La 25ª edición de la Feria de Arte Contemporáneo reúne hasta el lunes en los recintos feriales de Madrid a 278 galerías de 35 países. Todas las partes implicadas en este evento comercial coinciden a la hora de asegurar que éste será un gran año para el mercado artístico.
Madrid. Un buen dato animará la 25ª edición de la Feria de Arte Contemporáneo (ARCO’06): en 2005, los beneficios totales obtenidos en las subastas de obras de arte superaron los 3.200 millones de euros, según la analista francesa Artprice. En el caso español, la británica Art Sales Index estima que esos beneficios han aumentado un 32,8% en el último ejercicio. Y todas las partes implicadas en este evento coinciden en que la bonanza de la economía va a seguir dando muchas alegrías a este mercado. Ésa va a ser la tendencia.
El mejor ejemplo de todo ello se podrá comprobar hasta el próximo lunes en los pabellones 7 y 9 de los recintos feriales de Madrid. 278 galerías de 35 países se dan cita desde ayer en la 25ª edición de ARCO’06, que inaugurarán este mediodía los Reyes. Esta edición está marcada por la despedida de Rosina Gómez-Baeza como directora de la feria, por la presencia de Austria como invitado de honor —con 24 galerías— y también por el triunfo de la fotografía.
Después de varias horas recorriendo sus más de 300 stands, llama la atención que prácticamente ningún galerista renuncie a este soporte artístico. En algunos casos, todo el espacio va dedicado a obras de autores que se esconden tras la cámara como García Alix, Fontcuberta, Alvargonzález, Madoz o la portuguesa Almeida. Y sus precios tampoco son bajos: de esta última autora, cada una de las imágenes de su serie de la última Bienal de Venecia se vende a 30.000 euros. Un valor, sin embargo, muy lejano de los seis millones de euros que se pide por el Francis Bacon que presenta la galería Marlborough. Este espacio es, un año más, el que reúne a varios de los grandes valores consolidados: un busto de Antonio López por 116.000 euros, un Leger por 915.000, un Estes por 435.000... También es obligada la visita a la Edward Tyler Nahem Fine Art de Nueva York, con obras de Barceló (635.000) Klee (750.000), Degas, Calder, Picasso, Liechtenstein...
Quienes prefieran arriesgar y apostar por jóvenes valores del panorama internacional tienen aquí una buena oportunidad de rastrear por lo que se reservan todos los galeristas en sus disimulados almacenes.
Españoles en el mundo
Dentro de los actos conmemorativos de estos primeros 25 años de la feria, la ex directora del Museo Reina Sofía María de Corral presenta una selección de 16 proyectos de arte español, como ejemplo de la internacionalización de nuestros valores.
Frente a ese apartado, las galerías austriacas, invitadas de honor, reúnen obra de Erwin Wurm y Arnulf Rainer, entre otros. El país helvético ha diseñado un completo programa de actividades que, en paralelo a la celebración de ARCO, permitirá conocer de cerca en distintas salas de Madrid —Alcalá, Conde Duque, Canal de Isabel II— otras propuestas de arte tecnológico, así como su diseño, su arquitectura, su cine, su danza y su música.
Franz Morak, secretario de Estado para las Artes y los Medios de Austria, explicó ayer en la presentación a la prensa que “Austria y España están unidas por una rica tradición cultural, vínculos históricos, polémicas, conflictos y los diversos frutos de empeños artísticos y culturales”. “No siempre somos conscientes de los paralelismos existentes entre nuestros dos países, paralelismos ejemplificados por los puntos de contacto que existen entre Cervantes y Musil”, añadió.
Por su parte, la directora, Gómez-Baeza, destacó emocionada que “el arte español cuenta con un amplio reconocimiento internacional; existen numerosas plataformas de diálogo con los distintos escenarios del panorama mundial y cada vez nuestro mercado constituye un referente mayor para el coleccionismo internacional”.
09 February 2006
08 February 2006
LA HAYA, Holanda - El Gobierno holandés devolverá a la familia del marchante de arte judío Jacques Goudstikker, 202 de los 267 cuadros y dibujos de su
El marchante de arte judío Jacques Goudstikker apuntó en esta agenda todos sus cuadros. (Archivo Gemeente de Amsterdam).
7 de Febrero de 2006
LA HAYA, Holanda - El Gobierno holandés devolverá a la familia del marchante de arte judío Jacques Goudstikker, 202 de los 267 cuadros y dibujos de su colección sustraídos por los nazis durante la II Guerra Mundial.
Gran valor artístico
Las obras, que acabaron tras la contienda en manos del Estado holandés, incluyen tablas del Renacimiento firmadas por Filippo Lippi y telas flamencas y holandesas de Van Dyck, Steen, Van Goyen y Ruysdael, entre otras.
Al menos 40 piezas de la colección seguirán en Holanda al no haberse podido demostrar que pertenecieran al marchante.
Otras 21 telas tampoco saldrán del país porque la viuda de Goudstikker “se distanció de las mismas hace décadas”, según el ministerio de Cultura. Cuatro más se consideran perdidas.
Una agenda clave en el caso
El marchante, que tenía una prestigiosa tienda en Amsterdam, falleció en 1940 en un accidente en el barco que le llevaba a Inglaterra.
En su agenda, hallada después, constaban las reseñas de todos sus cuadros.
Su esposa emigró a Estados Unidos y contrajo de nuevo matrimonio. Allí reside ahora la familia.
Una reclamación que viene de lejos
La decisión del Ejecutivo holandés pone fin a un largo contencioso cerrado en falso en 1999. Los tribunales holandeses se consideraron entonces incompetentes para atender la demanda presentada por la nuera del coleccionista.
En el año 2002, sin embargo, la Comisión para la Restitución de obras de arte recomendó aplicar las leyes y “también moral” a estos casos.
07 February 2006
El Museo Picasso de Barcelona exhibe la pasión del artista por el dibujo a través de más de 200 obras
El Museo Picasso de Barcelona exhibe la pasión del artista por el dibujo a través de más de 200 obras
BARCELONA, 7 Feb.
El Museo Picasso de Barcelona acoge desde mañana al 7 de mayo una exposición en la que se recorre a través de 254 obras la pasión de Pablo Picasso por el dibujo durante toda su trayectoria artística.
'Picasso. La pasión del dibujo', primera de las grandes exposiciones incluidas en la propuesta Picasso2006BCN, ofrece un recorrido por la obra del artista desde 1894 a 1972 mediante 239 dibujos, siete esculturas, dos óleos y seis cuadernos.
Los dibujos de la muestra han sido seleccionados entre los más de 1.500 que conforman la colección del Musée Picasso de París, a los que se ha de sumar obras procedentes del Museo Picasso de Barcelona y de colecciones particulares.
La comisaria de la exposición y conservadora del Musée Picasso de París, Dominique Dupuis-Labbé, aseguró hoy que la muestra es "el ejemplo de la pasión" del artista malagueño por el dibujo en la que se transluce un "amor por la tradición clásica" y su "virtuosismo".
Dupuis-Labbé afirmó que en la muestra se evidencia dos de los aspectos del Picasso dibujante, como trabajo preparatorio para otras obras como esculturas o pinturas, o los dibujos como propia obra de arte en las que alcanza "piezas maestras".
DIBUJANTE A LOS 12 AÑOS.
La muestra sigue un discurso cronológico con el que se demuestra la pasión de Picasso por el dibujo desde su infancia, ya que según su madre las primeras palabras que dijo el artista fueron 'piz piz' para pedir un lápiz.
La exposición se abre con los dibujos de juventud y la Época Azul del artista en el que destaca un 'Estudio académico de un yeso según un modelo clásico', un busto marcado por las formas clásicas dibujado por Picasso cuando tenía 12 años. En palabras del propio Picasso, "a los 12 años sabía dibujar como Rafael, pero necesité toda una vida para aprender a pintar como un niño".
Dominique Dupuis-Labbé aseguró que desde joven Picasso "trató el cuerpo humano de forma clásica" y su estudio pormenorizado es lo que le permitió luego "deconstruirlo" y alcanzar "una descripción psicológica del cuerpo".
En esta primera época, que llega hasta 1904, es donde se vislumbra la influencia que recibió de Ramon Casas y el colectivo Els Quatre Gats, donde tuvo acceso a un círculo de pintores, escritores y filósofos vanguardistas.
La segunda sala muestra su estancia en Gósol y los inicios de su época cubista con paisajes, retratos y esbozos para alguna de sus obras más emblemáticas como 'Las señoritas de Avignon', en los que se evidencia la influencia que recibió de artistas como Cezzane o Toulouse-Lautrec o el impacto que le supuso el arte ibérico.
La comisaria explicó que Picasso "tenía una gran capacidad de asimilación" ya que siempre iba con un cuaderno para la calle presto a apuntar y dibujar todo aquello que le sorprendía. Este apartado está acompañado de una máscara de Gabón y una cimera de baile nigeriana.
Otro de los ámbitos está dedicado al Cubismo, con obras de entre 1911 y 1914. Este apartado está presidido por el óleo 'Hombre con guitarra', que está acompañado de diferentes dibujos preparatorios y tintas chinas y carboncillos relacionados con la música.
El cuarto apartado de la muestra, dedicado al Clasicismo y el mundo del teatro, está plagado de retratos de personalidades como Max Jacob, Manuel de Falla, Igor Stravinsky y Guillaume Apollinaire y caricaturas de Jean Cocteau, León Bakst y Serge de Diaghilev.
Este ámbito se completa con dibujos de corridas de toros y bocetos de vestidos para el ballet 'El tricornio'. A este respecto, Jean Cocteau afirmó que "lo que me interesa es el Picasso decorador de teatro. Yo lo arrastré a eso. Sus allegados no querían creer que me seguiría...".
El siguiente apartado, 'Clasicismo y metamorfosis', presidido por dos 'Cabezas' de bronce de 1931 y un ejemplar único de 'Bañista acostada', de 1931 y también en bronce, muestra diferentes dibujos preparatorios para estas esculturas, así como estudios para 'Mujer y niño junto al mar' y 'La alborada.
El último ámbito, relativo a los últimos años de producción del artista de 1946 a 1972, exhibe diversos retratos de Françoise, Sylvette David, una 'Bacanal' en tinta china y el 'collage' a carboncillo sobre papel 'Jacqueline de cara'.
La exposición se completa con la sala dedicada a la estatua 'El hombre del cordero' con una selección de tinta chinas, dibujos a lápiz y bocetos que sirvieron de modelo. Como confesó el mismo artista, "después de no sé cuántos bocetos y meses de reflexión, hice esta estatua en una sola tarde".
Ésta es la primera de las tres exposiciones que tiene preparadas el Museo Picasso de Barcelona para este año para conmemorar el centenario de su primer retorno desde París, su estancia en Gósol y el 125 aniversario de su nacimiento. 'Los Picassos de Antibes', en julio, y 'Picasso y el circo' completarán la oferta.
El concejal de Cultura del Ayuntamiento de Barcelona, Ferran Mascarell, explicó que se han sumado tres nuevas exposiciones: 'La colección del Museo Picasso. Una nueva mirada', que se abrirá en marzo, 'Picasso, el hombre de las mil máscaras', en en Barbier-Mueller de Barcelona en abril y 'Las Barcelonas de Picasso' en el Museu d'Història de la Ciutat, prevista para principios de 2007.
La Sociedad Estatal de Conmemoraciones Estatales colabora en la propuesta Picasso2006BCN y ha aportado un total de 600.000 euros, en un año en que también se conmemora el 25 aniversario del retorno del 'Guernica' a España.
BARCELONA, 7 Feb.
El Museo Picasso de Barcelona acoge desde mañana al 7 de mayo una exposición en la que se recorre a través de 254 obras la pasión de Pablo Picasso por el dibujo durante toda su trayectoria artística.
'Picasso. La pasión del dibujo', primera de las grandes exposiciones incluidas en la propuesta Picasso2006BCN, ofrece un recorrido por la obra del artista desde 1894 a 1972 mediante 239 dibujos, siete esculturas, dos óleos y seis cuadernos.
Los dibujos de la muestra han sido seleccionados entre los más de 1.500 que conforman la colección del Musée Picasso de París, a los que se ha de sumar obras procedentes del Museo Picasso de Barcelona y de colecciones particulares.
La comisaria de la exposición y conservadora del Musée Picasso de París, Dominique Dupuis-Labbé, aseguró hoy que la muestra es "el ejemplo de la pasión" del artista malagueño por el dibujo en la que se transluce un "amor por la tradición clásica" y su "virtuosismo".
Dupuis-Labbé afirmó que en la muestra se evidencia dos de los aspectos del Picasso dibujante, como trabajo preparatorio para otras obras como esculturas o pinturas, o los dibujos como propia obra de arte en las que alcanza "piezas maestras".
DIBUJANTE A LOS 12 AÑOS.
La muestra sigue un discurso cronológico con el que se demuestra la pasión de Picasso por el dibujo desde su infancia, ya que según su madre las primeras palabras que dijo el artista fueron 'piz piz' para pedir un lápiz.
La exposición se abre con los dibujos de juventud y la Época Azul del artista en el que destaca un 'Estudio académico de un yeso según un modelo clásico', un busto marcado por las formas clásicas dibujado por Picasso cuando tenía 12 años. En palabras del propio Picasso, "a los 12 años sabía dibujar como Rafael, pero necesité toda una vida para aprender a pintar como un niño".
Dominique Dupuis-Labbé aseguró que desde joven Picasso "trató el cuerpo humano de forma clásica" y su estudio pormenorizado es lo que le permitió luego "deconstruirlo" y alcanzar "una descripción psicológica del cuerpo".
En esta primera época, que llega hasta 1904, es donde se vislumbra la influencia que recibió de Ramon Casas y el colectivo Els Quatre Gats, donde tuvo acceso a un círculo de pintores, escritores y filósofos vanguardistas.
La segunda sala muestra su estancia en Gósol y los inicios de su época cubista con paisajes, retratos y esbozos para alguna de sus obras más emblemáticas como 'Las señoritas de Avignon', en los que se evidencia la influencia que recibió de artistas como Cezzane o Toulouse-Lautrec o el impacto que le supuso el arte ibérico.
La comisaria explicó que Picasso "tenía una gran capacidad de asimilación" ya que siempre iba con un cuaderno para la calle presto a apuntar y dibujar todo aquello que le sorprendía. Este apartado está acompañado de una máscara de Gabón y una cimera de baile nigeriana.
Otro de los ámbitos está dedicado al Cubismo, con obras de entre 1911 y 1914. Este apartado está presidido por el óleo 'Hombre con guitarra', que está acompañado de diferentes dibujos preparatorios y tintas chinas y carboncillos relacionados con la música.
El cuarto apartado de la muestra, dedicado al Clasicismo y el mundo del teatro, está plagado de retratos de personalidades como Max Jacob, Manuel de Falla, Igor Stravinsky y Guillaume Apollinaire y caricaturas de Jean Cocteau, León Bakst y Serge de Diaghilev.
Este ámbito se completa con dibujos de corridas de toros y bocetos de vestidos para el ballet 'El tricornio'. A este respecto, Jean Cocteau afirmó que "lo que me interesa es el Picasso decorador de teatro. Yo lo arrastré a eso. Sus allegados no querían creer que me seguiría...".
El siguiente apartado, 'Clasicismo y metamorfosis', presidido por dos 'Cabezas' de bronce de 1931 y un ejemplar único de 'Bañista acostada', de 1931 y también en bronce, muestra diferentes dibujos preparatorios para estas esculturas, así como estudios para 'Mujer y niño junto al mar' y 'La alborada.
El último ámbito, relativo a los últimos años de producción del artista de 1946 a 1972, exhibe diversos retratos de Françoise, Sylvette David, una 'Bacanal' en tinta china y el 'collage' a carboncillo sobre papel 'Jacqueline de cara'.
La exposición se completa con la sala dedicada a la estatua 'El hombre del cordero' con una selección de tinta chinas, dibujos a lápiz y bocetos que sirvieron de modelo. Como confesó el mismo artista, "después de no sé cuántos bocetos y meses de reflexión, hice esta estatua en una sola tarde".
Ésta es la primera de las tres exposiciones que tiene preparadas el Museo Picasso de Barcelona para este año para conmemorar el centenario de su primer retorno desde París, su estancia en Gósol y el 125 aniversario de su nacimiento. 'Los Picassos de Antibes', en julio, y 'Picasso y el circo' completarán la oferta.
El concejal de Cultura del Ayuntamiento de Barcelona, Ferran Mascarell, explicó que se han sumado tres nuevas exposiciones: 'La colección del Museo Picasso. Una nueva mirada', que se abrirá en marzo, 'Picasso, el hombre de las mil máscaras', en en Barbier-Mueller de Barcelona en abril y 'Las Barcelonas de Picasso' en el Museu d'Història de la Ciutat, prevista para principios de 2007.
La Sociedad Estatal de Conmemoraciones Estatales colabora en la propuesta Picasso2006BCN y ha aportado un total de 600.000 euros, en un año en que también se conmemora el 25 aniversario del retorno del 'Guernica' a España.
Batalla por los coleccionistas;Se inician las subastas de arte
Febrero inicia con un platillo fuerte para los coleccionistas de arte. A partir de hoy las dos casas de subastas más importantes, Christie’s y Sotheby’s, sacarán a la venta diversos lotes que incluyen piezas de los más importantes artistas del siglo XX, entre ellos el español Pablo Picasso y el francés Paul Gauguin.
En Sotheby’s los más pudientes aficionados pelearán por el denominado “platillo de la noche “, un cuadro de Paul Gauguin titulado Dos mujeres. La pieza se enmarca en la línea de obras creadas por el artista galo desde 1981 cuando mudó su residencia a Tahití, en el Pacífico. Por esa pieza, los organizadores esperan obtener entre 16 y 20 millones de euros (170 y 210 millones de pesos).
Christie’s encara la competencia con una obra del pintor impresionista Camille Pizarro (Péniches sur la Seine a Bougival) pintada en 1871 por la que esperan recaudar entre 37 y 55 millones de pesos, aunque los resultados de las pujas siempre son imprevisibles.
De cualquier forma, la competencia por llamar la atención de los coleccionistas e instituciones museísticas está reñida pues ambas casas subastarán piezas de los mismos autores.
El monumental Hombre con pipa, del artista malagueño Pablo Picasso será subastado por Sotheby’s con un valor inicial de 43 millones de pesos. Christie’s subastará Bouffon et jeune acrobate —creada también por el pintor español— con un precio de salida de 28 millones de pesos.
Otro autor que se repite en ambas subastas es el pintor surrealista Salvador Dalí; Christie’s venderá un dibujo hecho con carbón y lápiz que evidencia la impresión que tuvo la ciudad de Nueva York en el desarrollo pictórico del español, la competencia pondrá a la venta dos piezas de Dalí: El templo del amor y La melancolía.
