerca a nuestro pintor más universal de una manera novedosa, como nunca antes lo habíamos hecho. Romero de Torres se nos presenta ahora cercano, localizado y universalizado, gracias a los documentos que acompañan a su obra y eran parte de su vida".
Recalcó que la obra es desconocida para el gran público y que para "acercarnos a esos cuadros, a esos lienzos irrepetibles, iconográficamente tan familiares como cargados de misterio y segundas lecturas, los comisarios y las entidades organizadoras de la exposición utilizan un interesante fondo documental que nos sitúa en medio de la Historia y la Sociedad de la época en la que vivió y trabajo Julio. Pero, como si de un argumento concéntrico se tratase, la profusión de fotografías, documentos y artículos del entorno más cercano al pintor sitúan al espectador a su lado, protagonista de esa etapa en la vida de una ciudad y de un país plagados de protagonistas interesantes en muy diferentes ámbitos".
Dijo que es necesario "disfrutar de cómo nos explican a Romero de Torres estas Miradas en Sepia , y sin duda, reconocer y agradecer el trabajo lúcido de quienes las han hecho posibles, el mimo y la profesionalidad de las trabajadoras y trabajadores de las áreas de Museos y Archivo, apoyados en el hilo conductor que supone la aplicación de las modernas tecnologías gracias al Taller de Empleo Memoria del Arte.".
Por su parte, el director de la Fundación Prasa, Joaquín Criado, recordó la necesidad de conservar el legado de Córdoba y aumentarlo. "Tenemos que movernos en una línea de recuperación, aunque son las instituciones las que tienen la palabra". Recordó que tanto Cajasur como Prasa están colaborando "a ese enriquecimiento del patrimonio cultural pictórico. El esfuerzo de la Fundación Prasa es enorme, ya que gracias a la Fundación han vuelto a la ciudad casi una docena de cuadros de Romero de Torres".
La Fundación Prasa y el Círculo de la Amistad aportan numerosos cuadros para enriquecer la muestra.
Córdoba se vistió de gala ayer tarde para contemplar la obra menos conocida e incluso inédita del pintor cordobés Julio Romero de Torres, con motivo del 75 aniversario de su fallecimiento. La exposición de 22 pinturas pertenecientes a una serie de coleccionistas privados, luce desde anoche en el Círculo de la Amistad y los cordobeses podrán contemplarla hasta el próximo día 16 de abril. La exposición acoge también objetos de valor que servirán para desvelar la vida artística y cotidiana de este gran pintor cordobés. Libros, fotografías, revistas, etiquetas comerciales y carteles forman también parte de la colección inaugurada ayer por la alcaldesa de Córdoba, Rosa Aguilar, que iba acompañada por los demás patrocinadores de la muestra, tales como el director de la Fundación Prasa, Joaquín Criado Costa. También estuvieron presentes en representación de Cajasur el director de la división de Riesgos, Antonio Cruz Conde, el presidente del Círculo de la Amistad, Rafael Quintela, y los comisarios de la muestra, Mercedes Valverde, Joaquín Criado y Ana Verdú, además de otras autoridades y personas que han colaborado en la puesta a punto de esta insólita exposición.
La alcaldesa de Córdoba, Rosa Aguilar, menifestó ayer que la muestra Miradas en Sepia "nos acerca a nuestro pintor más universal de una manera novedosa, como nunca antes lo habíamos hecho. Romero de Torres se nos presenta ahora cercano, localizado y universalizado, gracias a los documentos que acompañan a su obra y eran parte de su vida".
Recalcó que la obra es desconocida para el gran público y que para "acercarnos a esos cuadros, a esos lienzos irrepetibles, iconográficamente tan familiares como cargados de misterio y segundas lecturas, los comisarios y las entidades organizadoras de la exposición utilizan un interesante fondo documental que nos sitúa en medio de la Historia y la Sociedad de la época en la que vivió y trabajo Julio. Pero, como si de un argumento concéntrico se tratase, la profusión de fotografías, documentos y artículos del entorno más cercano al pintor sitúan al espectador a su lado, protagonista de esa etapa en la vida de una ciudad y de un país plagados de protagonistas interesantes en muy diferentes ámbitos".
Dijo que es necesario "disfrutar de cómo nos explican a Romero de Torres estas Miradas en Sepia , y sin duda, reconocer y agradecer el trabajo lúcido de quienes las han hecho posibles, el mimo y la profesionalidad de las trabajadoras y trabajadores de las áreas de Museos y Archivo, apoyados en el hilo conductor que supone la aplicación de las modernas tecnologías gracias al Taller de Empleo Memoria del Arte.".
Por su parte, el director de la Fundación Prasa, Joaquín Criado, recordó la necesidad de conservar el legado de Córdoba y aumentarlo. "Tenemos que movernos en una línea de recuperación, aunque son las instituciones las que tienen la palabra". Recordó que tanto Cajasur como Prasa están colaborando "a ese enriquecimiento del patrimonio cultural pictórico. El esfuerzo de la Fundación Prasa es enorme, ya que gracias a la Fundación han vuelto a la ciudad casi una docena de cuadros de Romero de Torres".
12 March 2006
España se planta ante Christie's Gobierno e Iglesia intentan frenar por vía diplomática y policial la subasta de vigas de la Mezquita
Vista de las vigas del siglo V instaladas en el patio de los Naranjos de la Mezquita.
"Hola, amiga, ya hemos puesto en manos de un gabinete de abogados británico el asunto. Vamos a ir a por todas". Juan Moreno, presidente del Cabildo catedralicio de Córdoba -la institución religiosa responsable de la mezquita- saludó así el jueves a la ministra de Cultura, Carmen Calvo. Fue unos minutos antes de la inauguración de una feria de joyería cordobesa.
El asunto al que se refería el sacerdote era la subasta de cinco vigas de la mezquita prevista para el 4 de abril en la casa Christie's. Se trata de cinco maderas que formaban parte del artesonado correspondiente a la ampliación del templo que se hizo en el siglo X, en la época de Alhakén II. Cada una tiene seis metros de longitud y están en buen estado, según Christie's. Dos de las vigas, además de estar talladas, conservan el policromado original. La casa londinense estima que el precio de cada pieza está entre los 148.000 y los 445.000 euros.
Del vendedor se sabe que es un "coleccionista privado europeo". De cómo han llegado hasta sus manos, no se conoce nada.
Lo único que dice Christie's es que este coleccionista tenía pensado instalar las vigas en un "proyecto arquitectónico" en Inglaterra. Según la versión de la casa de subastas, cuando las llevó a restaurar, le dijeron que tenía un tesoro, que esas vigas tenían mil años de antigüedad y que habían formado parte de la mezquita de Córdoba, declarada Patrimonio de la Humanidad.
El Ministerio de Cultura español se ha puesto en marcha para tratar de averiguar cuándo y cómo salieron las vigas de nuestro país. Por un lado, según fuentes ministeriales, se ha realizado una petición formal a Christie's para que aclare la procedencia de las cinco piezas. La casa londinense ha confirmado estos contactos esta semana. Sin embargo, sigue con los preparativos de la subasta ya que opina que el Gobierno de Madrid carece de argumentos sólidos para reclamar el retorno de las vigas. Christie's cree que las piezas salieron de nuestro país a "finales del siglo XIX o principios del XX" y que su actual propietario las adquirió, también fuera de España, en 1998. Es posible que las piezas se exhiban en varias ciudades europeas antes de mostrarse en Londres en abril.
El Ministerio de Cultura español también ha solicitado a la Brigada de Patrimonio Histórico de la Policía Nacional "que investigue, a través de Interpol, la situación legal de las cinco vigas". Pero estos trámites también van lentos. Un portavoz de Scotland Yard confirmó ayer que el sistema informático del cuerpo policial londinense no contiene, de momento, referencias sobre el caso.
Por último, fuentes del Ministerio de Cultura aseguraron ayer que "se ha pedido oficialmente la colaboración a las autoridades culturales británicas a través de la Embajada británica en España". Pero el caso avanza lento en Londres, al menos, para el público. El ministerio británico de Cultura no está al corriente de la polémica desatada en España.
La ministra Carmen Calvo ha puesto sobre la mesa la Ley de Patrimonio Histórico de 1985, según la cual todos aquellos bienes con más de 100 años de antigüedad que salgan de territorio español deben contar con permiso de exportación. El año pasado, Cultura ya denegó la salida de tres vigas califales también procedentes de la mezquita. Christie's realizó esa petición. Pero éstas no han sido las únicas ocasiones en las que las casas de subastas se han fijado en unas maderas del monumento más conocido de Córdoba. En octubre de 2004, Sotheby's vendió un trozo de un metro y 16 centímetros de viga, también del siglo X. La puja se cerró en 87.000 euros y la noticia pasó casi inadvertida.
¿Cómo han ido a parar al mercado estas vigas? El Cabildo catedralicio de Córdoba, que es el responsable de la mezquita desde que en el siglo XIII se consagró como templo cristiano, ha reconocido esta semana que hay un "pequeño comentario" en los archivos en el que se indica que "a lo mejor pudo haber alguna desviación" a finales del siglo XIX. Fue Juan Moreno, unos minutos antes de saludar a la ministra de Cultura, quien indicó que esta anotación había sido realizada por Samuel de los Santos, entonces director del Museo Arqueológico de Córdoba.
De los Santos era el ayudante de Ricardo Velázquez Bosco, el arquitecto restaurador de la mezquita a finales del XIX y principios del XX. Juntos se encargaron de desmantelar el artesonado correspondiente a la ampliación de Alhakén II, de donde se supone que proceden las vigas de Christie's.
Las maderas fueron a parar a los depósitos del Cabildo. Posteriormente, se instalaron en el patio de los Naranjos de la mezquita. En los años ochenta del siglo pasado, de nuevo, fueron retiradas. Actualmente, parte de las vigas se han vuelto a colocar en el pórtico que rodea el patio de los Naranjos.
11 March 2006
El debate sobre la procedencia de las obras de arte planea sobre la feria de Maastricht
Retrato de Anna Six-Wymer (1641), de Rembrandt, que se exhibe en la feria de Maastricht.
El Retrato de Anna Six-Wymer (1641), pintado en parte por Rembrandt y expuesto por vez primera en público, preside desde ayer la 19ª edición de TEFAF, la feria internacional de arte más importante de su clase. Celebrada en la ciudad holandesa de Maastricht, el debate sobre la procedencia de las obras antiguas (no siempre bien comprobada, según algunos museos locales) planea sobre un mercado que sí revisa a fondo la autenticidad y calidad de lo expuesto. Visitada por coleccionistas y entidades oficiales, el Ministerio español de Cultura tiene previsto adquirir piezas destinadas a las salas nacionales.
TEFAF espera a unos 75.000 visitantes en un recinto ferial que alberga a 218 galerías, tres de ellas españolas: Luis Elvira (hierro forjado y arte medieval); Caylus (pintura antigua) y López de Aragón (arte medieval y renacentista). Conocida por el celo con que supervisa la calidad y autenticidad de las obras expuestas, los propios responsables de la feria admiten que la procedencia no siempre puede comprobarse. Sobre todo la del arte antiguo, aunque ello no debe ser obstáculo para vender. "Lo primordial es que no haya nada robado. Cuando los galeristas presentan sus listas, se busca siempre en los archivos internacionales de obras perdidas. Si no aparecen allí, la responsabilidad última es de ellos", señala Titia Vellenga, portavoz de TEFAF.
En su opinión, no hace falta que una pieza sea muy antigua para tener problemas con su origen. Incluso de las más modernas puede perderse el rastro. "De ninguna obra puede garantizarse al cien por cien su punto de partida. Sobre todo teniendo en cuenta que los registros artísticos son bastante recientes. Por ejemplo, una silla de los años treinta, vendida en los cincuenta a un coleccionista privado y desaparecida luego de la vista, representa un enigma a pesar de su cercanía temporal. Si no existen más datos sobre dicho mueble, pero está en buenas condiciones y es de calidad, no hay inconveniente para que venga aquí", afirma la portavoz.