COINCIDENCIA. Además de los autores repetidos en ambas subastas, otra gran coincidencia provocará la división de coleccionistas. Ambas casas llevarán a cabo ventas especializadas de pintura expresionista alemana y austríaca, en las cuales los pintores vuelven a repetirse.
Del expresionista austríaco Egon Schiele (1890-1918), ambas casas pondrán a la venta óleos, dibujos y guaches que capturan los retratos desnudos que distinguen al artista; la misma situación sucede con el pintor Emile Nolde.
Dentro del apartado de pintura alemana destaca la obra Otoño cerca de Murnau del pintor ruso-francés Wassily Kandinsky, pintada a principios de siglo XX en 1908 por la que la casa Sotheby’s buscará recaudar 9 millones de pesos.
Según los cálculos del presidente de Christie’s Europa, Jussi Pylkanen, la venta podría recaudar alrededor de 840 millones de pesos; nada mal para un solo día.
El director lo atribuye a que esta subasta “Es la más importante de obras alemanas del primer cuarto de siglo XX desde 1997”, pues saldrán a puja piezas que no habían sido exhibidas en público en más de 50 años.
A pesar del exitoso pronóstico de Christie’s, las marcas históricas no parecen peligrar.
Los precios de salida de las obras no se acercan a los récords aunque ambas casas pongan a la venta piezas de Pablo Picasso y Vincent Van Gogh, que figuran en la lista de los autores mejor pagados. Picasso en primer lugar por Muchacho con pipa, vendida en aproximadamente mil millones de pesos y Van Gogh en segundo por Retrato del doctor Gachet, con un valor de 860 millones de pesos. Sin duda, cifras difíciles de alcanzar.
Con este par de subastas se medirá nuevamente la capacidad de venta que tienen los pintores de estas vanguardias. Habrá entonces que esperar a que los organizadores den a conocer los montos alcanzados por las piezas, en particular, y por las subastas, en lo general, para ver si se rompe alguna marca.
Lotes principales
Christie’s
- Vincent van Gogh (1853-1890) Tejedor
- Edgar Degas (1834-1917) Los puentes
- Camille Pissarro (1830-1903) Fenaison à Eragny
- Pierre-Auguste Renoir (1841-1919) Retrato de Pierre-Henri Renoir
- Georges Braque (1882-1963) L’église de Carrières Saint-Denis
- Pablo Picasso (1881-1973) Bufón con joven acróbata
- Claude Monet (1840-1926) La Seine et les côteaux de Chantemesle
- Salvador Dalí (1904-1989) Cómo vio Dalí Broadway
- Max Ernst (1891-1976) Oiseaux
- Marc Chagall (1887-1985) La vache rose
Sotheby’s
- Edvard Munch (1863-1944) Hombres bañándose
- Augusto Rodin (1840-1917) Eve
- Camille Pisarro (1830-1903) Los coros de la reina
- Paul Gaugin (1848-1903) Dos mujeres
- Marc Chagall (1887-1985) Autorretrato de perfil
- Joan Miró (1893-1983) L’oiseau au plumage
- Pablo Picasso (1881-1973) La femme au chat
- Man Ray (1890-1976) La fortuna 2
- Rene Magritte (1898-1967) Golconde
- Francis Picabia (1879-1953) Lunis
06 February 2006
'Arte y parte', que edita Fernando Francés, deja Santander y se traslada a Málaga
SANTANDER
La revista 'Arte y Parte' que edita el cántabro Fernando Francés, director del museo CAC de Málaga, abandonará su sede de Santander y se trasladará a la ciudad andaluza. La veterana publicación estará presente por décimo año consecutivo en la Feria Internacional de Arte Contemporáneo ARCO. La asistencia de 'Arte y Parte', dirigida por el crítico de arte Fernando Huici, suma la cita de Ifema a su habitual presencia en ferias del prestigio de Art Basel, Armory Show de Nueva York, París Photo o Art Basel-Miami Beach, lo que revela su liderazgo entre las revistas españolas especializadas en arte contemporáneo en el contexto internacional. Esta revista cuenta además con distribución en más de 50 países.
La publicación prepara la mudanza a Málaga, donde en breve instalará su sede social y su redacción, incluyendo «el traspaso de su equipo técnico y humano».
La revista se afincó en Santander de la mano de su editor Fernando Francés. Hasta el presente ha editado 61 números. 'Arte y Parte', junto a artículos y ensayos, da cabida a los principales eventos de la actualidad artística. Cada número, además, incluye secciones en torno a las mejores exposiciones; las novedades editoriales en las artes y la estética y, por último, una agenda con la programación de galerías, fundaciones y centros culturales de España, Portugal y América.
'Arte y Parte' celebra en esta edición de la feria madrileña su décimo aniversario. La revista vio la luz en febrero de 1996. Nacía en esa ocasión una nueva publicación de arte con dos objetivos claros: «por un lado, informar de forma exhaustiva de las exposiciones más importantes; por otro, servir de foro de opinión a las figuras más relevantes del panorama artístico internacional».
En este periodo, 'Arte y Parte' se ha convertido en una referencia dentro del mundo artístico siendo además «la revista cultural española con un mayor apoyo publicitario del sector pero manteniendo su carácter independiente y comprometido con la difusión del arte contemporáneo».Entre los colaboradores habituales de la revista se encuentran nombres de prestigio internacional como John Berger, Dore Ashton, Gabriele Finaldi o Victor Stoichita, españoles como Francisco Calvo Serraller, Estrella de Diego, Vicente Molina Foie, Simón Marchán Fiz, Rosa Queralt, Daniel Giralt-Miracle, José-Miguel Ullán, Juan Manuel Bonet, Javier Maderuelo, Guillermo Solana, Miguel Fernández Cid, Valeriano Bozal o incluso artistas como Eduardo Arroyo, Juan Muñoz, Albert Ràfols-Casamada, Luis Gordillo, Guillermo Pérez Villalta, Ángel Mateo Charris, Juan Uslé, Xesús Vázquez, Fernando Sinaga, Curro González, entre otros.
La revista 'Arte y Parte' que edita el cántabro Fernando Francés, director del museo CAC de Málaga, abandonará su sede de Santander y se trasladará a la ciudad andaluza. La veterana publicación estará presente por décimo año consecutivo en la Feria Internacional de Arte Contemporáneo ARCO. La asistencia de 'Arte y Parte', dirigida por el crítico de arte Fernando Huici, suma la cita de Ifema a su habitual presencia en ferias del prestigio de Art Basel, Armory Show de Nueva York, París Photo o Art Basel-Miami Beach, lo que revela su liderazgo entre las revistas españolas especializadas en arte contemporáneo en el contexto internacional. Esta revista cuenta además con distribución en más de 50 países.
La publicación prepara la mudanza a Málaga, donde en breve instalará su sede social y su redacción, incluyendo «el traspaso de su equipo técnico y humano».
La revista se afincó en Santander de la mano de su editor Fernando Francés. Hasta el presente ha editado 61 números. 'Arte y Parte', junto a artículos y ensayos, da cabida a los principales eventos de la actualidad artística. Cada número, además, incluye secciones en torno a las mejores exposiciones; las novedades editoriales en las artes y la estética y, por último, una agenda con la programación de galerías, fundaciones y centros culturales de España, Portugal y América.
'Arte y Parte' celebra en esta edición de la feria madrileña su décimo aniversario. La revista vio la luz en febrero de 1996. Nacía en esa ocasión una nueva publicación de arte con dos objetivos claros: «por un lado, informar de forma exhaustiva de las exposiciones más importantes; por otro, servir de foro de opinión a las figuras más relevantes del panorama artístico internacional».
En este periodo, 'Arte y Parte' se ha convertido en una referencia dentro del mundo artístico siendo además «la revista cultural española con un mayor apoyo publicitario del sector pero manteniendo su carácter independiente y comprometido con la difusión del arte contemporáneo».Entre los colaboradores habituales de la revista se encuentran nombres de prestigio internacional como John Berger, Dore Ashton, Gabriele Finaldi o Victor Stoichita, españoles como Francisco Calvo Serraller, Estrella de Diego, Vicente Molina Foie, Simón Marchán Fiz, Rosa Queralt, Daniel Giralt-Miracle, José-Miguel Ullán, Juan Manuel Bonet, Javier Maderuelo, Guillermo Solana, Miguel Fernández Cid, Valeriano Bozal o incluso artistas como Eduardo Arroyo, Juan Muñoz, Albert Ràfols-Casamada, Luis Gordillo, Guillermo Pérez Villalta, Ángel Mateo Charris, Juan Uslé, Xesús Vázquez, Fernando Sinaga, Curro González, entre otros.
Italia recupera obras de arte robadas.SERAN DEVUELTAS POR EL MUSEO METROPOLITANO DE NUEVA YORK
El Museo Metropolitano de Nueva York ha cedido en la polémica por el comercio ilegal de unas obras de arte italianas, que próximamente regresarán a su país de origen, según informó ayer el diario italiano "Corriere della Sera".
El director del Metropolitano, Philippe De Montebello, devolverá a Italia el jarrón de Eufronio, que data del 515 antes de Cristo, así como otras 15 piezas del tesoro en plata de Morgantina, del siglo III antes de Cristo. Las obras fueron robadas de excavaciones cerca de Roma y en Sicilia y vendidas por traficantes de arte al museo estadounidense por una cifra millonaria. El acuerdo para la devolución de las obras de arte posiblemente lo firmarán a mediados de febrero en Roma el ministro de Cultura italiano, Rocco Buttiglione y De Montebello.
Las piezas arqueológicas, hoy de un valor incalculable, llegarán a Italia a fines de 2007. El jarrón de Eufronio posiblemente irá al museo etrusco en Villa Giulia, de Roma, y el resto de las piezas posiblemente regresarán a Sicilia.
En la actualidad se lleva a cabo en Roma un gran proceso judicial contra Marion True, ex curadora del museo Getty de Los Angeles, que —según la fiscalía— durante años adquirió obras antiguas de arte por valor de 20 millones de dólares pese a que sabía que su procedencia era ilegal.
En total se trata de 40 obras de arte griegas y etruscas, entre ellas una "Venus de Morgantina" de dos metros de altura.
El director del Metropolitano, Philippe De Montebello, devolverá a Italia el jarrón de Eufronio, que data del 515 antes de Cristo, así como otras 15 piezas del tesoro en plata de Morgantina, del siglo III antes de Cristo. Las obras fueron robadas de excavaciones cerca de Roma y en Sicilia y vendidas por traficantes de arte al museo estadounidense por una cifra millonaria. El acuerdo para la devolución de las obras de arte posiblemente lo firmarán a mediados de febrero en Roma el ministro de Cultura italiano, Rocco Buttiglione y De Montebello.
Las piezas arqueológicas, hoy de un valor incalculable, llegarán a Italia a fines de 2007. El jarrón de Eufronio posiblemente irá al museo etrusco en Villa Giulia, de Roma, y el resto de las piezas posiblemente regresarán a Sicilia.
En la actualidad se lleva a cabo en Roma un gran proceso judicial contra Marion True, ex curadora del museo Getty de Los Angeles, que —según la fiscalía— durante años adquirió obras antiguas de arte por valor de 20 millones de dólares pese a que sabía que su procedencia era ilegal.
En total se trata de 40 obras de arte griegas y etruscas, entre ellas una "Venus de Morgantina" de dos metros de altura.
05 February 2006
Un genio a subasta Un particular decide vender 12 cuadros de Munch ante la indignación de los noruegos, que lo consideran una gloria nacional.
AUTORRETRATO. Munch regresa a primera plana de la actualidad.
El símbolo de la pintura contemporánea en Noruega, el expresionista Edvard Munch (1863-1944) vuelve a la carga. Si hace un año y medio recobró la fama por el robo a plena luz del día de su cuadro más famoso, 'El grito', ahora regresa a primera plana de la actualidad por la herencia de una rica familia noruega que adquirió en 1938 más de una veintena de lienzos del pintor al régimen nazi.
Los Olsen son muy conocidos en el país nórdico por su larga relación con la industria naval. Pero los beneficios del mar no impiden que desde hace lustros estén enfadados por culpa de Munch. El reparto entre dos hermanos de una importante colección del pintor, que incluye una de las versiones de 'El grito', hoy en paradero desconocido, ha desatado odios y egos por la súbita decisión del hermano pequeño de subastar su lote en la casa Sotheby's de Londres el 7 y 8 de febrero. Una decisión mal vista por la opinión pública noruega, que considera el legado de Munch como parte de su gloria nacional.
Fue el padre de los hermanos enfrentados, el empresario y filántropo Thomas Olsen, quien alentado por su amigo Munch decidió repatriar en 1938 parte de las 82 obras del artista que el régimen nazi expolió de varios museos alemanes. En esos años Hitler llegó a confiscar 16.000 cuadros de centenares de pintores, algunos de los cuales, entre ellos Munch, fueron considerados por el 'Tercer Reich' como «artistas degenerados», es decir, «de moral baja y estilo pernicioso».
La amistad entre Thomas y Munch era tan sólida que cuando los alemanes invadieron Noruega en abril de 1940, el mecenas salvó las obras del pasto de las llamas al esconderlas en una granja de la familia a las afueras de Oslo, poniendo en riesgo su vida.
Tras esta romántica historia, Thomas se acabaría convirtiendo en un héroe nacional y Munch, aún en vida, en una figura mucho más popular. Pero 66 años más tarde, el pequeño Fred ha decidido poner fin a esta relación. Llamado por el dinero, aunque él asegura que es por su propia seguridad, ha decido subastar 12 obras del pintor que le correspondían por herencia, a pesar de las críticas de su hermano Petter y de la prensa noruega.
Vil metal
Sin embargo, los 12,5 millones de euros que podría sacar Fred de la subasta, aunque algunos expertos estiman que los réditos se acercarían a los 30 millones, parecen tener más peso que los sentimientos. Las controversias por las obras de los Olsen comenzaron hace tres años, cuando el director del Centro del Holocausto en Oslo, Odd Björn Fure, instó a la familia a devolver toda la muestra con el argumento de que era «poco ético comprar arte barato confiscado por la fuerza».
Tanto Fred como Petter, ya enfrentados entonces, respondieron que esta compra había permitido recuperar a Noruega las obras de Munch, al tiempo que algunos expertos de arte señalaron que sólo cabía una reclamación cuando los antiguos dueños fueran personas físicas.
Ahora, la historia ha dado un giro radical con la decisión de Fred, lo que ha tensado más las relaciones familiares. La puja data de 1983, cuando heredaron 28 óleos y otras seis pinturas de Munch. En 2002, Petter se quedó con 16 de ellas y Fred con el resto. Cuatro años más tarde Noruega se queda sin parte de la colección.
Artista multimillonario Damien Hirst exhibirá su rica colección
Londres.- El artista británico Damien Hirst, a quien sus tiburones en formol y sus cadáveres troceados de vacas han hecho multimillonario, es un apasionado coleccionista de obras ajenas.
Su colección, valorada en más de 10 millones de euros y que incluye obras de Picasso, Andy Warhol o Jeff Koons, así como creaciones propias y de otros artistas británicos de su generación, se exhibirá próximamente en la galería Serpentine, de Londres.
La exposición servirá de preparación para el espacio permanente que Hirst quiere abrir al público en noviembre en una mansión de 4,5 millones de euros que acaba de comprar en el condado de Glucestershire, según informa hoy el diario ''The Guardian'', informó Efe.
Hirst es también un ávido coleccionista de la obra del artista italiano Maurizio Cattelan, famoso por instalaciones provocadoras como la Balada de Trotski, un caballo disecado y suspendido del techo o la del anterior Papa, Juan Pablo II golpeado por un meteorito.
Su reciente decisión de comprarse una casa en México, donde vivirá tres meses del año, le ha llevado asimismo a coleccionar arte popular de ese país, según los amigos del artista.
Hirst tiene dinero suficiente para satisfacer su afición: así, la venta en subasta, en octubre de 2004, de los objetos que decoraron un fallido restaurante de su propiedad en Londres, bautizado ''Pharmacy'', le reportó 16 millones de euros.
El valor medio de sus obras en el mercado se ha sextuplicado además en sólo siete años, según el portal de internet artprice.
04 February 2006
"El Jardín de las Delicias" es una de las obras más alucinantes en la historia del arte,de la artista plástico Dafne Elvira.
PUERTO RICO
"El Jardín de las Delicias" es una de las obras más alucinantes en la historia del arte. La artista plástico Dafne Elvira la ha utilizado como punto de partida para su nueva exposición. "La Isla del Encanto" es el título que ha dado a su recreación del conocido cuadro de El Bosco, así como a la muestra de trece obras que presenta a partir de hoy en la Galería Petrus de Miramar.
Hieronymous Bosch, mejor conocido en español como El Bosco, fue un pintor flamenco de finales del siglo XV y principios del XVI. "El Jardín de las Delicias" -su obra más famosa- es considerada una sátira moralizante sobre el destino humano. La misma consiste en tres paneles. En el de la izquierda, se presenta la creación del hombre; en el central, los placeres y pecados del mundo; y el castigo infernal a todos esos pecados en el de la derecha. Aunque se usa para referirse a toda la obra, el título de la misma se refiere, específicamente, al panel central.
Para esta nueva exposición, Dafne Elvira se ha dado a la tarea de recrear esta enigmática pintura de El Bosco. Su versión mantiene el formato de tríptico de la original, con la diferencia de que cada una de las tres partes es, a su vez, un tríptico en sí mismo. Su interpretación del Paraíso se llama "La Isla de la Gran Berenjena"; la de "El Jardín de las Delicias", "La Isla del Encanto"; y la del Infierno, "Encajonados".
Como parte del proceso de apropiación, Dafne ha sustituido los personajes de El Bosco con los suyos. "Como la pintura es tan grande y tiene tantos personajes, esto ha sido como una retrospectiva para mí", comenta. "Vas a encontrar personajes e imágenes de mis cuadros anteriores".
Para esta exposición, Dafne trabajó de una manera diferente a la que está acostumbrada. "Yo, por lo general, empiezo una pintura, la termino y empiezo otra", explica la artista, a la que le tomó dos años crear las trece obras que componen la muestra. "Para ésta, yo lo empecé todo y lo fui trabajando alternativamente. Me fue de mucha utilidad salirme del detalle, hacer las imágenes en grande y entonces retomarlas en pequeño".
Su paleta de colores también ha cambiado. Ahora está mucho más brillante. Para Dafne, esto se debe al hecho de que, por primera vez en su vida, está pintando con luz natural. Hace meses, luego de veinte años en Viejo San Juan, su compañero y ella se fueron a vivir frente al mar en el pueblo de Barceloneta.