Otra cosa son los interiores de edificios públicos o de culto, como en el caso de la mezquita de Córdoba. En Maastricht se preguntan cómo es posible que las vigas fueran sacadas del lugar en su día. Averiguarlo sería el primer paso para trazar su periplo hasta acabar en una subasta. Sin embargo, una vez más se impone el pragmatismo que parece impulsar el mercado del arte. "En principio, y sin antecedentes ilegales que destruyan un patrimonio cultural, deberían abordarse como cualquier otra pieza artística. Es un objeto. A veces, incluso, interiores que se habrían perdido con el edificio por demoliciones o incendios se salvan al entrar en la rueda del mercado", continúa Vellenga.
Si bien en TEFAF ponen mucho énfasis en puntualizar que la feria no opina sobre lo que se vende, la mayoría de las galerías de arte antiguo presentes son miembros de la Asociación Internacional de Marchantes del ramo, fundada en 1992. Dotada de un código ético, el mismo obliga a sus miembros a tratar de impedir la compra y venta de obras robadas o excavadas de forma ilegal. En principio, todo lo que ofrecen sus 29 miembros, repartidos por Europa, Estados Unidos e Israel, está catalogado o es conocido. Para empresas como la aseguradora AXA Art, establecida en París hace 40 años, la única especializada en seguros de arte y principal patrocinadora de TEFAF, códigos como el de los marchantes de arte antiguo resultan muy útiles. "Todo lo que tiene más de cien años necesita un permiso de exportación del Ministerio de Cultura. Nosotros somos generalistas y acudimos a los expertos antes de evaluar una obra para su cotización. Además, nunca se asegura una pieza sin su correspondiente certificado de autenticidad. Suele haber mucho control", según Patricia Neira, miembro de AXA Art en España. La firma tiene también oficinas en Bélgica, Francia, Italia, Hong Kong, Suiza, Inglaterra, Estados Unidos, Holanda y Alemania, la sede central.
A pesar de tantas cribas, la experiencia de algunos compradores no ha podido ser más agria. Es el caso del Museo Nacional holandés de la Antigüedad. En 2002 se interesaron en TEFAF por una escultura de 4.000 años procedente de lo que es hoy Afganistán. Ofrecida por 150.000 euros en el puesto de un comerciante de alfombras parisiense, Bernard Blondeel, establecer su origen resultó penoso. La primera respuesta fue que había salido de una colección particular. Blondeel la había adquirido en Ginebra a un marchante que, a su vez, la compró a una familia. "Para el museo no estaba suficientemente claro. Después de mucho preguntar, nos llegó una respuesta educada que venía a decir: tómelo o déjelo. Es posible que otro comprador tuviera menos escrúpulos que nosotros", ha declarado Steph Scholten, director de la colección del museo, al rotativo NRCHandelsblad.
Sobre otras obras de la feria no existen dudas. En pleno 400º aniversario del nacimiento de Rembrandt, la familia Six van Hillegom ha cedido temporalmente para su exposición un retrato familiar. Anna Six-Wymer, pintada por el maestro holandés en 1641, era la madre de Jan Six, comerciante, mecenas, poeta y alcalde de Amsterdam a finales del siglo XVII. Después de muchos estudios, el Proyecto Rembrandt, dedicado a comprobar la autoría de sus lienzos, ha llegado a una ecléctica conclusión. La cabeza de la dama y su cofia blanca son del pintor. Éste también habría dado unas pinceladas relevantes en la gola, puños de encaje y manos. El resto lo acabó un alumno.
Con una obra de Frans Hals puesta a la venta por la galería suiza David Koetser ha ocurrido algo parecido. Aunque con mejores resultados. El Retrato de Pieter Olycan, una tabla de 1629, parecía una copia. La ropa de este patricio de la ciudad de Haarlem, dueño de tres cervecerías, estaba pintada sin la precisión de Hals. Otro buen estudio comandado por el museo del artista en Holanda, con la ayuda del restaurador Martin Bijl, del Proyecto Rembrandt, ha confirmado al fin la autenticidad. Libre de toda sospecha, vale 12,5 millones de dólares.
09 March 2006
Artprice ranks "best performer" in 2005 on all French financial markets
Artprice ranks "best performer" in 2005 on all French financial markets
According to the Euronext Paris rankings for 2005*, Artprice.com posted the best annual performance after its share price rose by more than 808% (taking into account its performance on all the French markets: A, B and C compartments of Eurolist by Euronext, SRD, Alternext, Marché Libre and Valeurs étrangères). The average daily trading volume of shares in 2005 was 67,340, representing a 826% rise compared with 2004. This volume represents an average daily capital of EUR 553,705, up 3,544% compared with 2004. A TPI survey carried out in August 2005 found more than 10,000 private shareholders (excluding foreign shareholders, companies, banks, French mutual funds, UCITS, etc)
*Source Boursorama 2006 :
http://www.boursorama.com/infos/actualites/detail_actu_marches.phtml?&symbole=1gIZ&news=3163320
According to the Euronext Paris rankings for 2005*, Artprice.com posted the best annual performance after its share price rose by more than 808% (taking into account its performance on all the French markets: A, B and C compartments of Eurolist by Euronext, SRD, Alternext, Marché Libre and Valeurs étrangères). The average daily trading volume of shares in 2005 was 67,340, representing a 826% rise compared with 2004. This volume represents an average daily capital of EUR 553,705, up 3,544% compared with 2004. A TPI survey carried out in August 2005 found more than 10,000 private shareholders (excluding foreign shareholders, companies, banks, French mutual funds, UCITS, etc)
*Source Boursorama 2006 :
http://www.boursorama.com/infos/actualites/detail_actu_marches.phtml?&symbole=1gIZ&news=3163320
05 March 2006
La cultura catalana iniciará en Leipzig su desembarco en Alemania
Antes de Frankfurt, Leipzig. La Feria del Libro de Leipzig, una gran feria popular que genera una gran atracción mediática hacia los autores que se presentan en ella, acogerá en marzo del 2007 el inicio del programa literario que la cultura catalana lleva a su gran cita con la Feria del Libro de Frankfurt en octubre del año próximo. Una cita en la que la cultura catalana es invitada de honor y cuyo calendario general presentó ayer la consellera Caterina Mieras en medio de la polémica que ha suscitado la dimisión del director del Institut Ramon Llull, Xavier Folch. Un tema del que, pese a la insistencia de los periodistas, Mieras se negó a hablar puesto que "no afecta para nada a Frankfurt" ya que su preparación la encara desde el año pasado una comisión formada por los editores, el Ramon Llull, la Institució de les Lletres Catalanes y el Institut Català d´Indústries Culturals, y que ella preside.
Borja Sitjà, flamante director del programa cultural de Frankfurt 2007, reconoció en su primera comparecencia pública tras ser nombrado para el cargo que se había encontrado con el Ramon Llull en una situación algo bloqueada, "pero la hemos desbloqueado en seguida" y explicó que su objetivo es que "las acciones no se multipliquen", sino que se obtenga "mucha visibilidad en lugares muy concretos mediante acciones muy fuertes y potentes".
El preprograma general literario, artístico, editorial y de promoción de la lengua catalana en Alemania, así como el logotipo y el cartel para la feria de Frankfurt, se presentarán en octubre de este año.
En ese momento se hará público también el presupuesto del evento, para el que el Departament de Cultura presupuesta entre 12 y 13 millones de euros, al margen de las colaboraciones que se consigan de otras instituciones catalanas y es pañolas.
Borja Sitjà, flamante director del programa cultural de Frankfurt 2007, reconoció en su primera comparecencia pública tras ser nombrado para el cargo que se había encontrado con el Ramon Llull en una situación algo bloqueada, "pero la hemos desbloqueado en seguida" y explicó que su objetivo es que "las acciones no se multipliquen", sino que se obtenga "mucha visibilidad en lugares muy concretos mediante acciones muy fuertes y potentes".
El preprograma general literario, artístico, editorial y de promoción de la lengua catalana en Alemania, así como el logotipo y el cartel para la feria de Frankfurt, se presentarán en octubre de este año.
En ese momento se hará público también el presupuesto del evento, para el que el Departament de Cultura presupuesta entre 12 y 13 millones de euros, al margen de las colaboraciones que se consigan de otras instituciones catalanas y es pañolas.
La Fundación Lara y el Ayuntamiento editan una 'Guía artística de Córdoba'
El estudio, de más de 500 páginas, ha sido dirigido por el catedrático Alberto Villar Movellán y posee una importante colección fotográfica
La Fundación José Manuel Lara y el Ayuntamiento de Córdoba han coeditado la Guía artística de Córdoba y su provincia, un voluminoso estudio en el que se reúnen y explican de manera didáctica y cercana los principales bienes de la capital y de las localidades de la provincia. La obra, de más de 500 páginas y dirigida por el catedrático de Historia del Arte de la Universidad de Córdoba Alberto Villar Movellán, ha sido concebida como una puesta al día del catálogo de tesoros patrimoniales.
El contenido de la guía, que cuenta con una esmerada y completa edición, se estructura en dos partes: la primera está dedicada a la capital y la segunda a los pueblos. En el caso de Córdoba, el estudio se abre con la descripción de los barrios más emblemáticos del Alcázar y la Catedral, centrándose en el estudio de la vieja Mezquita y su acervo patrimonial. La descripción continúa con los entornos monumentales que configuran la Medina y la Ajerquía, y prosigue por los alrededores de Córdoba; Medina Azahara y San Jerónimo de Valparaíso, entre otros.
Por su parte, los capítulos dedicados al patrimonio de la provincia se dividen en las siete mancomunidades que agrupan a los municipios: Los Pedroches, Valle del Guadiato, Alto y Bajo Guadalquivir, Campiña Sur, Valle del Guadajoz y Subbética.
Además de la información, la Guía artística de Córdoba y su provincia cuenta con más de 500 imágenes en color realizadas por el fotógrafo José Carlos Nievas que posibilitan un mayor conocimiento de las obras citadas.
El estudio editado por la Fundación Lara tiene como antecedente la obra Guía artística de la provincia de Córdoba, también dirigida por Villar Movellán y que vio la luz en 1995. Hasta ese año, la provincia sólo contaba con una obra patrimonial de conjunto, una especie de inventario artístico elaborado por Rafael Ramírez de Arellano en 1904 y que había contado con dos reediciones, en 1982 y 1983. Era, pues, necesaria una profunda revisión de estos contenidos, una actualización de los mismos y una presentación "en un formato nuevo y sugerente", según expone el director de la obra en la introducción.
El catedrático de la UCO ha querido partir de su anterior experiencia para elaborar otra nueva obra en la que se ha hecho una "necesaria" selección de edificios. Villar Movellán explica en la introducción de la guía que se han incluido "por sus contenidos patrimoniales" iglesias cerradas al culto y, en cambio, se han omitido otros templos carentes de ajuar o dedicados a otros usos.
La información que se expone en esta publicación ha sido rigurosamente contrastada y los datos que en ella aparecen son de utilidad tanto para aficionados a la historia del arte como para personas ya iniciadas que deseen tener esta guía como libro de cabecera o viajeros que quieran usarla como recurso práctico para visitas turísticas.
La Guía artística de Córdoba y su provincia cuenta también con un apartado bibliográfico y con un índice onomástico en el que se incluye a todos los artistas (escultores, grabadores, pintores o arquitectos, entre otros) citados en sus páginas.