Dafne reconoce que al estar más cerca de la naturaleza, ha terminado pintándola. "Vas a ver palmeras, plátanos, incluso una pica de caballos, cosas que tienen que ver con Puerto Rico, pero que honestamente nunca había pintado antes porque mi pintura siempre ha sido de personajes y ya", revela Elvira, para quien la pintura es "una invocación de lo que uno tiene como estilo de vida".
El Puerto Rico que plantea en su obra lo describe como "relativamente sano". No obstante, admite que, en el caso de "La Isla del Encanto", el título tiene una carga ambigua. "Para mí, tiene la misma connotación de 'El Jardín de las Delicias'", explica Dafne.
"Es, un poco, una burla. En ese cuadro, están pasando cosas terribles, como animales devorando gente, y hay una cuestión sexual envuelta. Entiendo que logré una versión de su título que hace sentido en Puerto Rico".
Si hay una escuela de pintura con la que Dafne se identifica, ésa es la escuela flamenca de la que El Bosco es parte. "Es la que más se acerca a mi forma de pintar", explica la artista, que dice estar obsesionada con el detalle. "Pintaban en tabla y usaban mucho el pincel finito".
La influencia de El Bosco en la obra de Dafne Elvira se ha dado de manera indirecta a través de la que ha sido su influencia más directa: la artista mexicana Remedios Varo, una de las máximas exponentes del surrealismo latinoamericano. "Remedios Varo tuvo una influencia enorme de El Bosco", comenta Dafne. "Él viene siendo como una raíz lejana para las cosas que he estado amando por mucho tiempo".
Esperanza Macarena gana el V Premio de Pintura Artistas de Nueva Cosecha
Esperanza Macarena Ruiz-Gómez, madrileña de 29 años, es la ganadora del V Premio de Pintura Artistas de Nueva Cosecha, organizado por las bodegas riojanas Luis Gurpegui Muga. El acto de entrega de los premios tuvo lugar en el Círculo de Bellas Artes de Madrid.
El primer premio, que ha recaído en Esperanza Macarena, consiste en una pintura realizada en acrílico y de óleo sobre lienzo titulado 'Campo de vides' y está dotado con 4.207 euros.
El segundo premio correspondió a Rodrigo Alonso Cuesta, de 23 años, de Burgos, por su pintura 'Reflejos violáceos', y está dotado con 2.404 euros.Y el tercer galardón correspondió a Maite Ramírez Elcano, de 28 años, navarra, por la pintura 'Buqué-bodegón azul' dotado con 601 euros.
Entre las ocho menciones especiales le fue entregado un diploma a Laura Pérez Monterrubio, de La Rioja, por su acrílico 'El baile de la uva (fermentación)'.
Subastarán pintura de Van Gogh en 40 millones dólares
Una de las últimas pinturas de Vincent Van Gogh que aún están en manos privadas conocida como "L'Arlesienne, Madame Ginoux"- será subastada en mayo por un precio estimado en más de 40 millones de dólares, informó la casa de subastas Christie's en Nueva York.
La venta se realizará el 2 de mayo como parte de una subasta de arte impresionista y moderno en el local de Christie's en el Rockefeller Centre de Nueva York. Christie's estableció en 1990 el récord actual para un cuadro del pintor holandés, al subastar en aquel entonces el retrato "Dr. Gachet" en 82,5 millones de dólares.
La obra presentada para la subasta fue pintada en 1890 por Van Gogh como un homenaje a su famoso amigo, el pintor Paul Gauguin. Fue una de una serie de cinco óleos que Van Gogh pintó para Gauguin.
La persona retratada en la pintura era la propietaria de un café frecuentado por ambos artistas. Sirvió de modelo para una serie de bosquejos de ambos artistas.
Christie's indicó que la pintura, que proviene de la colección de la familia del estadounidense Edwin M. Bakwin, retrata a Madame Ginoux con un vestido rosado y blanco, con un trasfondo floral. Fue realizado con una paleta suave para destacar su femineidad.
La venta se realizará el 2 de mayo como parte de una subasta de arte impresionista y moderno en el local de Christie's en el Rockefeller Centre de Nueva York. Christie's estableció en 1990 el récord actual para un cuadro del pintor holandés, al subastar en aquel entonces el retrato "Dr. Gachet" en 82,5 millones de dólares.
La obra presentada para la subasta fue pintada en 1890 por Van Gogh como un homenaje a su famoso amigo, el pintor Paul Gauguin. Fue una de una serie de cinco óleos que Van Gogh pintó para Gauguin.
La persona retratada en la pintura era la propietaria de un café frecuentado por ambos artistas. Sirvió de modelo para una serie de bosquejos de ambos artistas.
Christie's indicó que la pintura, que proviene de la colección de la familia del estadounidense Edwin M. Bakwin, retrata a Madame Ginoux con un vestido rosado y blanco, con un trasfondo floral. Fue realizado con una paleta suave para destacar su femineidad.
Una muestra revelará imágenes ocultas de una pintura de Constable
Una muestra revelará imágenes ocultas de una pintura de Constable
Una exposición de obras del artista británico John Constable (1776-1837) en la Galería Tate Britain permitirá conocer las imágenes escondidas en una de sus más famosas pinturas.
La galería ha usado rayos X para descubrir que los esbozos originales de la pintura 'View On The Stour Near Dedham' (Panorámica del Stour cerca de Dedham) eran muy diferentes de la versión final de la obra.
El artista romántico pintó inicialmente a dos chicos pescando en la ribera del río y una muchacha en primer plano.
En un esbozo posterior, el pintor eliminó esas figuras y las sustituyó por dos jóvenes sentados en la orilla del río.
En la versión final, los jóvenes han desaparecido y Constable ha añadido una segunda barcaza en el centro de la composición.
La codirectora de la exposición, Anne Lyles, destacó cómo, eliminando los detalles figurativos en el primer plano de la pintura, Constable 'quería centrar el enfoque visual y narrativo en el centro de la composición'.
La exposición, titulada 'Constable: los grandes paisajes', se abrirá al público el próximo 1 de junio y será la primera vez que puedan contemplarse juntos los esbozos y la pintura final desde 1820, cuando estaban en el estudio de Constable.
Una exposición de obras del artista británico John Constable (1776-1837) en la Galería Tate Britain permitirá conocer las imágenes escondidas en una de sus más famosas pinturas.
La galería ha usado rayos X para descubrir que los esbozos originales de la pintura 'View On The Stour Near Dedham' (Panorámica del Stour cerca de Dedham) eran muy diferentes de la versión final de la obra.
El artista romántico pintó inicialmente a dos chicos pescando en la ribera del río y una muchacha en primer plano.
En un esbozo posterior, el pintor eliminó esas figuras y las sustituyó por dos jóvenes sentados en la orilla del río.
En la versión final, los jóvenes han desaparecido y Constable ha añadido una segunda barcaza en el centro de la composición.
La codirectora de la exposición, Anne Lyles, destacó cómo, eliminando los detalles figurativos en el primer plano de la pintura, Constable 'quería centrar el enfoque visual y narrativo en el centro de la composición'.
La exposición, titulada 'Constable: los grandes paisajes', se abrirá al público el próximo 1 de junio y será la primera vez que puedan contemplarse juntos los esbozos y la pintura final desde 1820, cuando estaban en el estudio de Constable.
Zarautz acogerá a lo largo del próximo mes de abril una nueva edición de la muestra Ikusi Arte
ZARAUTZ
Los artistas locales expondrán sus obras en los escaparates de los comercios
Zarautz acogerá a lo largo del próximo mes de abril una nueva edición de la muestra Ikusi Arte, una iniciativa de la asociación de comerciantes Murkil
ZARAUTZ DV. Durante el próximo mes de abril, cualquier comercio de Zarautz podrá ejercer de improvisada galería de arte si decide secundar una nueva edición de Ikusi Arte, muestra que pretende sacar el arte contemporáneo a las calles y acercarlo al público con el objetivo también de ofrecer, de una manera original y novedosa, un espacio de exposición para artistas locales.
Ikusi Arte es una iniciativa de la asociación de comerciantes de Zarautz, Murkil, y cuenta con la organización técnica a cargo del colectivo Xpression!!! y con el apoyo del Ayuntamiento de Zarautz. Con el objetivo de acercar el arte contemporáneo a todo tipo de público, los promotores de la muestra han optado por utilizar el comercio zarauztarra como alternativa, por lo que las tiendas de textil, zapaterías, carnicerías, pescaderías y de cualquier otro sector ejercerán durante un mes como improvisadas galerías de arte.
Escaparate para artistas
Esta iniciativa, que quiere crear un precedente como alternativa a otros espacios culturales, pretende ser también el escaparate para artistas con pocos recursos a la hora de exponer y que, a pesar de estar despuntando por la calidad de su obra en la escena cultural actual, no encuentran espacios suficientes, quedando fuera del circuito oficial.
Los artistas interesados en participar en esta muestra pueden ya contactar con la organización. Cada uno deberá presentar una decena de obras en fotografía, formato digital o papel, para que se puedan seleccionar las más adecuadas para la exposición. Después, serán los propios comerciantes quienes elegirán el cuadro que deseen. Además, podrán vender la obra de acuerdo al precio fijado por su autor.
Al igual que el año pasado, al acabar la muestra se proclamará el cuadro ganador y su autor recibirá el premio de exponer en la sala de exposiciones de Torre Luzea.
Artistas locales
Un total de 85 comercios participaron en la edición de 2004 en la que tomaron parte trece artistas: Pablo Aramburu, Leire Larretxea, Laura San Juan, Sandro Martín, Jon Stone, Iker Bengoetxea, Alina Lidia Malaiu, Andoni García, Lander Urberuaga, Jeni Laparra, Marcos Rubio, Imanol Ituripea y Ana Raquel Ruiz de Zabando.
En esta ocasión, desde Murkil quieren realizar un especial llamamiento a los artistas locales para que participen en esta iniciativa presentando algún cuadro. Para más información pueden llamar al teléfono de Xpression, 695927046.
Para enviar las fotografías de las obras pueden hacerlo a info@xpressionk.net. Asimismo, pueden encontrar las bases de la convocatoria en la dirección www.murkil.com.
Los artistas locales expondrán sus obras en los escaparates de los comercios
Zarautz acogerá a lo largo del próximo mes de abril una nueva edición de la muestra Ikusi Arte, una iniciativa de la asociación de comerciantes Murkil
ZARAUTZ DV. Durante el próximo mes de abril, cualquier comercio de Zarautz podrá ejercer de improvisada galería de arte si decide secundar una nueva edición de Ikusi Arte, muestra que pretende sacar el arte contemporáneo a las calles y acercarlo al público con el objetivo también de ofrecer, de una manera original y novedosa, un espacio de exposición para artistas locales.
Ikusi Arte es una iniciativa de la asociación de comerciantes de Zarautz, Murkil, y cuenta con la organización técnica a cargo del colectivo Xpression!!! y con el apoyo del Ayuntamiento de Zarautz. Con el objetivo de acercar el arte contemporáneo a todo tipo de público, los promotores de la muestra han optado por utilizar el comercio zarauztarra como alternativa, por lo que las tiendas de textil, zapaterías, carnicerías, pescaderías y de cualquier otro sector ejercerán durante un mes como improvisadas galerías de arte.
Escaparate para artistas
Esta iniciativa, que quiere crear un precedente como alternativa a otros espacios culturales, pretende ser también el escaparate para artistas con pocos recursos a la hora de exponer y que, a pesar de estar despuntando por la calidad de su obra en la escena cultural actual, no encuentran espacios suficientes, quedando fuera del circuito oficial.
Los artistas interesados en participar en esta muestra pueden ya contactar con la organización. Cada uno deberá presentar una decena de obras en fotografía, formato digital o papel, para que se puedan seleccionar las más adecuadas para la exposición. Después, serán los propios comerciantes quienes elegirán el cuadro que deseen. Además, podrán vender la obra de acuerdo al precio fijado por su autor.
Al igual que el año pasado, al acabar la muestra se proclamará el cuadro ganador y su autor recibirá el premio de exponer en la sala de exposiciones de Torre Luzea.
Artistas locales
Un total de 85 comercios participaron en la edición de 2004 en la que tomaron parte trece artistas: Pablo Aramburu, Leire Larretxea, Laura San Juan, Sandro Martín, Jon Stone, Iker Bengoetxea, Alina Lidia Malaiu, Andoni García, Lander Urberuaga, Jeni Laparra, Marcos Rubio, Imanol Ituripea y Ana Raquel Ruiz de Zabando.
En esta ocasión, desde Murkil quieren realizar un especial llamamiento a los artistas locales para que participen en esta iniciativa presentando algún cuadro. Para más información pueden llamar al teléfono de Xpression, 695927046.
Para enviar las fotografías de las obras pueden hacerlo a info@xpressionk.net. Asimismo, pueden encontrar las bases de la convocatoria en la dirección www.murkil.com.
Hace 25 años que se celebró la primera edición de Arco en Madrid
Hace 25 años que se celebró la primera edición de Arco en Madrid, una feria de arte contemporáneo que aspiraba a situar la modernidad en España. De un mercado inexistente se pasó en los ochenta al boom internacional, a un declive tras la guerra del Golfo y, ahora, a un nuevo ascenso. Babelia repasa la historia de su evolución en unas páginas que destacan lo más interesante de Arco 2006.
ARCO 2006
"Arco era una feria imposible en la España de 1982. No era un proyecto viable, pero funcionó", según el analista Nacho Ruiz"De 1988 a 1990 hubo una tremenda proyección de las galerías españolas a causa del boom internacional. La burbuja explotó con la guerra del Golfo"A principios de los años ochenta en Madrid, "la movida" era como un zumbido impreciso que surgía desde muchos campos de la creación. Se respiraba una mezcla de euforia y escepticismo, bullía un deseo de modernidad. Con ese ruido de fondo la galerista Juana de Aizpuru emprendió una tarea con pocos visos de continuidad. En 1982 Arco abrió sus puertas por primera vez el 10 de febrero en el Palacio de Exposiciones y Congresos con un centenar de galerías, 90 de ellas españolas. "Fue un milagro", recordaba la primera directora de Arco cuando se cumplieron 20 ediciones de la feria. Las galerías y los artistas eran los únicos protagonistas, y no se admitía a las instituciones. Fue visitada por 25.000 personas. Pero Arco era un castillo en el aire para un país sin mercado del arte. Aún hoy resulta difícil seguir con cifras fiables la evolución de un mercado que se basa en criterios difíciles de evaluar, por lo que haremos un seguimiento de su historia a través de datos de archivo y estudios recientes.
Las cosas han cambiado mucho en 25 años para la feria madrileña. El galerista italiano Lucio Amelio llevó a la primera edición de Arco obras de Mario Merz, de arte povera y de la transvanguardia. Los precios estaban entre las 50.000 y 80.000 pesetas (300 y 480 euros), para las pequeñas, y entre 200.000 y 350.000 (1.200 y 2.000 euros), las de gran formato. Eran precios inferiores a los habituales de su galería. No vendió nada. "Si las obras hubieran estado expuestas en la feria de Basilea se habrían vendido en una hora", comentó entonces. El galerista murciano Nacho Ruiz, autor del libro Arco: arte y mercado en la España democrática (Arco/Región de Murcia, 2004), divide la evolución de la feria madrileña en tres etapas. "De 1982 a 1984 fue la época del entusiasmo. Culturalmente fue muy buena, económicamente casi un desastre", dice. "Arco era una feria imposible en la España de 1982. No era un proyecto viable, pero funcionó". Dos años después en la revista de "la movida" -un ambiente que influyó mucho en Arco- La Luna de Madrid, titulaba "La vanguardia es el mercado". En esa edición algunos galeristas españoles vendieron hasta el 90%. En Arco 1986 la cifra media de un cuadro era de medio millón de pesetas (3.000 euros), según una encuesta informal de la feria.
"En 1987 entró a dirigir la feria Rosina Gómez Baeza, que ha cumplido un papel esencial. Salvó a Arco de la crisis y no sólo en el aspecto económico. Ha mantenido a toda costa el nivel de calidad, cosa que otras ferias, como la Fiac de París, no respetaron por salvarse de la crisis y fue su declive", en opinión de este analista del mercado.
La cifra de ventas ese año fue de 4.800.000 euros. La organización valoraba el conjunto de la oferta, de mil artistas, en 12 millones de euros. Se podía comprar un tàpies por 5 millones de pesetas (30.000 euros); un barceló por 3 millones de pesetas (18.000 euros); un motherwell salía por 10 millones de pesetas (unos 60.000 euros).
En una encuesta informal de EL PAÍS entre los galeristas españoles presentes en dicha edición de Arco (20 de los 91 presentes) de una lista de 55 artistas, salieron en los diez primeros puestos los siguientes: Tàpies y Barceló (cada uno con 14 votos) fueron los más valorados. Luego seguían Chillida (11 votos); José María Sicilia (10); José Manuel Broto (9); Antonio Saura, Antonio López y Luis Gordillo (8); Ferran García Sevilla (7); Salvador Dalí, Miquel Navarro y Jorge Oteiza (6); Juan Navarro Baldeweg y Eduardo Arroyo (5); José Guerrero, Hernández Pijuán, Francisco Leiro, Menchu Lamas y Miguel Ángel Campano (4), y Martín Chirino, Ráfols Casamada, Javier Mariscal, El Hortelano y Ouka Lele (3).
Todo iba a más. "De 1988 a 1990 se dio una tremenda proyección de las galerías españolas al calor del boom internacional del mercado del arte", prosigue Ruiz. "Los precios se disparan de una manera tremenda, empieza la especulación del arte en España. Pero la burbuja revienta con la guerra del Golfo. Se trabajaba sobre una base mala, artificial, y hay un descenso rápido de ventas, pero Arco sigue adelante".
En 1988 se facilitaron cifras provisionales de ventas en torno a los 7 millones de euros (1.200 millones de pesetas), un 2,4% más que el año anterior. La cifra más alta de su historia hasta ese momento. Se vendió la mitad de la obra expuesta. Pero se podía llegar más alto.
Banqueros, coleccionistas y aficionados se gastaron cerca de 4.000 millones de pesetas (24 millones de euros) en Arco 1989, tres veces más que el año anterior. La obra más cara vendida en esa edición fue un pequeño picasso (41×33 centímetros) titulado Personaje y perro a 148 millones de pesetas (890.000 euros), por la galería japonesa Yoshii. La francesa L'Orangerie vendió un grabado de la primera época de Dalí por 145 millones (872.000 euros).
El mercado del arte internacional vivía un boom. En 1990 se vendieron en Arco 192 pinturas por más de 1.200.000 pesetas (unos 1,4 millones de euros), destacando en esta lista Picasso, con un cuadro de 1943 vendido por 1.400 millones de pesetas (8,4 millones de euros). En la siguiente edición, pese a la crisis internacional que trajo la guerra del Golfo, Arco vendió por valor de 36 millones de euros, según la organización. La feria salió adelante pero al año siguiente acusó el golpe, con la ausencia de muchas galerías extranjeras.
"De 1992 a 1994 fueron años malos para Arco, pero las otras ferias internacionales también acusaron la caída. Las galerías estadounidenses dejaron de venir, y eso permitió que las jóvenes galerías españolas accedieran a otras ferias como la de Basilea. La presencia internacional del arte español en el extranjero queda garantizada por el esfuerzo de las galerías", afirma este galerista.
En Arco 1993 se consolida "el coleccionista del millón" (6.000 euros). La mayoría de las obras de la feria se sitúan entre uno y diez millones de pesetas, sin llegar a los 190 (1.142.000 euros) que se llegaron a pagar por un bacon en 1990. "Los coleccionistas españoles llegaban hasta la barrera del millón, sin problemas", dijo Juana de Aizpuru.
Según la Unión de Asociaciones de Galerías de Arte de España, las 608 galerías declararon haber facturado 10.267 millones de euros en 1993. En Arco 1994 la sensación general es que lo peor ha pasado. "El comprador tiene ahora más tiempo para decidir, ya no existe esa prisa loca, esa ansiedad por comprar", comentaba entonces el galerista valenciano Luis Adelantado. El norteamericano Leo Castelli valoró que ese año la calidad había primado sobre la cantidad.
Al cumplir veinte años (2001) los organizadores de la feria reconocían que no habían logrado crear un coleccionismo privado sólido en España y que los empresarios no arriesgaban en el arte de los más jóvenes. El mercado del arte en España facturó en 2000 un volumen total de negocio de unos 721 millones de euros, lo que supuso un aumento del 60% respecto a la facturación de 1990. Sin embargo, la cuota de España en el mercado mundial del arte no superaba el 0,6%, según un estudio realizado por la Unión de Asociaciones de Galerías de Arte de España (UAGAE). El estudio estimaba que de las 800 galerías españolas, sólo 40 o 50 podrían, con un plan especial de apoyo, incidir en el elitista mercado internacional.
"Las dos últimas ediciones de Arco han sido las mejores", según Nacho Ruiz. La edición de 2003 de Arco fue valorada por la crítica como la mejor de su historia, pero también la más clásica, tanto para la escena internacional como para la española. En 2005 la oferta de arte español fue abrumadora. "El mercado del arte español ha madurado, la presencia internacional es cada vez mayor. Eso se nota en el número de solicitudes recibidas de galerías de todo el mundo y la cantidad de rechazadas. Las galerías jóvenes que han entrado en estos últimos años han dado un nuevo aire a la feria", concluye Nacho Ruiz.
La de 2006 será la última feria dirigida por Rosina Gómez Baeza, que cede el destino de Arco a Lourdes Fernández (San Sebastián, 1961), quien manifestó hace poco su intención de continuar con las líneas establecidas aunque también apuntó su idea de adaptar la feria a las nuevas condiciones de la escena artística. "Las formas de producción de la gente joven, que usan las nuevas tecnologías y el soporte audiovisual, van a cambiar los parámetros del mercado, incluso porque estos artistas quieren producir de una forma que no es necesariamente muy mercantil", afirmó Fernández.
Mientras tanto, el gran capital vuelve a ver en el arte una forma de inversión. En 2004 los precios rozaron el récord de 1990, según un informe de Artprice, el prestigioso índice de análisis del mercado del arte. En las subastas internacionales se deja sentir de nuevo el vértigo de las subidas. Las subastas de arte en 2005 cerraron el año con un aumento de ventas (4 billones de dólares, unos 3.300 millones de euros), un 10,4% más que al año anterior, según Artprice. Un crecimiento considerable teniendo en cuenta que 2004 había cerrado con un 19% más que el ejercicio precedente. En ese sentido Nueva York sigue siendo la capital comercial del arte, con un 44% del mercado mundial de las subastas. En 2005 el movimiento artístico más solicitados por los coleccionistas fue el Dadá (un 137% más de ventas) debido a la exposición del Pompidou (París). En segundo y tercer lugar están el futurismo y el arte povera.
ARCO 2006
Lugar: Parque Ferial Juan Carlos I, de Madrid. Pabellones 7 y 9.
Fecha: del jueves 9 al lunes 13 de febrero.
Horario: jueves 9, de 17 a 21. De viernes a lunes, de 12 a 21.
Entrada: jueves 9: 30 euros. Viernes 10 y sábado 11: 28 euros. Domingo 12 y lunes 13: 24 euros. Estudiantes: día 9: 20 euros; día 10 y 11: 19 euros; días 12 y 13: 17 euros.
País invitado: Austria.
Países participantes: 33 países de los cinco continentes, con una mayor representación de EE UU, Alemania, Francia, Italia y Portugal. Hay tres países que participan por primera vez: Croacia, Suráfrica y Singapur.
Número de galerías: 280 (191 extranjeras y 89 españolas), con obras de más de 3.000 creadores.
Conferencias:
IV Fórum Internacional de Expertos en Arte Contemporáneo. Fórum Arco.
ARCO 2006
"Arco era una feria imposible en la España de 1982. No era un proyecto viable, pero funcionó", según el analista Nacho Ruiz"De 1988 a 1990 hubo una tremenda proyección de las galerías españolas a causa del boom internacional. La burbuja explotó con la guerra del Golfo"A principios de los años ochenta en Madrid, "la movida" era como un zumbido impreciso que surgía desde muchos campos de la creación. Se respiraba una mezcla de euforia y escepticismo, bullía un deseo de modernidad. Con ese ruido de fondo la galerista Juana de Aizpuru emprendió una tarea con pocos visos de continuidad. En 1982 Arco abrió sus puertas por primera vez el 10 de febrero en el Palacio de Exposiciones y Congresos con un centenar de galerías, 90 de ellas españolas. "Fue un milagro", recordaba la primera directora de Arco cuando se cumplieron 20 ediciones de la feria. Las galerías y los artistas eran los únicos protagonistas, y no se admitía a las instituciones. Fue visitada por 25.000 personas. Pero Arco era un castillo en el aire para un país sin mercado del arte. Aún hoy resulta difícil seguir con cifras fiables la evolución de un mercado que se basa en criterios difíciles de evaluar, por lo que haremos un seguimiento de su historia a través de datos de archivo y estudios recientes.
Las cosas han cambiado mucho en 25 años para la feria madrileña. El galerista italiano Lucio Amelio llevó a la primera edición de Arco obras de Mario Merz, de arte povera y de la transvanguardia. Los precios estaban entre las 50.000 y 80.000 pesetas (300 y 480 euros), para las pequeñas, y entre 200.000 y 350.000 (1.200 y 2.000 euros), las de gran formato. Eran precios inferiores a los habituales de su galería. No vendió nada. "Si las obras hubieran estado expuestas en la feria de Basilea se habrían vendido en una hora", comentó entonces. El galerista murciano Nacho Ruiz, autor del libro Arco: arte y mercado en la España democrática (Arco/Región de Murcia, 2004), divide la evolución de la feria madrileña en tres etapas. "De 1982 a 1984 fue la época del entusiasmo. Culturalmente fue muy buena, económicamente casi un desastre", dice. "Arco era una feria imposible en la España de 1982. No era un proyecto viable, pero funcionó". Dos años después en la revista de "la movida" -un ambiente que influyó mucho en Arco- La Luna de Madrid, titulaba "La vanguardia es el mercado". En esa edición algunos galeristas españoles vendieron hasta el 90%. En Arco 1986 la cifra media de un cuadro era de medio millón de pesetas (3.000 euros), según una encuesta informal de la feria.
"En 1987 entró a dirigir la feria Rosina Gómez Baeza, que ha cumplido un papel esencial. Salvó a Arco de la crisis y no sólo en el aspecto económico. Ha mantenido a toda costa el nivel de calidad, cosa que otras ferias, como la Fiac de París, no respetaron por salvarse de la crisis y fue su declive", en opinión de este analista del mercado.
La cifra de ventas ese año fue de 4.800.000 euros. La organización valoraba el conjunto de la oferta, de mil artistas, en 12 millones de euros. Se podía comprar un tàpies por 5 millones de pesetas (30.000 euros); un barceló por 3 millones de pesetas (18.000 euros); un motherwell salía por 10 millones de pesetas (unos 60.000 euros).
En una encuesta informal de EL PAÍS entre los galeristas españoles presentes en dicha edición de Arco (20 de los 91 presentes) de una lista de 55 artistas, salieron en los diez primeros puestos los siguientes: Tàpies y Barceló (cada uno con 14 votos) fueron los más valorados. Luego seguían Chillida (11 votos); José María Sicilia (10); José Manuel Broto (9); Antonio Saura, Antonio López y Luis Gordillo (8); Ferran García Sevilla (7); Salvador Dalí, Miquel Navarro y Jorge Oteiza (6); Juan Navarro Baldeweg y Eduardo Arroyo (5); José Guerrero, Hernández Pijuán, Francisco Leiro, Menchu Lamas y Miguel Ángel Campano (4), y Martín Chirino, Ráfols Casamada, Javier Mariscal, El Hortelano y Ouka Lele (3).
Todo iba a más. "De 1988 a 1990 se dio una tremenda proyección de las galerías españolas al calor del boom internacional del mercado del arte", prosigue Ruiz. "Los precios se disparan de una manera tremenda, empieza la especulación del arte en España. Pero la burbuja revienta con la guerra del Golfo. Se trabajaba sobre una base mala, artificial, y hay un descenso rápido de ventas, pero Arco sigue adelante".
En 1988 se facilitaron cifras provisionales de ventas en torno a los 7 millones de euros (1.200 millones de pesetas), un 2,4% más que el año anterior. La cifra más alta de su historia hasta ese momento. Se vendió la mitad de la obra expuesta. Pero se podía llegar más alto.
Banqueros, coleccionistas y aficionados se gastaron cerca de 4.000 millones de pesetas (24 millones de euros) en Arco 1989, tres veces más que el año anterior. La obra más cara vendida en esa edición fue un pequeño picasso (41×33 centímetros) titulado Personaje y perro a 148 millones de pesetas (890.000 euros), por la galería japonesa Yoshii. La francesa L'Orangerie vendió un grabado de la primera época de Dalí por 145 millones (872.000 euros).
El mercado del arte internacional vivía un boom. En 1990 se vendieron en Arco 192 pinturas por más de 1.200.000 pesetas (unos 1,4 millones de euros), destacando en esta lista Picasso, con un cuadro de 1943 vendido por 1.400 millones de pesetas (8,4 millones de euros). En la siguiente edición, pese a la crisis internacional que trajo la guerra del Golfo, Arco vendió por valor de 36 millones de euros, según la organización. La feria salió adelante pero al año siguiente acusó el golpe, con la ausencia de muchas galerías extranjeras.
"De 1992 a 1994 fueron años malos para Arco, pero las otras ferias internacionales también acusaron la caída. Las galerías estadounidenses dejaron de venir, y eso permitió que las jóvenes galerías españolas accedieran a otras ferias como la de Basilea. La presencia internacional del arte español en el extranjero queda garantizada por el esfuerzo de las galerías", afirma este galerista.
En Arco 1993 se consolida "el coleccionista del millón" (6.000 euros). La mayoría de las obras de la feria se sitúan entre uno y diez millones de pesetas, sin llegar a los 190 (1.142.000 euros) que se llegaron a pagar por un bacon en 1990. "Los coleccionistas españoles llegaban hasta la barrera del millón, sin problemas", dijo Juana de Aizpuru.
Según la Unión de Asociaciones de Galerías de Arte de España, las 608 galerías declararon haber facturado 10.267 millones de euros en 1993. En Arco 1994 la sensación general es que lo peor ha pasado. "El comprador tiene ahora más tiempo para decidir, ya no existe esa prisa loca, esa ansiedad por comprar", comentaba entonces el galerista valenciano Luis Adelantado. El norteamericano Leo Castelli valoró que ese año la calidad había primado sobre la cantidad.
Al cumplir veinte años (2001) los organizadores de la feria reconocían que no habían logrado crear un coleccionismo privado sólido en España y que los empresarios no arriesgaban en el arte de los más jóvenes. El mercado del arte en España facturó en 2000 un volumen total de negocio de unos 721 millones de euros, lo que supuso un aumento del 60% respecto a la facturación de 1990. Sin embargo, la cuota de España en el mercado mundial del arte no superaba el 0,6%, según un estudio realizado por la Unión de Asociaciones de Galerías de Arte de España (UAGAE). El estudio estimaba que de las 800 galerías españolas, sólo 40 o 50 podrían, con un plan especial de apoyo, incidir en el elitista mercado internacional.
"Las dos últimas ediciones de Arco han sido las mejores", según Nacho Ruiz. La edición de 2003 de Arco fue valorada por la crítica como la mejor de su historia, pero también la más clásica, tanto para la escena internacional como para la española. En 2005 la oferta de arte español fue abrumadora. "El mercado del arte español ha madurado, la presencia internacional es cada vez mayor. Eso se nota en el número de solicitudes recibidas de galerías de todo el mundo y la cantidad de rechazadas. Las galerías jóvenes que han entrado en estos últimos años han dado un nuevo aire a la feria", concluye Nacho Ruiz.
La de 2006 será la última feria dirigida por Rosina Gómez Baeza, que cede el destino de Arco a Lourdes Fernández (San Sebastián, 1961), quien manifestó hace poco su intención de continuar con las líneas establecidas aunque también apuntó su idea de adaptar la feria a las nuevas condiciones de la escena artística. "Las formas de producción de la gente joven, que usan las nuevas tecnologías y el soporte audiovisual, van a cambiar los parámetros del mercado, incluso porque estos artistas quieren producir de una forma que no es necesariamente muy mercantil", afirmó Fernández.
Mientras tanto, el gran capital vuelve a ver en el arte una forma de inversión. En 2004 los precios rozaron el récord de 1990, según un informe de Artprice, el prestigioso índice de análisis del mercado del arte. En las subastas internacionales se deja sentir de nuevo el vértigo de las subidas. Las subastas de arte en 2005 cerraron el año con un aumento de ventas (4 billones de dólares, unos 3.300 millones de euros), un 10,4% más que al año anterior, según Artprice. Un crecimiento considerable teniendo en cuenta que 2004 había cerrado con un 19% más que el ejercicio precedente. En ese sentido Nueva York sigue siendo la capital comercial del arte, con un 44% del mercado mundial de las subastas. En 2005 el movimiento artístico más solicitados por los coleccionistas fue el Dadá (un 137% más de ventas) debido a la exposición del Pompidou (París). En segundo y tercer lugar están el futurismo y el arte povera.
ARCO 2006
Lugar: Parque Ferial Juan Carlos I, de Madrid. Pabellones 7 y 9.
Fecha: del jueves 9 al lunes 13 de febrero.
Horario: jueves 9, de 17 a 21. De viernes a lunes, de 12 a 21.
Entrada: jueves 9: 30 euros. Viernes 10 y sábado 11: 28 euros. Domingo 12 y lunes 13: 24 euros. Estudiantes: día 9: 20 euros; día 10 y 11: 19 euros; días 12 y 13: 17 euros.
País invitado: Austria.
Países participantes: 33 países de los cinco continentes, con una mayor representación de EE UU, Alemania, Francia, Italia y Portugal. Hay tres países que participan por primera vez: Croacia, Suráfrica y Singapur.
Número de galerías: 280 (191 extranjeras y 89 españolas), con obras de más de 3.000 creadores.
Conferencias:
IV Fórum Internacional de Expertos en Arte Contemporáneo. Fórum Arco.
03 February 2006
CaixaForum abre un nuevo espacio para el arte.( SPAIN)
BARCELONA. La Sala Montcada cambia de ubicación; pasa del Borne a una de las torres de CaixaForum. Tres artistas contemporáneos invaden el nuevo local con sus propuestas.
No hay duda que Casa Ramona (sede de CaixaForum) es un edificio laberíntico para sus visitantes. A este laberinto de ladrillo visto se suma un nuevo espacio, Espai Montcada -al cual se accede por escaleras o ascenor-, que estará dedicado al arte joven y emergente.
La comisaria Marta Gili explicó que la programación arrancan con el proyecto «A mida» que defienden tres artistas con tres visiones diferentes de invadir un espacio. La primera de la lista es la donostiarra Maider López que, entre otros trabajos, participó el año pasado en la Biennal de Venecia en el pabellón italiano en la exposición comisariada por María Corral «La experiencia del arte».
Maider ha optado por la invasión. «Lo que he hecho es inundar la sala de columnas de madera pintadas de color blanco -destaca la joven artista-; de tal forma que el espacio ha perdido su función y se ha convertido en un bosque con ciento diez columnas». López reconoce que lo que le interesa es ver la reacción del público y subraya que su trabajo siempre viaja entre la arquitectura, el diseño y el arte. «El espectador pasa a ser parte activa de la pieza», comenta Maider mientras desvela que las columnas de madera que ha instalado son idénticas a las dos que había en el espacio original.
No hay duda que Casa Ramona (sede de CaixaForum) es un edificio laberíntico para sus visitantes. A este laberinto de ladrillo visto se suma un nuevo espacio, Espai Montcada -al cual se accede por escaleras o ascenor-, que estará dedicado al arte joven y emergente.
La comisaria Marta Gili explicó que la programación arrancan con el proyecto «A mida» que defienden tres artistas con tres visiones diferentes de invadir un espacio. La primera de la lista es la donostiarra Maider López que, entre otros trabajos, participó el año pasado en la Biennal de Venecia en el pabellón italiano en la exposición comisariada por María Corral «La experiencia del arte».
Maider ha optado por la invasión. «Lo que he hecho es inundar la sala de columnas de madera pintadas de color blanco -destaca la joven artista-; de tal forma que el espacio ha perdido su función y se ha convertido en un bosque con ciento diez columnas». López reconoce que lo que le interesa es ver la reacción del público y subraya que su trabajo siempre viaja entre la arquitectura, el diseño y el arte. «El espectador pasa a ser parte activa de la pieza», comenta Maider mientras desvela que las columnas de madera que ha instalado son idénticas a las dos que había en el espacio original.
Fernando Duran (MADRID) celebra Primera Subasta de Arte Latinoamericano.
La sala de subastas Fernando Durán celebra la Primera Subasta de Arte Latinoamericano en Madrid el próximo 15 de febrero, con el lienzo 'El conquistador', fechado en 1984, del colombiano Fernando Botero, con un precio de salida de 290.000 euros, uno de los principales atractivos de la puja.