La Feria Internacional de Arte y Antigüedades TEFAF Maastricht pondrá a la venta un cuadro de Rembrandt
La estrella protagonista de la Feria internacional de arte y antigüedades TEFAF Maastricht será un retrato del apóstol Santiago el Mayor de Rembrandt, que se pondrá a la venta para celebrar el cuarto centenario del nacimiento del pintor. Durante los últimos 60 años, este lienzo ha pertenecido a una colección privada americana. En estos momentos, el cuadro pertenece a Salander-O'Reilly Galleries quienes no han querido dar un precio exacto de la obra. No obstante una indicación es el importe (45 millones de dólares) que el año pasado pagó el Metropolitan Museum of Art de Nueva York por el cuadro de Duccio y que pagó el National Gallery de Londres por el cuadro de Rafael (22 millones de libras). TEFAF Maastricht se celebrará del 10 al 19 de marzo en el palacio de congresos y exposiciones MECC en Maastricht.
El lienzo, de 92 x 75 cm y firmado por Rembrandt en 1661, data de una etapa difícil en su vida. En 1656 el pintor se vio obligado a vender su casa y sus pertenencias. Pero había madurado psíquica y artísticamente y su producción aumentó notablemente. En esta época pintó una serie de retratos a medio cuerpo de tamaño natural de apóstoles y evangelistas.
Un autorretrato como 'San Pablo' indica lo mucho que Rembrandt se sentía inspirado por San Pablo. La obra tardía de Rembrandt 'El apóstol Santiago el Mayor' ocupa un lugar especial porque la figura ha sido pintada casi totalmente de perfil a la derecha, una pose inusual. El realismo reflejado en el discípulo marcado por la vida, la paleta de tonos oscuros brillantes y la visible interiorización dotan a la obra de una expresividad espiritual. Ésta es acentuada por la postura erguida y los finos dedos del apóstol.
Santiago fue decapitado en el año 44 y sus restos fueron llevados posteriormente a Santiago de Compostela. Desde el s. IX su sepulcro atrae a miles de peregrinos. En las artes plásticas desde la Edad Media tardía el apóstol es representado como peregrino, y con atributos un manto largo, un cayado de peregrino y la vieira como distintivo en el sombrero y la ropa.
El cuadro de Rembrandt tiene una magnífica procedencia, demostrable hasta el s. XVIII. A través del gran marchante de arte Joseph Duveen el lienzo llegó a América. Desde entonces fue propiedad privada. Recientemente formó parte de la exposición de retratos religiosos tardíos de Rembrandt en la Galería Nacional de Washington y el Museo Paul Getty en Los Angeles.
El lienzo, de 92 x 75 cm y firmado por Rembrandt en 1661, data de una etapa difícil en su vida. En 1656 el pintor se vio obligado a vender su casa y sus pertenencias. Pero había madurado psíquica y artísticamente y su producción aumentó notablemente. En esta época pintó una serie de retratos a medio cuerpo de tamaño natural de apóstoles y evangelistas.
Un autorretrato como 'San Pablo' indica lo mucho que Rembrandt se sentía inspirado por San Pablo. La obra tardía de Rembrandt 'El apóstol Santiago el Mayor' ocupa un lugar especial porque la figura ha sido pintada casi totalmente de perfil a la derecha, una pose inusual. El realismo reflejado en el discípulo marcado por la vida, la paleta de tonos oscuros brillantes y la visible interiorización dotan a la obra de una expresividad espiritual. Ésta es acentuada por la postura erguida y los finos dedos del apóstol.
Santiago fue decapitado en el año 44 y sus restos fueron llevados posteriormente a Santiago de Compostela. Desde el s. IX su sepulcro atrae a miles de peregrinos. En las artes plásticas desde la Edad Media tardía el apóstol es representado como peregrino, y con atributos un manto largo, un cayado de peregrino y la vieira como distintivo en el sombrero y la ropa.
El cuadro de Rembrandt tiene una magnífica procedencia, demostrable hasta el s. XVIII. A través del gran marchante de arte Joseph Duveen el lienzo llegó a América. Desde entonces fue propiedad privada. Recientemente formó parte de la exposición de retratos religiosos tardíos de Rembrandt en la Galería Nacional de Washington y el Museo Paul Getty en Los Angeles.
Merrill Lynch recibe Proclamación Oficial de la Ciudad de Miami por arteaméricas
Pat Corry, Primer Vicepresidente de Mercadotecnia Global de Clientes Privados; Brian M. Sepe, Director Administrativo Regional para la Región del Sur de la Florida; Alcalde Manny Díaz; y Mac Gardner, Vicepresidente Principal Región de las Américas y Grup
El Alcalde de la Ciudad de Miami, Manny Díaz, hizo entrega a un grupo de ejecutivos de Merrill Lynch de una Proclamación Oficial de la Ciudad como reconocimiento por la realización del evento de bellas artes hispanas Merrill Lynch arteaméricas 2006, que se lleva a cabo en Miami este mes de marzo. El alcalde Díaz entregó la Proclamación a Brian M. Sepe, Director Administrativo Regional para la Región del Sur de la Florida; a Mac Gardner, Vicepresidente Principal Región de las Américas y Grupo Bancario Global, y a Pat Corry, Primer Vicepresidente de Mercadotecnia Global de Clientes Privados.
La ceremonia de otorgamiento de la Proclamación es un reconocimiento a la contribución del evento arteaméricas de Merrill Lynch a A Cultural Arts Miami Weekend (Fin de semana cultural de Miami). La recepción VIP, a la cual asistieron más de 500 relevantes líderes corporativos y comunitarios, fue la inauguración oficial de arteaméricas, que presenta obras de más de 200 artistas latinoamericanos de 19 países.
04 March 2006
Arte del Vaticano en nueva escala de gira por América del Norte.
- Entre cientos de inapreciables piezas de arte del Vaticano que se exhiben en el Museo Público de Milwaukee se encuentran un cáliz de oro incrustado en diamantes y la imagen de Jesús más antigua que se conoce. Pero una de las obras más conmovedoras es a la vez una de las más sencillas.
Cerca del final de la exhibición hay una mano de bronce del papa Juan Pablo II confeccionada en el 2002. Más de un millón de personas han tocado la mano para establecer un contacto simbólico con alguien que conmovió al mundo.