La exposición previa, de las 285 piezas de esta primera subasta monográfica de arte latinoamericano, con obra gráfica de maestros como Roberto Matta, Wifredo Lam, Antonio Segui y Claudio Bravo, entre otros, estará abierta al público hasta el próximo día 14 de febrero en las dos salas de Fernando Durán Subastas, en las calles de Velázquez y Conde de Aranda, donde se desarrollará la puja.
Alvaro Durán, director de la sección de pintura y antigüedades de la sala Fernando Durán, explicó en la presentación que esta es la primera vez que se subasta en España el arte de todos los países americanos, y dijo que era 'una asignatura pendiente'.
Emily Murphy, organizadora de la subasta y especialista en arte Latinoamericano, destacó la selección de artistas de todas las corrientes entre los que se encuentran representantes del movimiento Cinético y Geométrico, hasta la escuela de Torres-García, pasando por el Realismo Mágico y la Nueva Figuración.
Murphy recordó que desde hace 20 años el arte latinoamericano 'tiene una proyección internacional indudable y su entrada en el mercado norteamericano fue triunfal', y dijo que la apuesta ahora es Europa desde España, país con el que muchos artistas latinoamericanos tienen una estrecha relación.
Alvaro Durán añadió que esta subasta nace con el propósito de ser una cita anual con el arte latinoamericano y brinda una posibilidad de adquirir obra de artistas de reconocido prestigio internacional y un puente para el mercado del arte del continente americano en Europa.
La puja del próximo 15 de febrero ofrece en 285 lotes una selección variada de obra de artistas consagrados y emergentes como Jesús Soto, Guillermo Kuitca, Fernando Botero, Claudio Bravo, César Paternosto, Domingo Liz, Víctor Rodríguez, Tomás Sánchez, Julio Le Parc, Francisco Toledo, Ana Mercedes Hoyos y Betsabé Romero, entre otros.
La subasta tiene una parte dedicada a obra gráfica y fotografía de artistas como Mario Cravo Neto, Dino Bruzzone y Marcos López, y una amplia presencia del arte cubano, por su especial tradición, que está secundado por nombres como Kcho, Garciandía y Arrechea, señaló Durán.
El arte Cinético está representado, entre otras, por las obras de Matilde Pérez, Jesús Soto o Cruz Díez; en el arte concreto o arte Madi se encuentran piezas de Carmelo Arden Quin, Martín Blaszko y Bolívar, y en arte Geométrico salen a subasta obras de Pablo Siquier, Julio Le Parc y César Paternostro.
La exposición previa, de las 285 piezas de esta primera subasta monográfica de arte latinoamericano, con obra gráfica de maestros como Roberto Matta, Wifredo Lam, Antonio Segui y Claudio Bravo, entre otros, estará abierta al público hasta el próximo día 14 de febrero en las dos salas de Fernando Durán Subastas, en las calles de Velázquez y Conde de Aranda, donde se desarrollará la puja.
Alvaro Durán, director de la sección de pintura y antigüedades de la sala Fernando Durán, explicó en la presentación que esta es la primera vez que se subasta en España el arte de todos los países americanos, y dijo que era 'una asignatura pendiente'.
Emily Murphy, organizadora de la subasta y especialista en arte Latinoamericano, destacó la selección de artistas de todas las corrientes entre los que se encuentran representantes del movimiento Cinético y Geométrico, hasta la escuela de Torres-García, pasando por el Realismo Mágico y la Nueva Figuración.
Murphy recordó que desde hace 20 años el arte latinoamericano 'tiene una proyección internacional indudable y su entrada en el mercado norteamericano fue triunfal', y dijo que la apuesta ahora es Europa desde España, país con el que muchos artistas latinoamericanos tienen una estrecha relación.
Alvaro Durán añadió que esta subasta nace con el propósito de ser una cita anual con el arte latinoamericano y brinda una posibilidad de adquirir obra de artistas de reconocido prestigio internacional y un puente para el mercado del arte del continente americano en Europa.
La puja del próximo 15 de febrero ofrece en 285 lotes una selección variada de obra de artistas consagrados y emergentes como Jesús Soto, Guillermo Kuitca, Fernando Botero, Claudio Bravo, César Paternosto, Domingo Liz, Víctor Rodríguez, Tomás Sánchez, Julio Le Parc, Francisco Toledo, Ana Mercedes Hoyos y Betsabé Romero, entre otros.
La subasta tiene una parte dedicada a obra gráfica y fotografía de artistas como Mario Cravo Neto, Dino Bruzzone y Marcos López, y una amplia presencia del arte cubano, por su especial tradición, que está secundado por nombres como Kcho, Garciandía y Arrechea, señaló Durán.
El arte Cinético está representado, entre otras, por las obras de Matilde Pérez, Jesús Soto o Cruz Díez; en el arte concreto o arte Madi se encuentran piezas de Carmelo Arden Quin, Martín Blaszko y Bolívar, y en arte Geométrico salen a subasta obras de Pablo Siquier, Julio Le Parc y César Paternostro.
Andrés Nagel traslada al Kursaal su universo artístico de sensaciones (SAN SEBASTIAN)
El artista exhibe en San Sebastián más de 150 esculturas, pinturas, fotografías y películas
Andrés Nagel (San Sebastián, 1947) ha hecho de la libertad creativa la base de su trayectoria. No sólo se ha atrevido a explorar las disciplinas más dispares con materiales de todo tipo, se ha mantenido también fiel a un universo irónico y transgresor, según los expertos, muy alejado de modas y servidumbres institucionales. La Sala Kubo de Kutxa en el Kursaal de San Sebastián sintetiza ahora su actividad creadora de sensaciones en una exposición colorista que reúne unas 150 obras recientes, entre esculturas, pinturas fluorescentes, fotos, collages y películas.
Nagel es, además de protagonista, el diseñador de esta muestra que permanecerá abierta al público hasta el próximo 17 de abril. Por eso y pese a su poca afición por las comparecencias públicas, ayer tuvo que ejercer de maestro de ceremonias en la visita guiada de la exposición. Dio sobre todo explicaciones genéricas sobre el montaje -"he optado por ordenar el espacio sin meter artificios primando las series sobre las obras"-, porque cuando al artista se le pide que explique sus creaciones responde tajante: "Dígame qué le sugieren a usted". "Un cuadro no se explica: se ve, se siente... Es cuestión de sex appeal" y de "invertir en él un poco de tiempo".
"El problema de la plástica es que también requiere algo de conocimiento. Y como se ve en dos segundos al estilo de esos libros de aprenda usted alemán en 10 días... Eso es un engaño".
El artista donostiarra, que ha hecho de la hibridación entre la pintura y la escultura uno de sus principales sellos de identidad, ofrece en esta exposición más de 150 motivos para causar sensaciones en el espectador, provocarle descargas, perturbarle o hacerle pensar. Le exige que indague en el espacio central y diáfano de la sala, donde descubrirá por ejemplo una serie taurina de esculturas rampantes de hierro en la pared; piezas que cuelgan del techo o volúmenes iluminados y móviles de cromatismo infantil sobre un jardín de cristales rotos. "Aquí no se da valor a una pieza, sino al conjunto", dijo. Se agrupan por series para evitar que la sala parezca "un hormiguero". En este espacio, donde también ha colgado pinturas y unas singulares vidrieras en hierro y poliéster, se concentra un buen número de los materiales con los que ha trabajado este artista de proyección internacional. Porque Nagel no ha hecho ascos a nada. "Es como si habláramos de la máquina de escribir. ¿Quién se acuerda de en qué máquina ha escrito algo? Parece que el cuadro o la pintura son exclusivamente algo físico. Pero ahí detrás se mueven ideas, sensaciones y eso es lo único que me importa. Del material ni me acuerdo". Pero todos le sirven para su propósito.
El donostiarra presenta en la Sala Kubo una serie de piezas en bronce -desde cabezas hasta formas orgánicas- en una vitrina iluminada y pegada a una sala oscura en la que pueden contemplarse pinturas de plomo "en versión apagada o encendida". También proyecta sobre cuatro pantallas fotografías y películas realizadas con un teléfono, además de una selección de maquetas y dibujos de proyectos de obra pública ya expuestos en Suiza y Estados Unidos. La mayoría de estos diseños nunca se han llegado a materializar. Nagel lo explica así: "La escultura pública es un lío. Se empieza con mucho entusiasmo y luego se abandona".
El artista, arquitecto de formación, lo sabe por experiencia propia, porque ha trascendido el espacio de las galerías y los museos para expandirse por espacios públicos con obras por las que se ha ganado la fama de "transgresor", "rompedor" e "inclasificable". Él siente estas catalogaciones como una "simpleza". "Yo simplemente hago lo que puedo", confiesa. "Porque los artistas ni siquiera podemos hacer lo que nos da la gana".
Recuperan obras robadas hace treinta años gracias a Art Loss Register.De la que Narvik Concepts es miembro.
Recuperan obras robadas hace treinta años gracias a Art Loss Register.De la que Narvik Concepts es miembro.
Londres. El misterio en torno al robo, hace casi treinta años, de siete pinturas de Cézanne, Soutine, Vlaminck y Utrillo, propiedad de un coleccionista estadounidense, parece finalmente resuelto. Las pinturas, valoradas en más de 30 millones de euros, desaparecieron de un domicilio privado de Massachusetts y viajaron a Mónaco para acabar en una casa de subastas de la capital británica, en espera de una decisión judicial.
El Art Loss Register (ARL), organismo creado en 1991 para rastrear los objetos de arte desaparecidos, está ahora en proceso de recuperación de cuatro de las obras que integraban aquel botín. Se trata de dos cuadros de Chaim Soutine, y otras dos de Maurice de Vlaminck y Maurice Utrillo. Otra de las obras robadas, el bodegón de Cézanne Botella y fruta, le fue devuelta a su propietario, Michael Bakwin, después de arduas negociaciones.
Las siete obras habían sido adquiridas en los años veinte por Ruth y Henry Bakwin, millonarios de la costa Este estadounidense. Michael Bakwin, su hijo, heredó las pinturas, que desaparecieron, de su casa de Stockbridge, en Massachusetts, mientras estaba de vacaciones.
La desaparición de los cuadros quedó registrada en el ALR y su fundador, Radcliffe, aceptó encargarse de la búsqueda en nombre del propietario. En 1999 su organización supo de un intento de asegurar las pinturas en Rusia para su eventual venta en la capital británica. Y se llegó a un acuerdo con la policía según el cual se devolvería el Cézanne a cambio de que el propietario renunciase a la propiedad de los otros cuadros robados. El Art Loss Register firmó un contrato y Michael Bakwin recuperó su Cézanne de manos de una sociedad panameña llamada Eire International Trading Company. Radcliffe puso como condición que Eire hiciese una declaración en el sentido de que su firma no estaba involucrada en el robo original ni tenía conexiones con medios criminales. Pero a comienzos del año pasado, tal vez con la esperanza de estar protegidos por los cinco años transcurridos, la misma compañía panameña envió los otros cuadros a Sotheby's para su venta.
Londres. El misterio en torno al robo, hace casi treinta años, de siete pinturas de Cézanne, Soutine, Vlaminck y Utrillo, propiedad de un coleccionista estadounidense, parece finalmente resuelto. Las pinturas, valoradas en más de 30 millones de euros, desaparecieron de un domicilio privado de Massachusetts y viajaron a Mónaco para acabar en una casa de subastas de la capital británica, en espera de una decisión judicial.
El Art Loss Register (ARL), organismo creado en 1991 para rastrear los objetos de arte desaparecidos, está ahora en proceso de recuperación de cuatro de las obras que integraban aquel botín. Se trata de dos cuadros de Chaim Soutine, y otras dos de Maurice de Vlaminck y Maurice Utrillo. Otra de las obras robadas, el bodegón de Cézanne Botella y fruta, le fue devuelta a su propietario, Michael Bakwin, después de arduas negociaciones.
Las siete obras habían sido adquiridas en los años veinte por Ruth y Henry Bakwin, millonarios de la costa Este estadounidense. Michael Bakwin, su hijo, heredó las pinturas, que desaparecieron, de su casa de Stockbridge, en Massachusetts, mientras estaba de vacaciones.
La desaparición de los cuadros quedó registrada en el ALR y su fundador, Radcliffe, aceptó encargarse de la búsqueda en nombre del propietario. En 1999 su organización supo de un intento de asegurar las pinturas en Rusia para su eventual venta en la capital británica. Y se llegó a un acuerdo con la policía según el cual se devolvería el Cézanne a cambio de que el propietario renunciase a la propiedad de los otros cuadros robados. El Art Loss Register firmó un contrato y Michael Bakwin recuperó su Cézanne de manos de una sociedad panameña llamada Eire International Trading Company. Radcliffe puso como condición que Eire hiciese una declaración en el sentido de que su firma no estaba involucrada en el robo original ni tenía conexiones con medios criminales. Pero a comienzos del año pasado, tal vez con la esperanza de estar protegidos por los cinco años transcurridos, la misma compañía panameña envió los otros cuadros a Sotheby's para su venta.
02 February 2006
Reportan como estable el estado de salud del pintor Juan Soriano.
El artista plástico mexicano Juan Soriano (1920) continúa hospitalizado en el Instituto Nacional de Nutrición, en esta ciudad y su estado de salud se reporta "estable", informó la víspera su representante, Marek Keller.
En entrevista, Keller dijo: "No puedo comentar nada nuevo, sólo que continúa estable y recibiendo muchos antibióticos".
Agregó que están a la espera de los resultados de los análisis que se le hicieron, para saber con exactitud cuál es el padecimiento de Soriano, toda vez que se ha determinado que no es una neuroinfección, ni tampoco una neumonía.
El pintor y escultor, cuya obra es conocida a nivel mundial, y quien está en esa hospital desde el 25 de enero pasado, "está muy tranquilo, creo que se siente un poco mejor porque no está en urgencias", apuntó Keller, quien en todo momento asiste a Soriano durante su estancia en el cuarto piso de ese instituto.
Soriano "en este momento no ha hablado, hoy no conversamos", agregó Marek, quien en días pasados comentó que el artista ya hacía preguntas respecto a su obra y cómo estaba su casa.
Soriano ha participado en más de 123 muestras colectivas y en 1950 recibió el primer premio del Salón de Invierno, en 1964 fue homenajeado en el Año de las Artes Plásticas de Jalisco y en 1976 recibió una mención especial en el Festival de Cannes, Francia, y la Medalla de Oro del Instituto Cultural Cabañas de Guadalajara en 1984.
Un papel de Picasso se subastará a partir de 2.300.000 euros
Un papel de Picasso datado en 1905 saldrá a subasta el próximo día 6 en Christie's de Londres por un precio estimado entre 2.300.000 y 3.700.000 euros. En dicha jornada se celebrará una puja de impresionismo y arte moderno en la que también se pondrán a la venta telas de Monet, Cezanne, Van Dongen, Pisarro, Degas y un óleo de Soutin valorado entre 6.300.000 y 7.200.000 euros.
En cuanto al primero, «Bouffon et jeune acrobate», es un gouache y pastel sobre papel que mide 58,2 x 47,2 cms, que pertenece a un coleccionista privado y que fue expuesto en dos ocasiones, una en Munich y otra en Nueva York en sendas exposiciones de obra de Picasso. Se trata de una pieza del conocido como periodo rosa en la trayectoria del artista malagueño y recoge un tema que trató en distintos momentos de esta época, el mundo del circo y los saltimbanquis. La imagen del payaso, dicen en el catálogo, guarda un cierto parecido con el poeta Guillaume Apollinaire.
En cuanto a «Le boeuf écorché», un óleo sobre tela que Chaïm Soutin (1893/ 1943) pintó en 1924 con unas medidas de 129,8 x 75 cms, refleja el interés del artista por explorar sus obsesiones sobre la vida y la muerte, la carne, la comida y es el único de la serie que el artista pintó sobre la carcasa de un buey descarnado que queda en manos privadas. Serie que remite a «The Slaughtered Ox», de Rembrant, fechado en 1655 y que se encuentra en el Museo del Louvre de París.
En cuanto al primero, «Bouffon et jeune acrobate», es un gouache y pastel sobre papel que mide 58,2 x 47,2 cms, que pertenece a un coleccionista privado y que fue expuesto en dos ocasiones, una en Munich y otra en Nueva York en sendas exposiciones de obra de Picasso. Se trata de una pieza del conocido como periodo rosa en la trayectoria del artista malagueño y recoge un tema que trató en distintos momentos de esta época, el mundo del circo y los saltimbanquis. La imagen del payaso, dicen en el catálogo, guarda un cierto parecido con el poeta Guillaume Apollinaire.
En cuanto a «Le boeuf écorché», un óleo sobre tela que Chaïm Soutin (1893/ 1943) pintó en 1924 con unas medidas de 129,8 x 75 cms, refleja el interés del artista por explorar sus obsesiones sobre la vida y la muerte, la carne, la comida y es el único de la serie que el artista pintó sobre la carcasa de un buey descarnado que queda en manos privadas. Serie que remite a «The Slaughtered Ox», de Rembrant, fechado en 1655 y que se encuentra en el Museo del Louvre de París.
Raro autorretrato de Frida busca récord en subasta.La pieza Raíces, que venderá en mayo la Casa Sotheby´s, podría alcanzar un precio de entre 5 y 7 mi
Raro autorretrato de Frida busca récord en subasta.La pieza Raíces, que venderá en mayo la Casa Sotheby´s, podría alcanzar un precio de entre 5 y 7 millones de dólares.
NUEVA YORK .- Uno de los pocos autorretratos de Frida Kahlo de cuerpo entero de que se tiene noticia, la pintura Raíces (1943), con un valor estimado de entre 5 y 7 millones de dólares, podría romper un doble récord obtenido en subasta, de cumplirse las expectativas de la Casa Sotheby´s, que lo pondrá en venta el próximo mes de mayo.
La obra, que ha pertenecido por más de 20 años a una coleccionista estadounidense, podría ser la de mayor precio alcanzado por una pieza de la artista mexicana e, incluso, por una obra de arte latinoamericano salida a subasta. Hasta ahora, el récord es de 5 millones 65 mil 750 dólares obtenido en 2000 por la pintura Autorretrato (1929).
La venta de este cuadro, que fue exhibido por última vez el año pasado, en la retrospectiva de Kahlo organizada por la galería Tate Modern de Londres, se realizará el 24 de mayo en Nueva York. Se ofrecerán, además, piezas de reconocidos artistas modernos y contemporáneos de la región.
Pintada al óleo sobre una superficie de metal de 30 por 50 centímetros, la obra muestra a la artista reclinada en un paisaje estéril y rocoso, echando al suelo raíces que salen de su torso y de las que fluye su sangre como símbolo de vida.
Kahlo culminó la pintura después de volverse a casar por segunda vez con el muralista mexicano Diego Rivera, por lo que simboliza su reunión como pareja tras varios años de separación y sufrimiento.
Según Carmen Melián, directora del departamento de Arte Latinoamericano de Sotheby´s, Raíces es "un excelente ejemplo de la gran introspección y belleza de la obra de Kahlo".
"Es verdaderamente un honor ofrecer una obra de Frida Kahlo de tal rareza. Esta pintura fue realizada tras el reencuentro entre Kahlo y Rivera, un periodo en el que la artista hizo sus obras más acabadas y maduras", explicó la experta.
NUEVA YORK .- Uno de los pocos autorretratos de Frida Kahlo de cuerpo entero de que se tiene noticia, la pintura Raíces (1943), con un valor estimado de entre 5 y 7 millones de dólares, podría romper un doble récord obtenido en subasta, de cumplirse las expectativas de la Casa Sotheby´s, que lo pondrá en venta el próximo mes de mayo.
La obra, que ha pertenecido por más de 20 años a una coleccionista estadounidense, podría ser la de mayor precio alcanzado por una pieza de la artista mexicana e, incluso, por una obra de arte latinoamericano salida a subasta. Hasta ahora, el récord es de 5 millones 65 mil 750 dólares obtenido en 2000 por la pintura Autorretrato (1929).
La venta de este cuadro, que fue exhibido por última vez el año pasado, en la retrospectiva de Kahlo organizada por la galería Tate Modern de Londres, se realizará el 24 de mayo en Nueva York. Se ofrecerán, además, piezas de reconocidos artistas modernos y contemporáneos de la región.
Pintada al óleo sobre una superficie de metal de 30 por 50 centímetros, la obra muestra a la artista reclinada en un paisaje estéril y rocoso, echando al suelo raíces que salen de su torso y de las que fluye su sangre como símbolo de vida.
Kahlo culminó la pintura después de volverse a casar por segunda vez con el muralista mexicano Diego Rivera, por lo que simboliza su reunión como pareja tras varios años de separación y sufrimiento.
Según Carmen Melián, directora del departamento de Arte Latinoamericano de Sotheby´s, Raíces es "un excelente ejemplo de la gran introspección y belleza de la obra de Kahlo".
"Es verdaderamente un honor ofrecer una obra de Frida Kahlo de tal rareza. Esta pintura fue realizada tras el reencuentro entre Kahlo y Rivera, un periodo en el que la artista hizo sus obras más acabadas y maduras", explicó la experta.
FERIA DE BARCELONA II CONGRESO AECOC DE TRAZABILIDAD Y RADIOFRECUENCIA DE IDENTIFICACION (RFID)
LA TRAZABILIDAD DE LOS OBJETOS DE ARTE.
DENTRO DEL FORO DE SEGURIDAD DE LOS PRODUCTOS Y LA TRAZABILIDAD, Y CONTANDO CON LA PRESENCIA DEL PRF. JOSE SANTAOLALLA PRESIDENTE DE AICOA Y VICEPRESIDENTE DE LA FUNDACION WASF , DON JOSEMARIA BONMATI DE AECOC ,DON ALBERT CANALS DE AICOA Y OTROS PONENTES SE HAN DESARROLLADO LAS PONENCIAS DE TRAZABILIDAD DE LOS OBJETOS DE ARTE.
Watchdog Foundation to overview transparency of commerce in works of art is born in Europe (Spain).
Watchdog Foundation to
overview transparency of commerce in
works of art.
Article published by Paula Ruiz of the Spanish newspaper
La Razon Culture and Spectacle section.
A "watchdog" foundation that will overview the
transparency of commerce in works of art is born in Europe (Spain).
Barcelona. - A new entity destined to create confidence in the Art Market was presented yesterday at the recently opened "Torre Agbar de Barcelona".
The World Art Service Foundation (WASF), is the official name of the organization, a non-profit organization intending to bring "judicial security" which would warranty the transparency in all transactions involving the commerce of works of art.
According to its President Mrs. Isidre Faine, general director of the La Caixa (a Spanish financial institution), it is born out of the desire of a civil society wishing to invest in artistic objects due to a greater wealth.
One of its objectives is to generate a series of recommendations addressed to the European Commission of Trade so it can elaborate proposals to protect the public as well as the private artistic patrimony. It is also its intention to involve artists, experts, art galleries and museums of the whole World.
The ceremony was attended by, among many others, Don Jose Ramon Santolalla, first vice-president of the WASF foundation and chief responsible of the "Central International Archives for Objects of Art" (AICOA), Sergi Pastor, second vice-president and sponsor delegate of the institution and Luis Bassat a member of the foundation committee.
It was emphasized that this foundation was born as a response to the more than 40,000 art robberies that every year happen in the world, according to the INTERPOL and to the more than 200 millions of Euros (around 280 millions of dollars) lost to falsification cases. In this sense, Faine reminded that it is important to know the history of a painting, its origin, where has it been and where it is now. This is what we called traceability.
Santaloalla also said that we must help the European Commission to design new directives covering the traceability of the art objects, supply the necessary technical means to implement and enforce both the judicial as well as the documentation aspect.
One step to be undertaken is to elaborate and implement a file or dossier of the work of art in question, where indications such as attribution, authorship, state of conservation, whether restoration is or has been required, etc. Other aspects will be worked upon in order to obtain its objectives and increase the confidence in the art market at the international level.
A Pioneer Organization.
Behind this foundation one can find as founder partners, two important enterprises: Applus, the first certificating entity in Spain and the Archivo Internacional Central de Objetos de Arte (AICOA) one of the most relevant archives for objects of art in the world. Besides these institutions there can also be found personalities and celebrities as main promoters of this initiatives, the Duchess of Alba, the Baroness Carmen Thyseen (famed Thyssen Museum of Madrid), sister Esther and Alice Koplowitz, Juan Abell, Joaquin Folch, among others.
The Foundations disposes of a capital of 360,000 Euros and a staff of 10 persons.
Among the Investigation and Development programs it is sought to advance the project "EXPERTOA", a program of "technical" expertise services of works of art. Furthermore, it is intended to publish a book about the styles and vocabulary of the art, as well as a historical and scientific chronology on the History of Art, since its beginnings.
There is also the intention to create a data base on the REFERENCED PIGMENTS conducive to accomplish the studies of the paint and of the particular different techniques of their creators to be able to ensure the validity of each of their works.
At the same time, a "Green Book" will be implemented in which all generic aspects about normalization; expertise as well as traceability appears.
Article published by Paula Ruiz of the Spanish newspaper
Culture and Spectacle section.
Copyright La Razon. Reprinted here by permission.
ARCO LA 25 EDICIÓN SE CELEBRA DEL 9 AL 13 DE FEBRERO
Impulso internacional, arte urbano y homenajes patrios, claves de ARCO'06
El programa On YouthCulture concentrará muestras de arte urbano
Austria será el país invitado de honor en la nueva edición de la Feria
Rosina Gómez-Baeza durante la presentación de la Feria.
MADRID.- La directora de ARCO, Rosina Gómez-Baeza, ha destacado el creciente peso de las galerías internacionales en la próxima edición de esta Feria de Arte Contemporáneo que será inaugurada por los Reyes el 9 de febrero. La participación de galerias internacionales alcanzará el 64,42% del total, más del doble de la registrada en 1982, cuando se inauguró la feria.
Respecto al número de países participantes, se ha pasado de los 16 representados en 1982 a los 33 que acudirán a este certamen, que cumple su vigésimo quinto aniversario.
Gómez-Baeza sitúa a ARCO como una de las grandes ferias internacionales, mejor incluso que las que se celebran en París, Colonia o Berlín. No obstante, reconoció que "todavía queda mucho por hacer". La directora de ARCO abandonará este puesto el próximo mes de marzo para tomar otros caminos profesionales, siempre relacionados con el arte contemporáneo. Cederá el testigo a la galerista donostiarra Lourdes Fernández.
33 países y 278 galerías
Un total de 278 galerias de 33 países de todo el mundo llenarán las instalaciones de Ifema, del 9 al 13 de febrero de 2006. Además, ARCO celebrará su 25 aniversario con la presencia de Austria como país invitado de honor.
Entre las novedades, destaca el homenaje a la creación española, representada por 16 proyectos nacionales, seleccionados por María de Corral, ex directora del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.
Este programa pretende ser un guiño a la internacionalidad del arte español y un reconocimiento a los grandes maestros de todos los tiempos a través de la mirada actual de una selección de artistas que copan el interés internacional.
Respecto a la importancia del mercado de arte español, Rosina Gómez-Baeza destacó su auge en el marco de un crecimiento mundial. En este sentido, resaltó un informe publicado por el Banco de España que afirma que el arte es ya el tercer objeto de inversión preferido por los españoles después de la construcción y los productos financieros. Según este informe, el 18% de los hogares españoles ha adquirido obras de arte o antigüedades en los últimos años.
En esta misma línea resaltó la creación de un Directorio de Arte Contemporáneo en España 2006, y la memoria 'ARCO, 25 Años a través de la Prensa. Un fondo documental para investigadores, profesionales y seguidores del arte, y un documento histórico que pretende rendir homenaje a los medios y a su labor de apoyo a los objetivos de la Feria. Asimismo anunció la creación de una agenda cultural on line que se revisará cada tres meses con información artística nacional e internacional.
Innovador pretende ser también un segundo proyecto expositivo, con el que ARCO plantea una incursión hasta ahora inédita en los circuitos oficiales del arte, con una muestra que concentra algunas de las más destacadas referencias del arte urbano, enmarcadas en ámbitos de la cultura del graffiti, el hip hop y el street art, que se mostrará en Madrid de la mano de los comisarios Pedro Alonzo y Peter Doroshenko, en el programa On YouthCulture.
El programa On YouthCulture concentrará muestras de arte urbano
Austria será el país invitado de honor en la nueva edición de la Feria
Rosina Gómez-Baeza durante la presentación de la Feria.
MADRID.- La directora de ARCO, Rosina Gómez-Baeza, ha destacado el creciente peso de las galerías internacionales en la próxima edición de esta Feria de Arte Contemporáneo que será inaugurada por los Reyes el 9 de febrero. La participación de galerias internacionales alcanzará el 64,42% del total, más del doble de la registrada en 1982, cuando se inauguró la feria.
Respecto al número de países participantes, se ha pasado de los 16 representados en 1982 a los 33 que acudirán a este certamen, que cumple su vigésimo quinto aniversario.
Gómez-Baeza sitúa a ARCO como una de las grandes ferias internacionales, mejor incluso que las que se celebran en París, Colonia o Berlín. No obstante, reconoció que "todavía queda mucho por hacer". La directora de ARCO abandonará este puesto el próximo mes de marzo para tomar otros caminos profesionales, siempre relacionados con el arte contemporáneo. Cederá el testigo a la galerista donostiarra Lourdes Fernández.
33 países y 278 galerías
Un total de 278 galerias de 33 países de todo el mundo llenarán las instalaciones de Ifema, del 9 al 13 de febrero de 2006. Además, ARCO celebrará su 25 aniversario con la presencia de Austria como país invitado de honor.
Entre las novedades, destaca el homenaje a la creación española, representada por 16 proyectos nacionales, seleccionados por María de Corral, ex directora del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.
Este programa pretende ser un guiño a la internacionalidad del arte español y un reconocimiento a los grandes maestros de todos los tiempos a través de la mirada actual de una selección de artistas que copan el interés internacional.
Respecto a la importancia del mercado de arte español, Rosina Gómez-Baeza destacó su auge en el marco de un crecimiento mundial. En este sentido, resaltó un informe publicado por el Banco de España que afirma que el arte es ya el tercer objeto de inversión preferido por los españoles después de la construcción y los productos financieros. Según este informe, el 18% de los hogares españoles ha adquirido obras de arte o antigüedades en los últimos años.
En esta misma línea resaltó la creación de un Directorio de Arte Contemporáneo en España 2006, y la memoria 'ARCO, 25 Años a través de la Prensa. Un fondo documental para investigadores, profesionales y seguidores del arte, y un documento histórico que pretende rendir homenaje a los medios y a su labor de apoyo a los objetivos de la Feria. Asimismo anunció la creación de una agenda cultural on line que se revisará cada tres meses con información artística nacional e internacional.
Innovador pretende ser también un segundo proyecto expositivo, con el que ARCO plantea una incursión hasta ahora inédita en los circuitos oficiales del arte, con una muestra que concentra algunas de las más destacadas referencias del arte urbano, enmarcadas en ámbitos de la cultura del graffiti, el hip hop y el street art, que se mostrará en Madrid de la mano de los comisarios Pedro Alonzo y Peter Doroshenko, en el programa On YouthCulture.
La II Gala Mecenas del Arte tendrá lugar en el CAC Málaga
El Ayuntamiento de Málaga quiere expresar públicamente su agradecimiento a las empresas, entidades y personas que durante 2005 colaboraron con el Programa de Patrocinios del CAC Málaga. Su apoyo es un ejemplo de compromiso con el arte contemporáneo y con la ciudad y por ello mañana jueves 2 de febrero a las 21.30 horas tendrá lugar la II Gala Mecenas del Arte, que será patrocinada por Doña Francisquita Catering y el Grupo Glow, durante la que se hará entrega del Premio Mecenas del Arte 2005, que distingue a la empresa que durante el año pasado destacó por su gran respaldo a la labor del Centro, así como otras cinco menciones de honor para un coleccionista, dos empresas nacionales y otras dos malagueñas.
La II Gala Mecenas del Arte tendrá lugar en el CAC Málaga y en ella estarán presentes el alcalde de Málaga, Francisco de la Torre, y el director del CAC Málaga, Fernando Francés, así como los máximos responsables de las entidades patrocinadoras. Del mismo modo, asistirán los representantes de las más importantes empresas implantadas en la ciudad, medios de comunicación y diversos miembros del contexto público y cultural malagueño. Así, entre los asistentes figuran los concejales Carolina España (PP), Mariví Romero (PP), Elías Bendodo (PP), Diego Maldonado (PP), Patricia Marín (PP), Antonio Urda (PP), Marisa Bustinduy (PSOE) y Enrique Salvo (PSOE), entre otros.
La cena es un reconocimiento al respaldo mostrado al Centro durante el pasado año, así como una invitación a unirse a un proyecto que tiene como fin difundir y divulgar el arte de hoy entre la ciudadanía. El compromiso de estas empresas y entidades con el CAC Málaga y, por tanto, con la ciudad, supone un importante apoyo para el programa de exposiciones y actividades de un centro que se ha constituido como uno de los referentes del arte contemporáneo en España y Europa.
Al principio de la Gala se hará público el nombre de la empresa distinguida con el Premio Mecenas del Arte 2005, por su labor destacada de respaldo al Centro durante el pasado año. Del mismo modo, se entregarán cinco menciones de honor a aquellas personas y entidades que durante este periodo resaltaron por el esfuerzo realizado en beneficio de la difusión del arte contemporáneo.
Durante 2005 el CAC Málaga se ha consolidado como el segundo centro de arte contemporáneo más visitado del país, así como el primero en participantes en actividades pedagógicas. La excelente acogida que el programa del Centro ha registrado no es sólo patente en el gran número de publicaciones locales, nacionales e internacionales en que ésta es recogida, sino también en su inclusión, por segundo año consecutivo, en la lista de los 150 mejores museos y centros de arte contemporáneo del mundo que desde los años setenta realiza anualmente la prestigiosa revista alemana Capital. Asimismo, la recién inaugurada exposición de Anish Kapoor My Red Homeland ha sido la única muestra española reseñada por la revista británica The Art Newspaper como una de las más importantes del mundo en arte contemporáneo para este año 2006
La II Gala Mecenas del Arte tendrá lugar en el CAC Málaga y en ella estarán presentes el alcalde de Málaga, Francisco de la Torre, y el director del CAC Málaga, Fernando Francés, así como los máximos responsables de las entidades patrocinadoras. Del mismo modo, asistirán los representantes de las más importantes empresas implantadas en la ciudad, medios de comunicación y diversos miembros del contexto público y cultural malagueño. Así, entre los asistentes figuran los concejales Carolina España (PP), Mariví Romero (PP), Elías Bendodo (PP), Diego Maldonado (PP), Patricia Marín (PP), Antonio Urda (PP), Marisa Bustinduy (PSOE) y Enrique Salvo (PSOE), entre otros.
La cena es un reconocimiento al respaldo mostrado al Centro durante el pasado año, así como una invitación a unirse a un proyecto que tiene como fin difundir y divulgar el arte de hoy entre la ciudadanía. El compromiso de estas empresas y entidades con el CAC Málaga y, por tanto, con la ciudad, supone un importante apoyo para el programa de exposiciones y actividades de un centro que se ha constituido como uno de los referentes del arte contemporáneo en España y Europa.
Al principio de la Gala se hará público el nombre de la empresa distinguida con el Premio Mecenas del Arte 2005, por su labor destacada de respaldo al Centro durante el pasado año. Del mismo modo, se entregarán cinco menciones de honor a aquellas personas y entidades que durante este periodo resaltaron por el esfuerzo realizado en beneficio de la difusión del arte contemporáneo.
Durante 2005 el CAC Málaga se ha consolidado como el segundo centro de arte contemporáneo más visitado del país, así como el primero en participantes en actividades pedagógicas. La excelente acogida que el programa del Centro ha registrado no es sólo patente en el gran número de publicaciones locales, nacionales e internacionales en que ésta es recogida, sino también en su inclusión, por segundo año consecutivo, en la lista de los 150 mejores museos y centros de arte contemporáneo del mundo que desde los años setenta realiza anualmente la prestigiosa revista alemana Capital. Asimismo, la recién inaugurada exposición de Anish Kapoor My Red Homeland ha sido la única muestra española reseñada por la revista británica The Art Newspaper como una de las más importantes del mundo en arte contemporáneo para este año 2006
LA MUJER EN LA I BIENAL DE ARTE CONTEMPORÁNEO FUNDACIÓN ONCE.
Desde las Comisarias de la Bienal, Mercè Luz y Blanca Mora, hasta gran parte de los artistas, tanto nacionales como internacionales, la I Bienal de Arte contemporáneo Fundación ONCE cuenta con una interesante representación femenina como clara apuesta por la igualdad de género.