"No es raro ver gente sumida en lágrimas, o en actitud de meditación profunda", comentó Jeffrey Wyatt, productor ejecutivo de la muestra, frente a la escultura. "Aun entre los escolares y otra gente, independientemente de su afiliación religiosa, prevalece un sentimiento de respeto".
La mano de bronce es una de las más de 330 piezas de la exhibición "San Pedro y el Vaticano: El legado de los papas", muchas de ellas de colecciones permanentes de los museos del Vaticano y sólo prestadas para la gira por América del Norte, que comenzó en el 2003.
Hizo escalas en Houston, Ft. Lauderdale, Cincinnati, San Diego, Montereal y San Antonio. La muestra estará en Milwaukee hasta el 7 de mayo antes de regresar al Vaticano.
La exhibición llega en un momento oportuno para el museo que enfrenta dificultades financieras. El año pasado los ejecutivos del museo _que ya se han ido_ fueron censurados después que una auditoría reveló años de gastos excesivos y una contabilidad cuestionable que dejó al museo con deudas por 29 millones de dólares.
El museo espera unos 120.000 visitantes durante la muestra de tres meses, que sería el público más numeroso desde que 180.000 personas visitaron su muestra egipcia de cuatro meses en el 2004, dijo Jan Nowak, director de comercialización y comunicaciones del museo.
Pero aun un público numeroso no será una solución mágica para las tribulaciones financieras de la institución, dijo el presidente del museo Dan Finley, que asumió en agosto.
"En resumidas cuentas, ésta será una maravillosa adición al museo, pero todavía quedará mucho por hacer", advirtió Finley. Calculó que los ingresos que le quedarán al museo por la muestra rondarán un millón de dólares una vez cubiertos los gastos.
La exhibición rastrea siglos de historia papal pero incluye artefactos usados hasta hace pocos meses. Wyatt dijo que quienes presenciaron la asunción del papa Benedicto XVI después de la muerte de Juan Pablo en el 2005 reconocerán algunos de aquéllos.
Por ejemplo, la muestra incluye botes de humo que se usaron para producir el humo negro que indicó inicialmente que no se había elegido todavía el sucesor de Juan Pablo, y luego el humo blanco que anunció la proclamación de un nuevo pontífice.
La exhibición también presenta túnicas y tocados de los papas desde principios del siglo XIX. Wyatt dijo que incontables artefactos de los tesoros papales se perdieron a lo largo de los siglos debido a invasiones extranjeras, y por eso muchas de las reliquias que quedan no tienen más de 200 años.
Pero una de las piezas más antiguas y más populares es el Mandilión de Edesa, un rostro en tela de lino enmarcado en oro y alhajas que data del tercer a quinto siglos. Se dice que es el rostro de Jesús, lo que lo haría una de sus más antiguas representaciones.
Cuando la exhibición de arte hizo una escala en el Centro Museo de Cincinnati en el 2003-04, las 185.000 personas que atrajo la convirtieron "por mucho en la más concurrida jamás en Cincinnati", dijo Charlie Howard, director de comercialización del museo.
Howard agregó que uno de los artefactos más populares fue un martillo ceremonial usado hasta 1903 para verificar la muerte de un pontífice.
"Es un pequeño martillo de oro, y en los viejos tiempos solían dar un golpecito con él en la cabeza del Papa para asegurarse de que estuviese muerto. Esa pieza fue muy popular con los escolares", dijo.
La muestra incluye otras piezas de significación histórica además de religiosa. Hay una réplica del andamiaje que usó Miguel Angel para pintar el cielo raso de la Capilla Sixtina, además de regalos que dignatarios desde Napoleón hasta el Dalai Lama obsequiaron a los pontífices.
El religioso Steven Avella, profesor adjunto de historia en la Universidad de Marquette, espera que aun los no católicos se fascinarán con la muestra.
"Si uno estudia seriamente la civilización occidental, advierte que la oficina papal ha desempeñado un papel definitorio en la evolución de la cultura", afirmó. "Aunque sólo sea por curiosidad intelectual, la gente se interesará".
Cerca del final de la exhibición hay una mano de bronce del papa Juan Pablo II confeccionada en el 2002. Más de un millón de personas han tocado la mano para establecer un contacto simbólico con alguien que conmovió al mundo.
"No es raro ver gente sumida en lágrimas, o en actitud de meditación profunda", comentó Jeffrey Wyatt, productor ejecutivo de la muestra, frente a la escultura. "Aun entre los escolares y otra gente, independientemente de su afiliación religiosa, prevalece un sentimiento de respeto".
La mano de bronce es una de las más de 330 piezas de la exhibición "San Pedro y el Vaticano: El legado de los papas", muchas de ellas de colecciones permanentes de los museos del Vaticano y sólo prestadas para la gira por América del Norte, que comenzó en el 2003.
Hizo escalas en Houston, Ft. Lauderdale, Cincinnati, San Diego, Montereal y San Antonio. La muestra estará en Milwaukee hasta el 7 de mayo antes de regresar al Vaticano.
La exhibición llega en un momento oportuno para el museo que enfrenta dificultades financieras. El año pasado los ejecutivos del museo _que ya se han ido_ fueron censurados después que una auditoría reveló años de gastos excesivos y una contabilidad cuestionable que dejó al museo con deudas por 29 millones de dólares.
El museo espera unos 120.000 visitantes durante la muestra de tres meses, que sería el público más numeroso desde que 180.000 personas visitaron su muestra egipcia de cuatro meses en el 2004, dijo Jan Nowak, director de comercialización y comunicaciones del museo.
Pero aun un público numeroso no será una solución mágica para las tribulaciones financieras de la institución, dijo el presidente del museo Dan Finley, que asumió en agosto.
"En resumidas cuentas, ésta será una maravillosa adición al museo, pero todavía quedará mucho por hacer", advirtió Finley. Calculó que los ingresos que le quedarán al museo por la muestra rondarán un millón de dólares una vez cubiertos los gastos.
La exhibición rastrea siglos de historia papal pero incluye artefactos usados hasta hace pocos meses. Wyatt dijo que quienes presenciaron la asunción del papa Benedicto XVI después de la muerte de Juan Pablo en el 2005 reconocerán algunos de aquéllos.