Las impresionantes fotografías de Cristina García Rodero entorno a la superación de la dificultad, el homenaje a la lengua de signos de Johanna Speidel , la inspiración en el sentido de la vista de Lidia Benavides y Paloma Navares , la capacidad expresiva de la pintora ciega Rosa Garriga , la oda a los sentidos de Mª José Gómez Redondo , la sutileza de la escultura de Sagra Ibáñez, las instalaciones de Mónica Fuster , y Eulalia Conde , junto con la fotografía casi pictórica de Ellen Wallenstein , las máscaras de Kim Roppolo o el collage de Lisa Furman , así hasta dieciséis mujeres que constituyen una parte importante de esta muestra dedicada a la polisensorialidad.
Mención especial de lucha vital merece la obra envolvente de Judith Scott , interesante muestra de Art Brut, realizada desde su experiencia de mujer sorda que no tuvo la oportunidad de adquirir el lenguaje debido a un diagnóstico negligente de su discapacidad intelectual. Con gran armonía de color, de forma aparentemente casual, envuelve objetos encontrados acercándonos a lo doméstico; lo textil, las formas redondeadas que nos invitan al abrazo.
El arte Contemporáneo a través de los sentidos, la provocación y la fuerza de la expresión quedan demostrados en las obras de estas artistas que desde la juventud de Roppolo hasta la avanzada edad de Garriga, exponen en el Salón de Baile del Círculo de Bellas Artes hasta el 5 de febrero .
La Fundación ONCE apuesta por la igualdad de género en todos los órdenes de la vida. Como no podía ser de otra manera a través de esta I Bienal de Arte contemporáneo Fundación ONCE se muestra cómo la lucha contra la doble discriminación, mujer y discapacidad, no sólo resulta inspiradora sino una muestra más del valor de la diversidad .
Una exposición de Bonnard reabre el Museo de Arte Moderno de París
El centro expone noventa cuadros de uno de los artistas más enigmáticos del siglo XX, pintor elogiado por Balthus y cuestionado por Picasso
El Museo de Arte Moderno de París -el otro, el nacional, es el del Pompidou- reabre tras dos años de cierre por obras, invisibles pero fundamentales: eliminar el mortal amianto de la construcción y que el edificio cumpla las normas de seguridad. En total, 15 millones de euros. Para celebrar la reapertura, Suzanne Pagé, alma máter del museo, reunió 90 cuadros de uno de los artistas más enigmáticos del siglo XX, Pierre Bonnard.
La Fée Électricité, de Raoul Dufy, un fresco gráfico y coloreado, superficie cóncava de 390 metros cuadrados, se ve ahora subrayada por una iluminación ascensional y difusa, que respeta sus colores. También mejoró la iluminación de la sala que acoge el diálogo entre La danse inachevée y La Danse de Paris, de Matisse.
¿Quién fue Bonnard? "Si usted no cree que Bonnard es el pintor más importante del siglo XX, mejor no hablemos", zanjaba la polémica Balthus. No se habrá entendido al respecto con Picasso, quien definió la pintura de Bonnard como "un potpourri de indecisión, tarea propia de un neoimpresionista, un decadente; un crepúsculo y no una aurora. Que posea una gran sensibilidad agrava el caso a mis ojos".
Curioso personaje: Bonnard cumplió cuatro años en plena Comuna de París con sus 30.000 muertos; tiene 47 cuando estalla la Primera Guerra, una carnicería con millones de víctimas, y muere dos años después de la Segunda Guerra, con sus muertos y deportados. Sin embargo, ni una mención en sus cuadros.
Peor todavía: en 1916 los hermanos Bernheim le encargan un conjunto decorativo que Bonnard termina en 1920, dos años después del armisticio. Mediterráneo, Sinfonía pastoral, El paraíso terrestre y Paisaje urbano no aluden a la tragedia. Pero el pintor no es el hombre: bajo el gobierno colaboracionista, Bonnard rechaza la proposición de retratar al mariscal Pétain, y toda oferta para exponer, mientras artistas politizados como Picasso, Sartre o Camus, pintaban, escribían y estrenaban. Una sola confusión entre el pintor y el hombre: Martha, amante, modelo, esposa, perturbadora presencia en sus cuadros.
Aquellos paisajes incandescentes, los desnudos sumergidos en bañeras azules, las terrazas sobre jardines lujosos le valieron el mote de pintor de la felicidad. Suzanne Pagé lo tiene claro: "Decidí exponer a Bonnard, en esta reapertura que nos pone en primer plano, porque vivimos un momento particular: los creadores redescubren masivamente la práctica de la pintura y Bonnard, cuyo deseo era que su pintura "llegue a los jóvenes artistas del año 2000, leve, con alas de mariposa", es verdaderamente un pintor para pintores.
¿Cómo define, entonces, a Bonnard? "Es el pintor del color, en una línea muy francesa que va de Fragonard y Watteau a Renoir y Monet. Pero también encarna, con Matisse y Picasso, una vía de la modernidad, aun cuando no haya provocado una filiación evidente. No se trata de pintar la vida -decía-, sino de insuflar vida en la pintura. Por detrás de la calma y armonía hay en sus cuadros elementos perturbadores -perspectivas múltiples, personajes periféricos, encuadres sorprendentes- que modifican la lectura inicial. Para mí, Bonnard no es el pintor de la felicidad. Lo que me impresiona de sus cuadros es la permanencia de la melancolía".
El Museo de Arte Moderno de París -el otro, el nacional, es el del Pompidou- reabre tras dos años de cierre por obras, invisibles pero fundamentales: eliminar el mortal amianto de la construcción y que el edificio cumpla las normas de seguridad. En total, 15 millones de euros. Para celebrar la reapertura, Suzanne Pagé, alma máter del museo, reunió 90 cuadros de uno de los artistas más enigmáticos del siglo XX, Pierre Bonnard.
La Fée Électricité, de Raoul Dufy, un fresco gráfico y coloreado, superficie cóncava de 390 metros cuadrados, se ve ahora subrayada por una iluminación ascensional y difusa, que respeta sus colores. También mejoró la iluminación de la sala que acoge el diálogo entre La danse inachevée y La Danse de Paris, de Matisse.
¿Quién fue Bonnard? "Si usted no cree que Bonnard es el pintor más importante del siglo XX, mejor no hablemos", zanjaba la polémica Balthus. No se habrá entendido al respecto con Picasso, quien definió la pintura de Bonnard como "un potpourri de indecisión, tarea propia de un neoimpresionista, un decadente; un crepúsculo y no una aurora. Que posea una gran sensibilidad agrava el caso a mis ojos".
Curioso personaje: Bonnard cumplió cuatro años en plena Comuna de París con sus 30.000 muertos; tiene 47 cuando estalla la Primera Guerra, una carnicería con millones de víctimas, y muere dos años después de la Segunda Guerra, con sus muertos y deportados. Sin embargo, ni una mención en sus cuadros.
Peor todavía: en 1916 los hermanos Bernheim le encargan un conjunto decorativo que Bonnard termina en 1920, dos años después del armisticio. Mediterráneo, Sinfonía pastoral, El paraíso terrestre y Paisaje urbano no aluden a la tragedia. Pero el pintor no es el hombre: bajo el gobierno colaboracionista, Bonnard rechaza la proposición de retratar al mariscal Pétain, y toda oferta para exponer, mientras artistas politizados como Picasso, Sartre o Camus, pintaban, escribían y estrenaban. Una sola confusión entre el pintor y el hombre: Martha, amante, modelo, esposa, perturbadora presencia en sus cuadros.
Aquellos paisajes incandescentes, los desnudos sumergidos en bañeras azules, las terrazas sobre jardines lujosos le valieron el mote de pintor de la felicidad. Suzanne Pagé lo tiene claro: "Decidí exponer a Bonnard, en esta reapertura que nos pone en primer plano, porque vivimos un momento particular: los creadores redescubren masivamente la práctica de la pintura y Bonnard, cuyo deseo era que su pintura "llegue a los jóvenes artistas del año 2000, leve, con alas de mariposa", es verdaderamente un pintor para pintores.
¿Cómo define, entonces, a Bonnard? "Es el pintor del color, en una línea muy francesa que va de Fragonard y Watteau a Renoir y Monet. Pero también encarna, con Matisse y Picasso, una vía de la modernidad, aun cuando no haya provocado una filiación evidente. No se trata de pintar la vida -decía-, sino de insuflar vida en la pintura. Por detrás de la calma y armonía hay en sus cuadros elementos perturbadores -perspectivas múltiples, personajes periféricos, encuadres sorprendentes- que modifican la lectura inicial. Para mí, Bonnard no es el pintor de la felicidad. Lo que me impresiona de sus cuadros es la permanencia de la melancolía".
Arco celebra los 25 años en pleno auge del mercado
Arco celebra los 25 años en pleno auge del mercado
• La feria premiará a Foto Colectania por su labor en favor de la promoción del patrimonio
La 25ª edición de Arco que se celebrará entre los días 9 y 13 de febrero coincide con el momento más animado del mercado del arte de las dos últimas décadas. Durante este lapso la feria internacional de arte ha servido para ampliar el sector galerístico e impulsar el coleccionismo en España y se ha situado al mismo nivel que las grandes muestras artísticas de otras capitales europeas como París o Berlín.
Dentro de una semana, los reyes Juan Carlos y Sofía inaugurarán la muestra, que este año está dedicada a Austria (representada por 22 galerías), coincidiendo con la presidencia de la Unión Europea que ostenta este país en este semestre.
Durante la cena inaugural ofrecida por el Ayuntamiento de Madrid el miércoles día 8, la colección privada Foto Colectania de Barcelona recibirá uno de los premios de la Asociación de Amigos de Arco que distingue las iniciativas en apoyo y promoción del patrimonio. El galardón al coleccionismo español corporativo distinguirá la colección de la Fundación Telefónica.
El auge del sector se mide por un volumen de negocio que ha alcanzado las cotas de 1990, año del último boom en el panorama artístico. En el 2005, los beneficios totales obtenidos en las subastas de obras de arte superaron los 3.200 millones de euros, mientras que en el año anterior no llegaron a los 3.000 millones, según la prestigiosa empresa francesa de análisis Artprice. El número de lotes apenas varió de un año a otro, situándose en torno a los 320.000, lo que indica claramente un alza en las cotizaciones de las piezas subastadas. El año pasado, 477 lotes superaron la barrera psicológica del millón de dólares (814.000 euros).
CRECE LA INVERSIÓN
El hermetismo impide conocer datos fiables del mercado de arte en España. Sin embargo, algunos estudios indican que la bonanza económica ha movilizado a los inversores hacia este sector.
Un reciente informe del Banco de España destaca que el arte es la tercera preferencia de inversión de los españoles después de la construcción y de los productos financieros. Según la encuesta en la que se basó el informe, el 18% de los hogares ha adquirido obras de arte o antigüedades en los últimos años.
En los casi 24.000 metros cuadrados --un nuevo récord-- de Arco 2006, mostrarán sus productos 278 galerías de 35 países. España tiene un 30% de participación del total, seguida de Estados Unidos con 27 galerías, Austria, Alemania, Francia, Portugal e Italia.
• La feria premiará a Foto Colectania por su labor en favor de la promoción del patrimonio
La 25ª edición de Arco que se celebrará entre los días 9 y 13 de febrero coincide con el momento más animado del mercado del arte de las dos últimas décadas. Durante este lapso la feria internacional de arte ha servido para ampliar el sector galerístico e impulsar el coleccionismo en España y se ha situado al mismo nivel que las grandes muestras artísticas de otras capitales europeas como París o Berlín.
Dentro de una semana, los reyes Juan Carlos y Sofía inaugurarán la muestra, que este año está dedicada a Austria (representada por 22 galerías), coincidiendo con la presidencia de la Unión Europea que ostenta este país en este semestre.
Durante la cena inaugural ofrecida por el Ayuntamiento de Madrid el miércoles día 8, la colección privada Foto Colectania de Barcelona recibirá uno de los premios de la Asociación de Amigos de Arco que distingue las iniciativas en apoyo y promoción del patrimonio. El galardón al coleccionismo español corporativo distinguirá la colección de la Fundación Telefónica.
El auge del sector se mide por un volumen de negocio que ha alcanzado las cotas de 1990, año del último boom en el panorama artístico. En el 2005, los beneficios totales obtenidos en las subastas de obras de arte superaron los 3.200 millones de euros, mientras que en el año anterior no llegaron a los 3.000 millones, según la prestigiosa empresa francesa de análisis Artprice. El número de lotes apenas varió de un año a otro, situándose en torno a los 320.000, lo que indica claramente un alza en las cotizaciones de las piezas subastadas. El año pasado, 477 lotes superaron la barrera psicológica del millón de dólares (814.000 euros).
CRECE LA INVERSIÓN
El hermetismo impide conocer datos fiables del mercado de arte en España. Sin embargo, algunos estudios indican que la bonanza económica ha movilizado a los inversores hacia este sector.
Un reciente informe del Banco de España destaca que el arte es la tercera preferencia de inversión de los españoles después de la construcción y de los productos financieros. Según la encuesta en la que se basó el informe, el 18% de los hogares ha adquirido obras de arte o antigüedades en los últimos años.
En los casi 24.000 metros cuadrados --un nuevo récord-- de Arco 2006, mostrarán sus productos 278 galerías de 35 países. España tiene un 30% de participación del total, seguida de Estados Unidos con 27 galerías, Austria, Alemania, Francia, Portugal e Italia.
01 February 2006
FOTOGRAFIAS DE LA INAUGRACION DE LA EXPOSICION "ENTRE LA REALIDAD Y LA FICCION" DEDELLACROIX & DELLFINA EN PICASSOMIO BARCELONA
El evento conto con la presencia de importantes coleccionistas entre ellos la Princesa Birgitta de Suecia.
Juan López, artista de 'Itinerarios', habla de su obra en la Fundación Botín
Juan López, artista de 'Itinerarios', habla de su obra en la Fundación Botín
El único cántabro de la colectiva, hoy, en las visitas comentadas.
SANTANDER
El artista cántabro Juan López durante el montaje de la obra. / DM
Juan López, único cántabro entre los artistas de la muestra colectiva 'Itinerarios 04-05', que la Fundación Marcelino Botín exhibe desde finales del pasado año, explicará hoy los planteamientos de su trabajo, cercano a la publicidad y el cómic. El encuentro tendrá lugar a las 20:30 horas en la misma sala de exposiciones, con entrada libre. Esta cita se enmarca en el programa de visitas comentadas a la exposición de la institución santanderina.
López comentará la experiencia de la beca y hablará de la pieza creada expresamente para la exposición, titulada 'Satán mola' y realizada con vinilos, cinta aislante y una proyección.
Es uno de los artistas que expone en 'Itinerarios 2004/2005', la colectiva de los últimos becarios de la Fundación Marcelino Botín, junto con Fernanda Fragateiro, Sandra Gamarra, Eduardo Nave, Tomás Ochoa, Félix Orcajo, José Antonio Orts, Diana Larrea y Tere Recarens. La muestra esta abierta hasta el próximo día 26 de febrero en la sala de la calle Marcelino Sanz de Sautuola, de Santander, en horario diario de 12 a 14 y de 18:30 a 21:30 horas.
Juan López hace «ejercicios murales en espacios tanto de interior como de exterior». En los primeros desea «intentar modificar la percepción del espacio de trabajo por medio del dibujo y la construcción», lo que aborda con materiales de desecho reciclados y cinta aislante. En los murales de exterior, trata de «asaltar al espectador-paseante y de lanzarle mensajes de ánimo o de causarles la sorpresa de encontrar su entorno cotidiano modificado». Sus trabajos están cercanos a la publicidad, los grandes carteles, el cómic. Se realizan expresamente para un espacio. Para la Fundación ha realizado el mural 'Satán mola'.
Juan López Díez (Alto Maliaño,1979) es licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Castilla La Mancha. Entre sus últimas exposiciones individuales se hallan 'Para tu tara', en el Centro de Arte Santa Mónica de Barcelona; 'Estuve en Toledo y me acordé de ti', en el Espacio Contemporáneo Archivo de Toledo; 'One´n´One', en la Casa Encendida de Madrid; Presentación de redibujo 02 en el Museo de Bellas Artes de Santander; y '1 pone y Dios dispone', en la Facultad de Bellas Artes de Cuenca.
En Cantabria ha expuesto de manera colectiva en Espacio C de Camargo, en Esles, Galería Trazos Tres y en el pub Minimal de Maliaño. Otros dos artistas, la portuguesa Fernanda Fragateiro y el burgalés Félix Orcajo hablarán de su trabajo en las visitas programadas para el próximo lunes, 6 de febrero, y el miércoles, 15 de este mes,
El único cántabro de la colectiva, hoy, en las visitas comentadas.
SANTANDER
El artista cántabro Juan López durante el montaje de la obra. / DM
Juan López, único cántabro entre los artistas de la muestra colectiva 'Itinerarios 04-05', que la Fundación Marcelino Botín exhibe desde finales del pasado año, explicará hoy los planteamientos de su trabajo, cercano a la publicidad y el cómic. El encuentro tendrá lugar a las 20:30 horas en la misma sala de exposiciones, con entrada libre. Esta cita se enmarca en el programa de visitas comentadas a la exposición de la institución santanderina.
López comentará la experiencia de la beca y hablará de la pieza creada expresamente para la exposición, titulada 'Satán mola' y realizada con vinilos, cinta aislante y una proyección.
Es uno de los artistas que expone en 'Itinerarios 2004/2005', la colectiva de los últimos becarios de la Fundación Marcelino Botín, junto con Fernanda Fragateiro, Sandra Gamarra, Eduardo Nave, Tomás Ochoa, Félix Orcajo, José Antonio Orts, Diana Larrea y Tere Recarens. La muestra esta abierta hasta el próximo día 26 de febrero en la sala de la calle Marcelino Sanz de Sautuola, de Santander, en horario diario de 12 a 14 y de 18:30 a 21:30 horas.
Juan López hace «ejercicios murales en espacios tanto de interior como de exterior». En los primeros desea «intentar modificar la percepción del espacio de trabajo por medio del dibujo y la construcción», lo que aborda con materiales de desecho reciclados y cinta aislante. En los murales de exterior, trata de «asaltar al espectador-paseante y de lanzarle mensajes de ánimo o de causarles la sorpresa de encontrar su entorno cotidiano modificado». Sus trabajos están cercanos a la publicidad, los grandes carteles, el cómic. Se realizan expresamente para un espacio. Para la Fundación ha realizado el mural 'Satán mola'.
Juan López Díez (Alto Maliaño,1979) es licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Castilla La Mancha. Entre sus últimas exposiciones individuales se hallan 'Para tu tara', en el Centro de Arte Santa Mónica de Barcelona; 'Estuve en Toledo y me acordé de ti', en el Espacio Contemporáneo Archivo de Toledo; 'One´n´One', en la Casa Encendida de Madrid; Presentación de redibujo 02 en el Museo de Bellas Artes de Santander; y '1 pone y Dios dispone', en la Facultad de Bellas Artes de Cuenca.
En Cantabria ha expuesto de manera colectiva en Espacio C de Camargo, en Esles, Galería Trazos Tres y en el pub Minimal de Maliaño. Otros dos artistas, la portuguesa Fernanda Fragateiro y el burgalés Félix Orcajo hablarán de su trabajo en las visitas programadas para el próximo lunes, 6 de febrero, y el miércoles, 15 de este mes,
El IVAM muestra el trabajo de los últimos años del escultor Martín Chirino
Desde hoy y hasta el próximo 5 de marzo podrá verse en las salas del IVAM Institut Valencià d’Art Modern, 23 representativas esculturas en metal de Martín Chirino (Las Palmas de Gran Canaria, 1925), uno de los miembros del grupo artístico El Paso, formado al final de los años cincuenta por: Luis Feito, Antonio Saura, Manuel Millares, entre otros.
La idea de la muestra es ofrecer una visión de la madurez alcanzada por el artista, en la que su personalidad e influencias, como las del informalismo, quedan patentes a través del manejo de los materiales. Comisariada por Tomás Llorens, Boye Llorens y Mauro Varela Pérez, la exposición permite apreciar la obra de un artista que durante varias décadas ha trabajado sobre las posibilidades del hierro como material principal, y ha sabido apreciar diversos aspectos de creadores como: Constantin Brancusi, Henry Moore, Jean Arp o Julio González, de quien en este último caso, se inspira mayormente para desarrollar la abstracción.
El arte contemporáneo sale a la calle con Madrid Abierto
El coordinador general del Área de Las Artes, Carlos Baztán, junto al consejero de Cultura y Deportes de la Comunidad de Madrid, Santiago Fisas, y el director de la Fundación Altadis, ha presentado esta mañana la tercera edición del programa artístico Madrid Abierto.
Madrid Abierto es un programa de arte público: intervenciones y procesos que obedecen a un concepto o proyecto artístico que se desarrolla en un contexto público, fuera del marco de una galería o museo. Estas propuestas artísticas interactúan con procesos sociales o políticos y se dirigen a todas las personas que de una forma directa o indirecta conviven en un espacio concreto: la Ciudad de Madrid.
Madrid Abierto está promovido, desde su primera edición, por la Fundación Altadis, la Consejería de Cultura y Deportes de la Comunidad de Madrid y el Área de Gobierno de Las Artes del Ayuntamiento de Madrid, con la colaboración este año de ARCO, Fundación Telefónica, Radio 3 de RNE, Círculo de Bellas Artes, Casa de América, Canal Metro, La Casa Encendida, Centro Cultural de la Villa de Madrid, Estudio Jesús Moreno, Post It y Renfe.
En esta tercera edición, que se celebra entre el 1 y el 26 de febrero, las intervenciones se concentrarán en el eje de los paseos de Recoletos, Prado y Castellana. El comité de selección, integrado por Eva González-Sancho (directora del FRAC Bourgogne, Dijon, Francia), Jorge Díez (director de Madrid Abierto), Ramon Parramon (comisario de Madrid Abierto 2005 y director de Idensitat), Rosina Gómez Baeza (directora de ARCO), Nicolas Bourriaud (director del Palais de Tokyo, Paris) y Theo Tegelaers (director de De Appel, Ámsterdam), ha seleccionado los siguientes proyectos:
Accidentes Urbanos, de Virginia Corda y Maria Paula Doberti (Buenos Aires, 1967 y 1966). La idea es detenerse en accidentes casuales e instancias diversas para obtener registros en donde se rescate, simbolice y grafique el cambio, la superposición o el siniestro urbano. El accidente señalado es la memoria, la historia del lugar donde se habita, en donde el transeúnte participa de sus particularidades.
Speakhere!, de Nicole Cousino (California, 1966) en colaboración con Chris Vecchio (Philadelphia, 1964). Establecerán 'un agujero' de emisión en la calle de Alcalá y un altavoz-receptor en el parque del Retiro en el que se transmitirán canciones personales, palabras, expresiones o susurros en tiempo real a una audiencia desprevenida. Basándose en el concepto de los Speaker's Corner de Hyde Park de Londres Speakhere!, invitará al ciudadano a que de forma anónima libere y fortalezca su expresión en público sin la neurosis de estar ante la presencia de una gran audiencia, expresando sus ideas y opiniones.
Post it, de Chus García-Fraile (Madrid, 1965). Reproduciendo las típicas notas autoadhesiva, pero sobredimensionadas, extendidas sobre edificios puntuales de la ciudad y sacados de su contexto habitual, García-Fraile dará otra lectura y epatará al ciudadano. Serán notas de preocupaciones que apelan a reducir o potenciar algunos comportamientos a la vez que los fijamos en nuestra memoria y que conllevarían un cambio de actitud de estas casi sentencias cotidianas. Este proyecto parte de una reflexión acerca de la sociedad de consumo en la cultura occidental y nuestros hábitos más comunes, los límites de lo público y lo privado, y la invasión del ámbito personal por la presión mediática a la que constantemente se ve sometido el ciudadano.
Pulsing Path: ambiguous vision, de Gustav Hellberg (Estocolmo, 1967). Controlando las farolas a lo largo de una calle la luz adquire un efecto palpitante. La luz se atenuará mediante una lenta secuencia, desapareciendo y reapareciendo lentamente en un ciclo continuo, creando una situación inesperada para los transeúntes, cambiando la función normal de las farolas de la calle destacando de este modo cuestiones sobre los estados de normalidad y la incertidumbre que rodea a la existencia humana.
Blend out, de Lorma Marti (Karen Lohrmann, Hamburgo 1967 y Stefano de Martino, Italia 1955). A través de la instalación de una serie de obras que constan de andamios o vallas de seguridad (envueltas en telas y mallas) en el centro de la ciudad, el espacio público quedará acotado modificando así nuestra percepción del contexto en el que están inmersas y el uso que le damos. Lorma Marti busca destacar la erosión y la ocupación del espacio público, algo que se da tan frecuentemente en el ámbito privado (principalmente en las construcciones ilegales toleradas) e institucional (principalmente en forma de medidas impuestas e invasivas).
Ouroboros, de Wilfredo Prieto (Sancti-Spíritus-Cuba, 1978). Prieto propone la instalación de una grúa de construcción enganchada consigo misma, de tal forma que las fuerzas se anulen y aparezca totalmente estática. En alusión a la mítica imagen de la serpiente que se muerde la cola, el proyecto explora el papel del arte en territorios de coexistencia, una reflexión sobre la vida cotidiana sin olvidar que la vida misma es una paradoja que nos impulsa a vivir, a morir, y, algunas veces, a crear arte.
Remolino, de Tere Recarens (Barcelona, 1967). A través de una puerta giratoria de 8 hojas serán realizados una serie de dibujos con temas cotidianos, sociales y humorísticos; el público es el principal factor. Acostumbrados a pararnos enfrente de un dibujo o dibujos, en este caso, serán los dibujos los que tendrán su propio ritmo.
Traslucid View, de Arnoud Schuurman (Países Bajos, 1976). Consistirá en instalaciones fotográficas, dispuestas en una serie, ubicadas en los 'muppies' (mobiliario urbano para publicidad e información, puntos publicitarios en espacios públicos). Cada muppi individual contiene la imagen del entorno inmediato situado tras él. Las instalaciones se colocarán en la zona del paseo de la Castellana, paseo de Recoletos y paseo del Prado y se verán enmarcadas y mostrarán sólo una ligera diferencia con respecto a la realidad que será muy sutil. Los usuarios de los espacios públicos podrán intervenir como participantes, brindándoles la posibilidad de observar el cambio de la realidad en la obra a lo largo del tiempo.
Reality Soundtrack, de Tao G.Vrhovec (Ljubljana-Eslovenia, 1972). A través de una intervención sonora en espacios públicos tales como oficinas de correos, pasajes, centros comerciales, calles¿los participantes-portadores caminarán juntos por la ciudad, siguiendo una pauta de movimiento determinada. El resultado audible de la acción es una nube móvil de sonido que viaja a través de una ciudad. El objetivo es transportar una situación real del espacio público a un plano de ficción. La intervención del sonido cambiará el modo de la percepción del oyente (transeúnte arbitrario), asimilando la realidad como algo que tiene cualquier efecto inmediato sobre su propia existencia, aceptándolo como un fenómeno estético.
Locutorio Colón, de Maki Portilla-Kawamura (Oviedo, 1982), Key Portilla-Kawamura (Oviedo, 1979), Tadanori Yamaguchi (Osaka, 1970) y Ali Ganjavian (Teherán, 1979). En los Jardines del Descubrimiento, sobre la plaza Colón, será construido un locutorio gratuito con la intención de fomentar diversos tipos de comunicación. Este proyecto intentará alejarse de la objetividad y ansias de eternidad que con frecuencia tanto pesan sobre el arte contemporáneo. El proyecto intenta ahondar en los aspectos colaterales a la pieza (el locutorio) misma: en como se corre la voz sobre su existencia, en como se organizan los turnos de uso, en las actividades paralelas que puedan surgir improvisadamente a su alrededor, en el horario de empleo previsiblemente nocturno que tendrá¿
Asimismo, continuando con la labor de las dos ediciones anteriores, RMS La Asociación realiza la coordinación de Madrid Abierto y el equipo 451 desarrolla la imagen gráfica y la página web. La emisora pública Radio 3 participará en la producción y difusión del trabajo de Tao G. Vrhovec, junto con el resto de las intervenciones de Madrid Abierto.
Madrid Abierto 2006 continúa tratando de profundizar en una actividad artística entendida como una práctica de activación, de interacción con otros agentes de ámbitos específicos de la complejidad social. Y lo hace a partir de una convocatoria abierta de proyectos, dedicando una cantidad máxima de doce mil euros a la producción de cada uno de los seleccionados.
Con la finalidad de reflexionar sobre el modelo de Madrid Abierto y contrastarlo con los propios artistas, especialistas y con otras iniciativas similares nacionales e internacionales, en esta tercera edición y junto con la colaboración de La Casa Encendida de Caja Madrid serán organizadas los días 2 y 3 de febrero de 18:00 a 21:00 horas unas mesas de debate. Los resultados de estas mesas, junto con la experiencia adquirida, serán incorporados en las futuras convocatorias de Madrid Abierto.
Madrid Abierto es un programa de arte público: intervenciones y procesos que obedecen a un concepto o proyecto artístico que se desarrolla en un contexto público, fuera del marco de una galería o museo. Estas propuestas artísticas interactúan con procesos sociales o políticos y se dirigen a todas las personas que de una forma directa o indirecta conviven en un espacio concreto: la Ciudad de Madrid.
Madrid Abierto está promovido, desde su primera edición, por la Fundación Altadis, la Consejería de Cultura y Deportes de la Comunidad de Madrid y el Área de Gobierno de Las Artes del Ayuntamiento de Madrid, con la colaboración este año de ARCO, Fundación Telefónica, Radio 3 de RNE, Círculo de Bellas Artes, Casa de América, Canal Metro, La Casa Encendida, Centro Cultural de la Villa de Madrid, Estudio Jesús Moreno, Post It y Renfe.
En esta tercera edición, que se celebra entre el 1 y el 26 de febrero, las intervenciones se concentrarán en el eje de los paseos de Recoletos, Prado y Castellana. El comité de selección, integrado por Eva González-Sancho (directora del FRAC Bourgogne, Dijon, Francia), Jorge Díez (director de Madrid Abierto), Ramon Parramon (comisario de Madrid Abierto 2005 y director de Idensitat), Rosina Gómez Baeza (directora de ARCO), Nicolas Bourriaud (director del Palais de Tokyo, Paris) y Theo Tegelaers (director de De Appel, Ámsterdam), ha seleccionado los siguientes proyectos:
Accidentes Urbanos, de Virginia Corda y Maria Paula Doberti (Buenos Aires, 1967 y 1966). La idea es detenerse en accidentes casuales e instancias diversas para obtener registros en donde se rescate, simbolice y grafique el cambio, la superposición o el siniestro urbano. El accidente señalado es la memoria, la historia del lugar donde se habita, en donde el transeúnte participa de sus particularidades.
Speakhere!, de Nicole Cousino (California, 1966) en colaboración con Chris Vecchio (Philadelphia, 1964). Establecerán 'un agujero' de emisión en la calle de Alcalá y un altavoz-receptor en el parque del Retiro en el que se transmitirán canciones personales, palabras, expresiones o susurros en tiempo real a una audiencia desprevenida. Basándose en el concepto de los Speaker's Corner de Hyde Park de Londres Speakhere!, invitará al ciudadano a que de forma anónima libere y fortalezca su expresión en público sin la neurosis de estar ante la presencia de una gran audiencia, expresando sus ideas y opiniones.
Post it, de Chus García-Fraile (Madrid, 1965). Reproduciendo las típicas notas autoadhesiva, pero sobredimensionadas, extendidas sobre edificios puntuales de la ciudad y sacados de su contexto habitual, García-Fraile dará otra lectura y epatará al ciudadano. Serán notas de preocupaciones que apelan a reducir o potenciar algunos comportamientos a la vez que los fijamos en nuestra memoria y que conllevarían un cambio de actitud de estas casi sentencias cotidianas. Este proyecto parte de una reflexión acerca de la sociedad de consumo en la cultura occidental y nuestros hábitos más comunes, los límites de lo público y lo privado, y la invasión del ámbito personal por la presión mediática a la que constantemente se ve sometido el ciudadano.
Pulsing Path: ambiguous vision, de Gustav Hellberg (Estocolmo, 1967). Controlando las farolas a lo largo de una calle la luz adquire un efecto palpitante. La luz se atenuará mediante una lenta secuencia, desapareciendo y reapareciendo lentamente en un ciclo continuo, creando una situación inesperada para los transeúntes, cambiando la función normal de las farolas de la calle destacando de este modo cuestiones sobre los estados de normalidad y la incertidumbre que rodea a la existencia humana.
Blend out, de Lorma Marti (Karen Lohrmann, Hamburgo 1967 y Stefano de Martino, Italia 1955). A través de la instalación de una serie de obras que constan de andamios o vallas de seguridad (envueltas en telas y mallas) en el centro de la ciudad, el espacio público quedará acotado modificando así nuestra percepción del contexto en el que están inmersas y el uso que le damos. Lorma Marti busca destacar la erosión y la ocupación del espacio público, algo que se da tan frecuentemente en el ámbito privado (principalmente en las construcciones ilegales toleradas) e institucional (principalmente en forma de medidas impuestas e invasivas).
Ouroboros, de Wilfredo Prieto (Sancti-Spíritus-Cuba, 1978). Prieto propone la instalación de una grúa de construcción enganchada consigo misma, de tal forma que las fuerzas se anulen y aparezca totalmente estática. En alusión a la mítica imagen de la serpiente que se muerde la cola, el proyecto explora el papel del arte en territorios de coexistencia, una reflexión sobre la vida cotidiana sin olvidar que la vida misma es una paradoja que nos impulsa a vivir, a morir, y, algunas veces, a crear arte.
Remolino, de Tere Recarens (Barcelona, 1967). A través de una puerta giratoria de 8 hojas serán realizados una serie de dibujos con temas cotidianos, sociales y humorísticos; el público es el principal factor. Acostumbrados a pararnos enfrente de un dibujo o dibujos, en este caso, serán los dibujos los que tendrán su propio ritmo.
Traslucid View, de Arnoud Schuurman (Países Bajos, 1976). Consistirá en instalaciones fotográficas, dispuestas en una serie, ubicadas en los 'muppies' (mobiliario urbano para publicidad e información, puntos publicitarios en espacios públicos). Cada muppi individual contiene la imagen del entorno inmediato situado tras él. Las instalaciones se colocarán en la zona del paseo de la Castellana, paseo de Recoletos y paseo del Prado y se verán enmarcadas y mostrarán sólo una ligera diferencia con respecto a la realidad que será muy sutil. Los usuarios de los espacios públicos podrán intervenir como participantes, brindándoles la posibilidad de observar el cambio de la realidad en la obra a lo largo del tiempo.
Reality Soundtrack, de Tao G.Vrhovec (Ljubljana-Eslovenia, 1972). A través de una intervención sonora en espacios públicos tales como oficinas de correos, pasajes, centros comerciales, calles¿los participantes-portadores caminarán juntos por la ciudad, siguiendo una pauta de movimiento determinada. El resultado audible de la acción es una nube móvil de sonido que viaja a través de una ciudad. El objetivo es transportar una situación real del espacio público a un plano de ficción. La intervención del sonido cambiará el modo de la percepción del oyente (transeúnte arbitrario), asimilando la realidad como algo que tiene cualquier efecto inmediato sobre su propia existencia, aceptándolo como un fenómeno estético.
Locutorio Colón, de Maki Portilla-Kawamura (Oviedo, 1982), Key Portilla-Kawamura (Oviedo, 1979), Tadanori Yamaguchi (Osaka, 1970) y Ali Ganjavian (Teherán, 1979). En los Jardines del Descubrimiento, sobre la plaza Colón, será construido un locutorio gratuito con la intención de fomentar diversos tipos de comunicación. Este proyecto intentará alejarse de la objetividad y ansias de eternidad que con frecuencia tanto pesan sobre el arte contemporáneo. El proyecto intenta ahondar en los aspectos colaterales a la pieza (el locutorio) misma: en como se corre la voz sobre su existencia, en como se organizan los turnos de uso, en las actividades paralelas que puedan surgir improvisadamente a su alrededor, en el horario de empleo previsiblemente nocturno que tendrá¿
Asimismo, continuando con la labor de las dos ediciones anteriores, RMS La Asociación realiza la coordinación de Madrid Abierto y el equipo 451 desarrolla la imagen gráfica y la página web. La emisora pública Radio 3 participará en la producción y difusión del trabajo de Tao G. Vrhovec, junto con el resto de las intervenciones de Madrid Abierto.
Madrid Abierto 2006 continúa tratando de profundizar en una actividad artística entendida como una práctica de activación, de interacción con otros agentes de ámbitos específicos de la complejidad social. Y lo hace a partir de una convocatoria abierta de proyectos, dedicando una cantidad máxima de doce mil euros a la producción de cada uno de los seleccionados.
Con la finalidad de reflexionar sobre el modelo de Madrid Abierto y contrastarlo con los propios artistas, especialistas y con otras iniciativas similares nacionales e internacionales, en esta tercera edición y junto con la colaboración de La Casa Encendida de Caja Madrid serán organizadas los días 2 y 3 de febrero de 18:00 a 21:00 horas unas mesas de debate. Los resultados de estas mesas, junto con la experiencia adquirida, serán incorporados en las futuras convocatorias de Madrid Abierto.