Por ejemplo, la muestra incluye botes de humo que se usaron para producir el humo negro que indicó inicialmente que no se había elegido todavía el sucesor de Juan Pablo, y luego el humo blanco que anunció la proclamación de un nuevo pontífice.
La exhibición también presenta túnicas y tocados de los papas desde principios del siglo XIX. Wyatt dijo que incontables artefactos de los tesoros papales se perdieron a lo largo de los siglos debido a invasiones extranjeras, y por eso muchas de las reliquias que quedan no tienen más de 200 años.
Pero una de las piezas más antiguas y más populares es el Mandilión de Edesa, un rostro en tela de lino enmarcado en oro y alhajas que data del tercer a quinto siglos. Se dice que es el rostro de Jesús, lo que lo haría una de sus más antiguas representaciones.
Cuando la exhibición de arte hizo una escala en el Centro Museo de Cincinnati en el 2003-04, las 185.000 personas que atrajo la convirtieron "por mucho en la más concurrida jamás en Cincinnati", dijo Charlie Howard, director de comercialización del museo.
Howard agregó que uno de los artefactos más populares fue un martillo ceremonial usado hasta 1903 para verificar la muerte de un pontífice.
"Es un pequeño martillo de oro, y en los viejos tiempos solían dar un golpecito con él en la cabeza del Papa para asegurarse de que estuviese muerto. Esa pieza fue muy popular con los escolares", dijo.
La muestra incluye otras piezas de significación histórica además de religiosa. Hay una réplica del andamiaje que usó Miguel Angel para pintar el cielo raso de la Capilla Sixtina, además de regalos que dignatarios desde Napoleón hasta el Dalai Lama obsequiaron a los pontífices.
El religioso Steven Avella, profesor adjunto de historia en la Universidad de Marquette, espera que aun los no católicos se fascinarán con la muestra.
"Si uno estudia seriamente la civilización occidental, advierte que la oficina papal ha desempeñado un papel definitorio en la evolución de la cultura", afirmó. "Aunque sólo sea por curiosidad intelectual, la gente se interesará".
03 March 2006
Investigadores cordobeses hallan un Valdés Leal en un convento de Montilla
PATRIMONIO HISTORICO ARTISTICO
Investigadores cordobeses hallan un Valdés Leal en un convento de Montilla
El lienzo encontrado en Santa Clara se denomina ´La Trinidad´ y se desconocía su autoría. Los profesores Alberto Villar y María Angeles Raya son los autores del descubrimiento.
Un importante lienzo de Juan de Valdés Leal ha sido identificado por un grupo de investigadores en el comedor del convento de clausura franciscano de Santa Clara de Montilla. Hasta ahora se pensaba que el lienzo --que mide 1,03 por 0,82 metros-- era una pieza anónima del siglo XVII que nunca se relacionó ni con Valdés Leal ni con escuela alguna.
El interesante hallazgo lo han hecho efectivo el catedrático de Historia del Arte de la Universidad de Córdoba, Alberto Villar Movellán, y la profesora del mismo departamento María Angeles Raya. Se trata del cuadro titulado La Santísima Trinidad , lienzo que ha sido autentificado por estos investigadores, que afirman que se trataba de una pintura prácticamente desconocida, de la que, efectivamente, se había hablado en el tomo VI del Catálogo artístico y monumental de la provincia de Córdoba como obra de la segunda mitad del siglo XVII. Aunque ahora se encuentra en el comedor de esta comunidad religiosa, tradicionalmente la obra de arte estaba ubicada en el coro alto y nunca se había hecho referencia a ella en obras relacionadas con el patrimonio artístico montillano, según señaló ayer a este periódico Alberto Villar.
DOCUMENTACION Los investigadores continúan trabajando en la documentación del cuadro, ya que pretenden darlo a conocer a la comunidad científica. Aseguran que es difícil establecer su origen debido a la escasez de documentación existente. Consideran que "pudo haber entrado al convento en una dote o también por donación, pues nada de raro tiene su procedencia sevillana, teniendo en cuenta que Montilla, propiedad de los señores de Aguilar y Priego, había pasado por herencia a los Enríquez de Ribera, duques de Medinacelli, cuya residencia solariega era la sevillana Casa de Pilatos".
Alberto Villar manifestó que la pintura revela un estilo utilizado por Valdés Leal hacia 1670-1672 y que "se sabe por Palomino que en 1672 el pintor sevillano había regresado a Córdoba, donde había residido nueve años, y es en esa fecha cuando firma el gran cuadro de San Francisco en la Porciúncula para los Capuchinos de Cabra. De modo que con esta obra y con las de La Inmaculada y La Asunción de San Agustín de Sevilla, considerada de la misma fecha, creemos que tiene su mayor parentesco estilístico La Trinidad de Santa Clara". Según estos estudiosos del arte, las figuras de La Santísima Trinidad están sometidas a relaciones triangulares para reforzar la idea del Dios Uno y Trino que representan. La obra es una escena de las que los especialistas denominan de gloria, en la que el mundo ocupa la base, rodeado de nubes. Sobre éstas se apoya la bóveda celeste, en la que figura entronizados el Padre y el Hijo. Sus cabezas están rodeadas de querubines. Cristo levanta en sus manos la cruz elevada y se contempla el Espíritu Santo.
El hallazgo del cuadro de Valdés Leal se ha producido mientras estos investigadores elaboraban el volumen Guía artística de Córdoba y su provincia , publicación editada por la Fundación José Manuel Lara en colaboración con el Ayuntamiento de Córdoba. El libro se presentará el próximo lunes en el Alcázar de los Reyes Cristianos a las 19.00 horas. El libro ha sido preparado por varios profesores encabezados por Alberto Villar, con fotos de José Carlos Nievas. La obra se ocupa de Córdoba capital y provincia con más de 500 ilustraciones a color.
Investigadores cordobeses hallan un Valdés Leal en un convento de Montilla
El lienzo encontrado en Santa Clara se denomina ´La Trinidad´ y se desconocía su autoría. Los profesores Alberto Villar y María Angeles Raya son los autores del descubrimiento.
Un importante lienzo de Juan de Valdés Leal ha sido identificado por un grupo de investigadores en el comedor del convento de clausura franciscano de Santa Clara de Montilla. Hasta ahora se pensaba que el lienzo --que mide 1,03 por 0,82 metros-- era una pieza anónima del siglo XVII que nunca se relacionó ni con Valdés Leal ni con escuela alguna.
El interesante hallazgo lo han hecho efectivo el catedrático de Historia del Arte de la Universidad de Córdoba, Alberto Villar Movellán, y la profesora del mismo departamento María Angeles Raya. Se trata del cuadro titulado La Santísima Trinidad , lienzo que ha sido autentificado por estos investigadores, que afirman que se trataba de una pintura prácticamente desconocida, de la que, efectivamente, se había hablado en el tomo VI del Catálogo artístico y monumental de la provincia de Córdoba como obra de la segunda mitad del siglo XVII. Aunque ahora se encuentra en el comedor de esta comunidad religiosa, tradicionalmente la obra de arte estaba ubicada en el coro alto y nunca se había hecho referencia a ella en obras relacionadas con el patrimonio artístico montillano, según señaló ayer a este periódico Alberto Villar.
DOCUMENTACION Los investigadores continúan trabajando en la documentación del cuadro, ya que pretenden darlo a conocer a la comunidad científica. Aseguran que es difícil establecer su origen debido a la escasez de documentación existente. Consideran que "pudo haber entrado al convento en una dote o también por donación, pues nada de raro tiene su procedencia sevillana, teniendo en cuenta que Montilla, propiedad de los señores de Aguilar y Priego, había pasado por herencia a los Enríquez de Ribera, duques de Medinacelli, cuya residencia solariega era la sevillana Casa de Pilatos".
Alberto Villar manifestó que la pintura revela un estilo utilizado por Valdés Leal hacia 1670-1672 y que "se sabe por Palomino que en 1672 el pintor sevillano había regresado a Córdoba, donde había residido nueve años, y es en esa fecha cuando firma el gran cuadro de San Francisco en la Porciúncula para los Capuchinos de Cabra. De modo que con esta obra y con las de La Inmaculada y La Asunción de San Agustín de Sevilla, considerada de la misma fecha, creemos que tiene su mayor parentesco estilístico La Trinidad de Santa Clara". Según estos estudiosos del arte, las figuras de La Santísima Trinidad están sometidas a relaciones triangulares para reforzar la idea del Dios Uno y Trino que representan. La obra es una escena de las que los especialistas denominan de gloria, en la que el mundo ocupa la base, rodeado de nubes. Sobre éstas se apoya la bóveda celeste, en la que figura entronizados el Padre y el Hijo. Sus cabezas están rodeadas de querubines. Cristo levanta en sus manos la cruz elevada y se contempla el Espíritu Santo.
El hallazgo del cuadro de Valdés Leal se ha producido mientras estos investigadores elaboraban el volumen Guía artística de Córdoba y su provincia , publicación editada por la Fundación José Manuel Lara en colaboración con el Ayuntamiento de Córdoba. El libro se presentará el próximo lunes en el Alcázar de los Reyes Cristianos a las 19.00 horas. El libro ha sido preparado por varios profesores encabezados por Alberto Villar, con fotos de José Carlos Nievas. La obra se ocupa de Córdoba capital y provincia con más de 500 ilustraciones a color.
El Centro Andaluz de Arte Contemporáneo rinde homenaje a los fotógrafos del grupo AFAL
Hasta el mes de junio, el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, con sede en La Cartuja, ofrece una exposición fotográfica dedicada a los miembros del grupo AFAL (Agrupación Fotográfica de Almería) que reunió a algunos de los mejores fotógrafos españoles durante los años 60. En la muestra, imágenes de Pérez Siquier, Alberto Schommer o Julio Ubiña
AFAL, que reunió a algunos los mejores fotógrafos españoles de la generación de los cincuenta, nunca fue un colectivo homogéneo con una tendencia estética definida, sino una suma de individualidades interesadas por aspectos muy diferentes de la creación fotográfica: desde el fotoperiodismo a la investigación formal o la exploración intimista.
Entre 1956 y 1963 editaron una revista que, a pesar de impedimentos de todo orden, logró traspasar el ámbito local (e incluso el nacional), sin renunciar en ningún momento a su independencia económica, ni a un impulso experimental y vanguardista. AFAL también organizó otros eventos como el Salón de Invierno de Almería, una exposición itinerante de Otto Steinert o proyectos de colaboración con el emblemático Club Fotográfico de París Les 30 x 40. Gracias a las actividades de este colectivo, la ciudad de Almería (alejada habitualmente de los circuitos culturales) se ha convertido en un punto de referencia de la fotografía española contemporánea.
La muestra presenta fotografías de Joan Colom, Gabriel Cualladó, Francisco Gómez, Gonzalo Juanes, Ramón Masats, Oriol Maspons, Xavier Miserachs, Francisco Ontañón, Carlos Pérez Siquier, Alberto Schommer, Ricard Terré y Julio Ubiña junto a ejemplares de los principales números de las revistas AFAL y de los anuarios que esta agrupación produjo. A su vez, se exhiben algunas obras de fotógrafos internacionales de la época como el citado Otto Steiner o Henri Cartier Bresson.
Todo ello contextualizado con diversos materiales sobre la fotografía profesional de la España de los cincuenta (libros, revistas, documentos periodísticos...). Con motivo de esta exposición se publica un extenso libro (el más completo que hasta ahora se ha realizado sobre este grupo fotográfico) editado por Photovision y se organiza un seminario en el que, a partir de un acercamiento analítico a las prácticas fotográficas desarrolladas por los distintos miembros de este colectivo, se pretende articular un ejercicio de reflexión historiográfica que permita avanzar en la definición de un modelo operativo para la revisión de la historia de la fotografía en España.